Las 10 últimas películas ganadoras de un Óscar en dirección de fotografía


 El Premio de la Academia por Mejor dirección fotográfica o Best Cinematography se entrega cada año al mejor director de fotografía por su trabajo en una película en particular. La primera adjudicación fue en 1929.

 

El maestro del cine francés, Robert Bresson, escribió en su libro Notes on the Cinematographer: “Haz visible lo que, sin ti, tal vez nunca se hubiera visto”. Y eso es precisamente lo que hacen estos artistas. Aquí un recorrido de los ganadores de este premio en la última década. 

 

2007 – Petróleo Sangriento (Robert Elswit)

Inspirado en la novela de Upton Sinclair, el filme fue ambientado en la sucia California de principios del siglo. Cuenta la historia de Daniel Plainview, un personaje que representa muy bien el capitalismo y la industria americana y pasa de ser un minero pobre a un magnate.

El estilo de Elswit en dirección de fotografía es tradicional. De hecho, es un firme defensor del rodaje con película y evita lo digital cuando le es posible. “Petróleo Sangriento” fue filmado por completo en rollos de película. Y se hizo muy poco uso de efectos digitales (mayormente relacionados con pozos de petróleo y eliminación de elementos anacrónicos que resultaban imposibles de bloquear).

Por otra parte, la película fue filmada en su mayoría con lentes anamórficos de alta velocidad en un Panavision XL, 35 mm.  Para las escenas de día usaron Kodak 50D y para las escenas nocturnas Kodak 200T. Además, el equipo usó lentes Panavision modificados para que puedan usar cámara lenta cuando fuera posible. También se usó lentes 43mm por el toque de bajo contraste y baja resolución. Asimismo, evitaron el uso del zoom tanto como fuera posible, en su lugar usaron en marcos  de 40mm, 50mm, 75mm y 100mm.

Taste of Cinema

 

2008 – Slumdog Millionaire (Anthony Dod Mantle)

El hecho de que la película se llevara el Oscar por mejor dirección fotográfica supuso una gran victoria para el cine digital. En efecto, la mayor parte fue filmada digitalmente, aunque también hubo escenas con filmación tradicional.

El director, Boyle, quería filmar en el lugar y reflejar el estilo de vida real, por lo que usar las cámaras tradicionales hubiera llamado la atención y la gente hubiera interrumpido su rutina natural. Así que Mantle tuvo que encontrar una cámara digital discreta y apropiada. Finalmente, la elegida fue una Silicon Imaging SI-2K, que permitía amplia latitud de luces y sombras.

Una vez que eligieron la cámara, empezaron. Agregaron un estabilizador y reemplazaron el hardware de procesamiento por ordenadores portátiles. Más adelante, pusieron el dispositivo a prueba en saunas y al notar que el calor era una amenaza, decidieron llevar consigo 45 libras de hielo seco, que se reponían cada día. Finalmente, lograron una mirada íntima a Mombai.

NYFA

 

2009 – Avatar (Mauro Fiore)

Avatar revolucionó la captura de movimiento y 3D en Hollywood. De hecho, casi un 70% del filme fue generado por computadora. Gran parte de la película fue filmada con el Fusion Camera System, un aparato digital 3D codesarrollado por James Cameron y que tiene dos lentes. Al capturar dos imágenes casi adyacentes entre sí, creó la profundidad tridimensional de vista del ojo humano.

Además, este dispositivo incorpora diez diferentes tipos de movimientos que permiten gran control en la composición de imagen tridimensional. Fiore usó tres modelos HD diferentes de Sony.

El mundo de Pandora era muy complicado y con mucho por ver. Así que Fiore dirigió la atención del público mediante la creación de profundidad de campo a través de luz y contraste, así como bloqueo. También usaron lentes más largos para escenas en que querían la perspectiva de Jake.

La luz fue clave para crear una imagen exuberante que se sintiera real. Y fue clave para fusionar los efectos digitales de Avatar con su acción en vivo.

20th Century Fox

 

2010 – El origen (Wally Pfister)

Tanto Pfister como Nolan, el director, comparten su amor por el naturalismo y por filmar en rollos de película. En ‘El origen’ cada escenario es un sueño diferente y el equipo se lució en contar la historia, el sueño tenía que sentirse real.

La cinematografía inyecta a la película con arquitectura Escher, surrealismo, elementos que desafían la gravedad y más. Pfister usó formato anamórfico en una película de 35mm.

La película fue filmada en Marruecos, París, Los Ángeles, Japón y otros. Para cada secuencia de sueño, Wally comparaba la vista de fotos que había sacado en cada ciudad para determinar cuál sería el escenario propicio. Una de las escenas más desafiantes, en que hay cero gravedad, se filmó en un pasillo de hotel giratorio de 360º que construyeron. Wally decidió que la cámara esté fija en el suelo.

Warner Bros

 

2011 – La invención de Hugo Cabret (Robert Richardson)

Es la adaptación cinematográfica del libro de Brian Selznick. Richardson señaló que, para él “la decisión del director, Martin Scorsese, de producir Hugo en 3D se basó en su deseo de proveer la interpretación más proficiente e inspiradora del material fuente para la audiencia”.

La película fue filmada en formato digital y eligieron la captura 3D en el set, en lugar de filmar en 2D y convertir a 3D durante la edición. Esto permitió que Scorsese decidiera si cambiar las tomas para hacer un mejor uso del 3D, pues veían los resultados en tiempo real a través de monitores. Se usaron cámaras ARRI Alexa y lentes Cooke. Parte del filme se filmó en París, en La Sorbonne y la Bibliothèque Nationale de France y, en su mayoría, en sets en Reino Unido.

Además, se filmó toda la cinta en HDCAM SR, que luego se envió a un laboratorio que procesó el material para corregir el color y dar el formato adecuado para editorial.

Critics Loft

 

2012 – Life of Pi: Una aventura extraordinaria (Claudio Miranda)

Es una película que combina fantasía y aventura. Narra la historia de un joven indio que termina atrapado en una balsa con una hiena, un tigre, un orangután y una cebra. El director, Ang Lee, decidió rodar en 3D.

El filme contiene gran cantidad de efectos especiales avanzados. De hecho, el co-protagonista, el tigre Richard Parker, fue generado por computadoras. Miranda tuvo la difícil tarea de fotografiar gran parte de una película que no existía en realidad, y capturar su esencia de tal manera que coincidiera con las imágenes generadas por computadora.

Se construyó un tanque gigante de 1.7 millones de galones para replicar las escenas oceánicas. El director cinematográfico, Miranda, se involucró en su construcción para asegurarse de que cubriera las necesidades de iluminación.

El agua real y el creado digitalmente hacían que la iluminación cobre aún más importancia para Miranda. Finalmente, decidió usar una ARRI Alexa por su gama de contraste. Además, usó un obturador abierto para la mayor parte del filme. Esto permitía más luz en cada fotograma.

NYFA

 

2013 – Gravity (Emmanuel Lubezki)

Para poder recrear la apariencia del espacio cero gravedad, se hicieron tomas FX a computadora. La película tomó casi 4 años. El director, Alfonso Cuaron, quería capturar el ambiente de manera tridimensional.

Para poder recrear la idea de estar en el espacio, sin atmósfera o vapor de agua que reflejen partículas de luz, se usaron 1.8 millones de luces LED individuales. La mayoría de directores de fotografía deben lidiar con una docena de luces. Es decir, usar casi dos millones era algo nunca visto y una manera singular de recrear un ambiente.

Si bien la mayor parte de la película es filmada digitalmente, la escena en la Tierra se filmó en una película de 65mm, que le da una sensación más orgánica. Para el resto, usaron una cámara ARRI Alexa. Y una gran parte se creó pixel por pixel. Lubezki dijo que optaron por usar la película de 65mm para la escena de Sandra en la Tierra porque “el negativo permite capturar detalles que el digital no puede”.

Warner Bros

 

2014 – Birdman (Emmanuel Lubezki)

Lubezki y el director, Alejandro González trabajaron muy duro para lograr que Birdman tuviera la apariencia de haber sido filmado en una sola secuencia. Lo lograron combinando tomas largas y haciendo las transiciones tan ‘invisibles’ como pudieran. Lubezki dijo que la mayoría de tomas dura diez minutos y la más larga alrededor de quince. Él, personalmente filmó muchas escenas.

Y se apoyaron en la movilidad de la Steadicam, que operó el profesional Chris Haarhoff. Usaron cámaras ARRI Alexa para las tomas de cámara portátil, la Alexa plus para las tomas de steadicam y Alexa M para trabajo de mano remoto. Los lentes fueron Leica y Zeiss Master Primes. 

Incluso, para las escenas de close-ups, Lubezki usó Zeiss Master Prime 12mm. Por otra parte. El tema de iluminación también fue complicado pues se jugaba con los colores para algunas escenas. Con tomas que a menuda mostraban 360 grados, el equipo debía esconder la fuente de luz y el equipo de agarre movía cables y demás, con luces bailando apenas fuera del marco.

NYFA

 

2015 – El renacido (Emmanuel Lubezki)

Con esta película, Lubezki obtenía su tercer Oscar consecutivo. Utilizó únicamente luz natural y supuso todo un reto. Basada en la historia real de Huh Glass, el filme tuvo una extensa y difícil filmación en Canadá y Argentina.

“Queríamos hacer una película que fuera inmersiva y visceral”, dice Lubezki. “La idea de usar la luz natural vino porque queríamos que la audiencia sintiera que esto en realidad estaba suceciendo”.

Originalmente, quería grabar la película en rollos, pero notaron que no tenía la sensibilidad necesario. De manera que usaron la cámara digital ARRI Alexa 65 con lentes de 12mm a 21 mm.

20th Century Fox

 

2016 – La La Land (Linus Sandgren)

La tarea de rodar La La Land fue muy grande y el enfoque visual fue trazado meticulosamente. La película fue hecha con tomas. Sandgren y el director, Chazelle, se reunían cada mañana para repasar toda la película desde la escena uno hasta la última para ver qué enfoque darle, cómo involucrar mejor a la cámara. Para la escena de autopista con los bailarines, usaron una steadicam  luego sobre una grúa.

Pudieron moverse 360 grados de ida y vuelta, dentro y fuera. Da la impresión de que la cámara es un bailarín. La película se rodó en formato anamórfico. Sandgren sugirió 2.55 CinemaScope. Todo está rodado en 35mm, pero hay una secuencia en 16mm. Usaron lentes Panavision, más de acuerdo al toque clásico de cinemascopio de Hollywood. Las cámaras fueron Panavision XL2 con series Cy E.

Hicieron que Panavision diseñara una lente anamórfica especial de 40mm, que tenía un enfoque más cercano pero también permitía disparos amplios. Para la secuencia en 16mm, usaron lente anamórfica de formato 4.60 mm.

Summit Entertainment

 

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