El Óscar al mejor diseño de producción (mejor diseño de interiores de una película), también llamado a la mejor dirección artística se ha venido entregando desde la primera sesión de los Premios Óscar. Es el reconocimiento que se le da a un director de arte.
En 2012, para la edición número 85, la categoría fue renombrada como “Mejor Diseño de Producción” debido a que la rama de Director de Arte de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMPAS) fue renombrada como la rama del diseñador.
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El diseñador de producción, Dante Ferreti, fue ganador del Óscar y BAFTA en 2007. De hecho, el dúo que formó con el director, Tim Burton, fue un total acierto. “Resultó que por lo general pensábamos en la misma línea”, comentó Ferreti.
Los diseños que Ferretti usó en Sweeny Todd se basan en una paleta de colores poco saturados, principalmente con tonos grises y negros. Así que los chorros de sangre carmesí sobresalen vívidamente frente a este fondo. El diseñador se inspiró en el DVD de Son of Frankestein que Burton le dio para explicar su concepto de una versión estilizada de Lonres del siglo XIX.
Si bien al principio se consideró crear los espacios con gráficos de computadora al estilo de Sin City y Sky Captain, esto dificultaba las cosas para actores pues es mejor estar en un set que contra una pantalla verde. Por ello, Ferretti y su equipo debieron construir los conjuntos complejos y solo usaron CGI para las extensiones. El equipo incluía a Francesca Lo Schiavo, decoradora de set y esposa de Ferretti, también ganadora del Óscar con el filme.
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Los ganadores, Donald Graham Burt y Victor J. Zolfo se enfocaron diseñar de acuerdo a las diversas etapas en que transcurre la vida de Button, un personaje que nace siendo viejo y, conforme pasan los años, se hace más joven.
La película entera fue un reto porque hay escenas muy diferentes estilísticamente. Durante parte del filme, Benjamin es un compuesto de actor corporal y un CGI en el rostro.
El rodaje se llevó a cabo en su mayoría en Nueva Orleans y Montreal. No obstante, para entonces, la ciudad de Nueva Orleans apenas se recuperaba de la devastación que dejó el huracán Katrina. Sin embargo, la atemporalidad de la ciudad encajaba con el tapiz de eras que se buscaba. Era importante que cada elemento puesto fuera deliberado y tuviera un sentido. No querían colocar cosas solo para llenar un vacío. Además, crearon sus propias historias de vida para los lugares donde ocurren los eventos más importantes.
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Los ganadores fueron Rick Carter, Robert Stromberg y Kim Sinclair. Carter es uno de los diseñadores de producción más celebrados de Hollywood.
Casi todo el set es computarizado y creado usando efectos especiales. De hecho, esto supuso un reto pues envolvía la creación de un planeta con su propia cultura, propios habitantes. No obstante, se logró una atmosfera increíble, con animales bastante realistas, montañas y más.
Asimismo, el concepto se basó en la idea de un mundo de bioluminiscencia, que es casi como el sistema nervioso del planeta. El director, Cameron, tenía fragmentos y destellos que expresaba al productor de diseño y luego el equipo tenía que hacer que esas ideas se volvieran realidad.
Para imaginar Pandora, Carter creó lo que él llama un “bosque exuberante de cosecha propia”, que tiene cualidades alienígenas.
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En 2010, Robert Stromberg y Karen O’Hara se llevaron el Óscar a mejor dirección de arte. Stromberg cuenta que la parte más interesante del proyecto fue el proceso de pre-producción durante los primeros cuatro meses. Burton, el director, compró la casa de Arthur Rackham, uno de los ilustradores originales de Alicia y trabajaron diseños e ideas ahí.
Stromberg sabía que la secuencia de fantasía tendría un matiz más oscuro que otras versiones por las tendencias góticas de Burton. Además, su tarea inicial fue poner en marcha un departamento de arte tradicional y digital. Pues había escenas y personajes construidos digitalmente, pero también tuvieron que construir sets.
Por ejemplo, para una de las primeras escenas, Stromberg construyó una habitación de 1:1 para Mia Wasikowska para que parezca que ella era demasiado pequeña. Además, creó “ilustraciones que representaban lo que iban a filmar ese día” y un equipo de modelado que construyó sets para que Tim pudieron ver cómo luciría la escena en miniatura.
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Dante Ferretti y Francesca Lo Schiavo volvieron a ganar el Óscar a mejor diseño de producción con La invención de Hugo Cabret, una adaptación 3D del libro de Selznick. Para la decoración del set, tuvieron que poner muchas cosas en diferentes posiciones para agregar profundidad a la escena.
El set más importante creado para la película es probablemente el de la estación de tren. El libro fue como una guía, gracias a sus ilustraciones en blanco y negro.Hay algunas escenas, sin embargo, que supusieron un reto mayor. Especialmente los espacios que conducían al departamento de Hugo, los pasillos zigzagueantes con tuberías llenas de vapor. Y a ello se sumó el hecho de que la primera vez haciendo una película en 3D para Dante.
El filme está ambientado en Paris, pero solo filmaron cuatro días ahí y casi todo se grabó en sets construidos en Londres. Francesca viajó a Paris y consiguió piezas para decorar el set.
Dimitri Capuani
Rick Carter y el decorador de sets, Jim Erickson, se llevaron el Óscar con Lincoln. La película se rodó en Virginia, usando muchos sitios históricos reales. No obstante, Erickson creó los interiores de la Casa Blanca de manera auténtica. Para Carter, el interior de la Casa Blanca era un espacio muy personal y, a veces, psicológico. “Era esencialmente atravesado por este hombre y su conciencia”.
Todo esto hizo que se prestara especial atención a la creación de ambientes fieles a los originales. Así como el conjunto de muebles y más. De hecho, compraron muebles antiguos de época. Erickson cuenta que a pesar de que creyó que serían caros, tuvo suerte al encontrar una venta de antigüedades en Richmond cada semana.
Además, todos los mapas y documentos son copias meticulosas de los originales.
Collider
Catherine Martin y Beverley Dunn se llevarón el Oscar con El gran Gatsby. Para esta película, Catherine supervisó 42 sets individuales creador en Sydney y sus alrededores. Al equipo le tomó solo 14 semanas para construir, pintar y decorar la mansión de Gatsby.
Las casas de principios del siglo XX como el castillo Oheka y Beacon Towers sirvieron de inspiración para los diseños de la residencia. Para los planos exteriores de la finca de Gatsby, usaron el edificio del Renacimiento Gótico del antiguo Seminario de San Patricio en Sydney y se agregaron torres elevadas digitalmente, en postproducción.
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Los ganadores fueron Adam Stockhaussen y Anna Pinnock. Ellos ayudaron a crear un universo entero con su propia arquitectura original, dinero, modas y documentos gubernamentales, la mayor parte construido a mano. De hecho, hubo muy poca manipulación informática. Incluso construyeron un tren de cartón.
Stockhaussen viajó a Republica Checa y Alemania del Este para inspirarse y crear la ficitica ciudad alpina de la República de Zubrowka.
Con Mad Max: Furia en el camino, Colin Gibson y Lisa Thompson se llevaron el Óscar. Como la película se establece 45 años después de la aparición de la civilización. Colin vio fortaleza y santuarios antiguos, como Petra en Jordania.
Además, gran parte película tiene lugar en el viaje desde la Ciudadela al Green Place, por ello fue crucial encontrar un desierto desnudo. El equipo de producción tuvo que preparar los lugares para la filmación con gran tripulación. Finalmente, fabricaron cerca de 300 rocas para cubrir la vida vegetal que existía en la zona.
La ciudadela fue filmada en Namibidia, Sidney y Ciudad del Cabo. Y el equipo utilizó las partes recuperadas de 350 coches para fabricar los vehículos de la película. Había 88 vehículos, que llamaban personajes, pero construyeron cerca de 150 porque necesitaban dobles y hasta triples.
Los ganadores fueron Sandy Reynolds-Wasco y David Wasco. Si bien un tercio de los sets de La La Land fueron construidos, cada locación real tuvo que ser retocada o controlada de alguna manera. De hecho, aunque hay escenas con murales y pósteres reales de Los Ángeles, muchos de ellos se tuvieron que agregar o alterar.
Mientras que las locaciones aportan un sentido de realidad a la película, los diseños y colores agregan un tacto más fantástico. El mundo de Mía fue diseñado como una explosión de colores primarios.
Mientras tanto, el diseño del departamento de Sebastian fue bastante diferente. Para crearlo, se inspiraron en las escenas de jazz y en películas en blanco y negro de la nueva ola francesa.
Hollywood Reporter
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