“Aquellos encargados de convertir un mundo de fantasía, un lúgubre lugar o;  desde el más minimalista hasta el más producido espacio, en realidad… los mejores diseñadores de producción”

El diseño de producción; dentro de lo que a la Industria Cinematográfica respecta, abarca el desarrollo del concepto de nuestra propuesta según el guion y perfil de personajes; además, el diseño de escenografía, vestuario, utilería. Por otro lado se refiere al desglose de maquillaje y accesorios.

El diseñador de producción trabaja de la mano con el director de arte y el de fotografía. Puesto que, es el director de arte quien pondrá en escena la propuesta del diseñador; y por su parte, el director de foto debe planear sus propuestas de iluminación y encuadres en base a lo que el diseñador de producción proponga y viceversa.

Este es un trabajo; además de muy creativo, muy trabajoso. Puesto que, no sólo se trata de hacer una propuesta, sino que el diseñador de producción también se encargará de supervisar la fabricación de la utilería, las pruebas de vestuario y sobre todo: la puesta en escena.

Además también, sabemos que la creatividad es algo que todos poseemos, pero ésta no llega a nosotros todos los días y en todo momento, así mismo dentro de esa creatividad se debe encontrar y explotar la autenticidad, es por ello que si bien existen muy buenos diseñadores de producción; sólo algunos se destacan.

Aquellos encargados de convertir un mundo de fantasía, un lúgubre lugar o;  desde el más minimalista hasta el más producido espacio, en realidad… los mejores diseñadores de producción…

Los mejores Diseñadores de Producción

1. David Wasco

Diseñador de producción estadounidense. Uno de los más aclamados debido a su larga carrera como diseñador en las películas de Quentin Tarantino.

Morelia Film Fest | David Wasco

El estilo vintage caracteriza su trabajo. Las escenas diseñadas por él pueden pasar de verse como una escena setentera hasta como interior de una casa de muñeca. Puesto que usualmente opta o por los colores cálidos como el naranja, beige, cian verdoso, verde olivo o crema hasta los colores pastel y complementarios como Rojo, cian, verde y magenta, etc.

Algunas de las películas en las que ha trabajado como diseñador de producción son: ‘Kill Bill’, ‘Bastardos sin Gloria’, ‘Pulp Fiction’, ‘Rushmore’ y la última con la que ganó un Oscar a mejor diseño de producción en el 2017: ‘La la land’.

The Week UK | Lalaland

2. Cedric Gibbons

Diseñador de producción y director de arte de origen Irlandés. Estudió en el ‘Art Students League’ de Nueva York. En el año 1928 supervisó el diseño de la estatuilla dorada del Oscar. Es; probablemente, el diseñador de producción más premiado de la historia del cine. Puesto que, fue nominado 38 veces y nombrado ganador del Oscar como mejor diseño de producción 11 veces.

Youtube | Orgullo y Prejuicio

Entre sus películas premiadas se encuentran: ‘Orgullo y Prejuicio’ (1940), ‘Un Americano en Paris’ (1951), ‘The Bad and the Beautiful’, ‘Julio César’ entre otras. Algunas de las películas nominadas a mejor diseño de producción por Cedric Gibbons y que no llegaron a ganar la estatuillia son: ‘Romeo y Julieta’, ‘El mago de Oz’, ‘Madame Bovary’ (1949), ‘Lili’, entre otras.

All City Canvas | Cedric Gibbons

 3. Adam Stockhaussen

Diseñador estadounidense. Ha trabajado durante muchos años de la mano con Anna Pinnock; su directora de arte, con quien ganó hace algunos años, el Oscar a mejor diseño de producción gracias a la película ‘El Gran Hotel Budapest’.

Entre las películas para las cuales trabajó se encuentran: ’12 Años de esclavitud’, ‘Puente de espías’, ‘Mientras somos jóvenes’, ‘Loco por ella’ y la anteriormente mencionada; ‘El Gran Hotel Budapest’.

Lo que hizo que Stockhaussen ganara la estatuilla por esta películas fue: El increíble diseño arquitectónico que realizó, el mundo glamoroso y colorido que ofreció al espectador; además, cabe resaltar que el diseñador decidió viajar hasta Alemania del Este y República Checa para poder inspirarse y obtener referencias de primera mano.

National Geographic Voices | Gran Hotel Budapest

4. Catherine Martin

Productora y diseñadora de producción. Una de las diseñadoras de producción más aclamadas dentro de la Industria del Cine. En el año 2002 ganó 2 premios de la Academia por ‘moulin Rouge’; uno como directora de arte y otro como diseñadora de vestuario. En el 2014 ganó la estatuilla dorada gracia “El Gran Gatsby”.

Pinterest | Moulin Rouge

El primer trabajo como diseño de producción que realizó fue para la película ‘Lake Lost’ del año 1988, luego trabajó en ‘La bohème’ y ‘El sueño de una noche de verano’.

Martin se destaca por su excelente diseño de vestuario y escenografía; mayormente inspirada, en los años 50’s. Además del uso de colores pasteles.

Gráfica 86 | El gran Gatsby | Diseño de vestuario

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5. Stuart Craig

Notable diseñador de producción británico. Ha sido nominado al Oscar 11 veces, de las cuales ha ganado 3: ‘Gandhi’ en 1982, ‘Enlaces peligroso’ en 1988 y ‘El paciente Inglés’ en 1996. Ha sido nominado a los premios BAFTA alrededor de 15 veces.

¿Quién no recuerda el mundo de magia y fantasía de la secuela de películas de Harry Potter?, pues ese mundo de fantasía en el que probablemente te hubiese gustado vivir, fue diseñado por Stuart. Éste se encargó de la ejecución del diseño de las 8 películas de Harry Potter así también como de ‘Animales Fantásticos y dónde encontrarlos’.

All City Canvas | Stuart Craig

6. John Barry

Diseñador de producción caracterizado por la utilización de colores saturados y contrastados entre sí, elementos extravagantes para enfatizar la personalidad de los personajes en escena.

El parnasillo | La naranja mecánica

Por otro lado se destaca su sentido del futurismo a través de sus propuestas de arte. Espacios surrealistas y completa originalidad es lo que caracteriza a este diseñador de producción.

Entre las películas que resaltan no sólo por la excelente trama y desarrollo de personajes; sino también, por el impecable y extraordinario diseño de producción son: ‘La Guerra de las Galaxias’ y ‘La Naranja Mecánica’.

TwistedSifter | Star Wars

7. Robert Stromberg

Diseñador de producción y especialista en efectos especiales. Este diseñador apuesta por las películas que pongan en juego su creatividad, películas en las que deba crear nuevos mundos y en donde tenga libre albedrío de jugar con las formas, volúmenes, texturas y colores.  

Decine 21 | Mi amigo el Gigante

Algunas de esas mágicas películas son: ‘Mi amigo el Gigante’, ‘Avatar’, ‘Oz: El poderoso’ y una de las últimas con las que ganó un Oscar: ‘Alicia en el País de las Maravillas’ del Extravagante Tim Burton.

En esta última película logró capturar la esencia gótica del director para fusionarlo; de manera irónica, con vibrantes colores y extravagantes personajes.

One room with a View | Tim Burton

8. Rick Carter

Diseñador de producción y director de arte estadounidense. Reconocido por su trabajo en películas de estilo futurista y de aventura.

Ha sido nominado para el Oscar como mejor Diseño de Producción por las películas: ‘Inteligencia Artificial’, ‘Guerra de los Mundos’, ‘Volver al futuro II’, ‘Volver al futuro III’, ‘Jurassic Park’, ‘Avatar’, entre otros.

Pinterest | Avatar 

A diferencia de otros diseñadores de Producción que se mantienen en un mismo estilo, Carter como nos ha demostrado con su trayectoria, es capaz de crear universos completamente adversos, sin necesidad de dejar de lado su esencia y la calidad del mismo.

Try on Guru’s | Back to the Future

9. Eugenio Caballero

Diseñador de producción Mexicano. Estudió Arte e Historia del Cine en la Universidad de Florencia. Ha sido diseñador de producción de videos musicales y películas.

Sus creaciones parecen sacadas de un pequeño Tim Burton, pues se fusiona la imaginación de un niño pero con instintos sombríos. Claro ejemplo de ello es su trabajo como diseño de producción en ‘El Laberinto del Fauno’ y ‘Un monstruo viene a verme’.

All city Canvas | Eugenio Caballero

10. Dante Ferreti

Diseñador de producción de origen Italiano. En su trayectoria como diseñador ha trabajado con directores muy aclamados como: Pier Polo Pasolini, Terry Gilliam, Martin Scorsese, Tim Burton, entre otros.

Las películas en las que ha desempeñado su labor son: ‘Hugo’, ‘Sweeney Todd’; con la cual ganó el Oscar como mejor diseño de producción, ‘El Aviador’, ‘Entrevista con el Vampiro’, ‘Pandillas de Nueva York, entre otros.

Al igual que Rick Carter, Ferreti puede pasar de los fantasioso y sombrío a lo sobrio y elegante.

Cinematic Corner | Sweeney Todd

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Desde una perspectiva Audiovisual, la dirección de arte abarca desde el diseño de concepto y bosquejo, hasta la  producción y puesta en escena de la utilería y escenografía. Por otro lado, también incluye la propuesta de vestuario y maquillaje de los personajes.

Pero, más allá de lo técnico y de los conocimientos, uno de los objetivos principales de la dirección de arte, en cuanto a las producciones cinematográficas respecta, es: Darle personalidad a los espacios.

La utilización de formas geométricas y/o asimétricas, los colores: saturados, desaturados, complementarios y/o compartidos; los objetos y las texturas, ya sean táctiles o visuales, juegan un papel muy importante a la hora de desarrollar este rol. De la mano de la dirección de fotografía; una buena dirección de arte, debe generar sensaciones en el espectador.

Color, textura, formas y sensaciones es lo que podemos encontrar en una escena gracias a la Dirección de Arte… A continuación, te daremos algunos consejos para realizar una buena dirección de arte.

Consejos para hacer una buena Dirección de Arte

Conoce sobre los personajes

Para poder darle personalidad a tus locaciones, necesitas conocer muy bien a tus personajes. Desde las características de su personalidad hasta las cosas que ama, odia, las cosas que lo ponen triste, feliz, etc. ¿Por qué?, simple, porque a través de lo que se mencionó anteriormente: Texturas, colores, formas y demás, podrás expresar cómo se siente tu personaje.

Por ejemplo: Si tu personaje se siente estresado, asustado y/o angustiado, podrías utilizar texturas con patrón diagonal. Objetos punteagudos que hagan alusión a posición de ataque, además de texturas ásperas. Esto generará en el espectador una sensación de incomodidad y/o angustia ‘similar’ a la que siente el actor.

Youtube | Anubiel18 | Vincent  – Primer Cortometraje de Tim Burton / Rick Heinrichs

Conoce las locaciones

El encargado de la dirección de Arte puede tener muy buenas propuestas, no obstante, este no tendrá la certeza de que su propuesta funcionará si antes no ha visitado las locaciones. Es necesario visitar las locaciones más de una vez.

La primera es para conocer el espacio, en cuanto a dimensiones y el estado del mismo. Además, deberá tomar fotografías de diversos ángulos para después intervenirlas digitalmente o a mano según su diseño de escenografía. La segunda vez puede ir con algunos objetos de la utilería para ver si estos encajan en la locación y si es que falta llenar algún espacio. Finalmente, es recomendable ir con toda la utilería e incluso el vestuario para observar cómo se verá en cámara; y así, asegurarse de que todo se acople a la perfección.

Youtube | FoxSearchLight | Gran Hotel Budapest / Carl Sprague Art Director

Ofrece más de una alternativa

Como sucede en cualquier otro rol o en cualquier profesión, no siempre vas a tener la razón y sobre todo, no siempre les gustará tus propuestas a todos, es por ello que siempre es mejor presentar más de una alternativa. Ya sea presentando ligeros cambios, hasta presentando algo completamente distinto pero bajo un mismo concepto. Porque si presentas dos propuestas completamente adversas entre sí, podría parecer que no tienes una idea clara de lo que quieres transmitir a través de tu trabajo.

Cinematic Corner | Sweeney Todd | Dante Ferretti Art Director

Trabaja de la mano con el Director de Fotografía

Para crear una atmósfera llena de vida que logre compenetrar todos los objetos y/o personajes que tiene dentro, el director de arte debe trabajar de la mano con el director de fotografía. El motivo principal es porque la iluminación de la locación influirá mucho en la posición de los objetos, los colores, texturas que se utilizarán y demás.

Por otro lado, así como el director de arte tiene una propuesta bajo el concepto que quiere trabajar, el director de foto también tiene el suyo y ambos deben trabajar en equipo para fusionar sus ideas y lograr óptimos resultados.

Miramax | Amelie / Michel Omar Art Director

No caigas en los estereotipos (A menos de ser necesario)

Si la película no requiere jugar con ciertos estereotipos, entonces no busques la utilización de los mismos. Es fundamental que un director de arte sea auténtico. Además de darle una personalidad ‘única’ a las escenas, también estarás puliendo tu propio estilo, el cual, si bien puede tener algunas variaciones según la película, en el fondo posee la misma esencia, tu esencia.

Youtube | Watchmojo | HER / Austin Gorg Art Director

Trabaja de la mano con el encargado de Producción

Quien realiza la dirección de arte, debe acompañar al encargado de producción, desde la búsqueda de locaciones, hasta la búsqueda de utilería y confección de vestuario. Puesto que siempre es bueno ver, tocar y sentir tú mismo lo que has pedido para tu propuesta. Por otro lado, en caso el productor no consiga lo que solicitaste, no tendría inconvenientes para saber cuál puede ser el reemplazo, ya que tú estarás ahí para eso.

Medium.com | Lalaland / Austing Gord Art Director

No tengas miedo de experimentar

Durante la búsqueda de la autenticidad, puede surgir el temor de caer en lo ‘extravagante’ o lo ‘recargado’, aunque muchas veces; menos en más, recuerda que esto varía de acuerdo a la película y sobre todo, según las sensaciones que tú quieras transmitir. Si quieres jugar con los colores, texturas, formas y demás; hazlo, sin dejar de recalcar que es necesario tener una base de conocimientos sobre paletas cromáticas, psicología del color, significado de las formas, etc, para dejarte llevar.

Youtube | Movieclips | Requiem for a Dream / Judy Rhee Art Director

No busques protagonismo

Si bien en el anterior punto aconsejamos no tener miedo a experimentar y dejarte llevar, tampoco recomendamos buscar ser el protagonista de la escena. Lo ideal es que la dirección de arte sea buena y expresiva, sin necesidad de caer en las exageraciones o las puestas de escena forzosas. Todo que se ponga en escena debe tener un por qué y un para qué. En conclusión, no se debe perder el sentido del concepto.

Auge Informática | La Naranja Mecánica / Peter Sheilds y Russel Hagg Art Directors 

Abre tu mente

El director de arte constantemente debe ver más allá de lo perceptible. No debe caer en estereotipos, debe dejar posibilidades abiertas, es por tal razón que no debe poseer una mente sesgada o dicotómica. No debe existir un polo y otro polo opuesto, un sí y un no, sino que siempre debe considerar también un punto medio en el que pueda poner en juego imágenes oníricas, combinaciones de color, nuevas maneras de decir algo a través del arte, etc.

Este punto es muy importante porque los directores de arte son conocidos por ser muy ‘artísticos’ valga la redundancia. Por transmitir una serie de emociones, sentimientos e incluso presagios a través de una ‘belleza’ muy particular.

Collider | Alicia en el País de las Maravillas / Stefan Dechant Art Director

Sigue tus instintos

Quienes cumplen el rol de Dirección de Arte, pueden contar con conocimientos en diseño, arquitectura, diseño de interiores e incluso psicología para realizar un trabajo de arte más completo; sin embargo, si estos no cuentan con una gran sensibilidad desarrollada de su lado creativo, no podrán hacer una buena dirección de arte. Pues este rol, a diferencia de la dirección de fotografía; es más sensitivo que racional.

The Av Club | Mad Max: Furia en el camino / Coling Gibson / Art Director

Una vez más, recuerda que la Dirección de Arte no se trata de una sucesión de escenas estéticamente ‘bonitas’ sino que va más allá de lo superficial.

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En 2012, para la edición número 85, la categoría fue renombrada como “Mejor Diseño de Producción” debido a que la rama de Director de Arte de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMPAS) fue renombrada como la rama del diseñador.

YouTube

2007 – Sweeny Todd, el barbero demoníaco de la calle Fleet

El diseñador de producción, Dante Ferreti, fue ganador del Óscar y BAFTA en 2007. De hecho, el dúo que formó con el director, Tim Burton, fue un total acierto. “Resultó que por lo general pensábamos en la misma línea”, comentó Ferreti.

Los diseños que Ferretti usó en Sweeny Todd se basan en una paleta de colores poco saturados, principalmente con tonos grises y negros. Así que los chorros de sangre carmesí sobresalen vívidamente frente a este fondo. El diseñador se inspiró en el DVD de Son of Frankestein que Burton le dio para explicar su concepto de una versión estilizada de Lonres del siglo XIX.

Si bien al principio se consideró crear los espacios con gráficos de computadora al estilo de Sin City y Sky Captain, esto dificultaba las cosas para actores pues es mejor estar en un set que contra una pantalla verde. Por ello, Ferretti y su equipo debieron construir los conjuntos complejos y solo usaron CGI para las extensiones. El equipo incluía a Francesca Lo Schiavo, decoradora de set y esposa de Ferretti, también ganadora del Óscar con el filme.

Onedio

2008 – El curioso caso de Benjamin Button

Los ganadores, Donald Graham Burt y Victor J. Zolfo se enfocaron diseñar de acuerdo a las diversas etapas en que transcurre la vida de Button, un personaje que nace siendo viejo y, conforme pasan los años, se hace más joven.

La película entera fue un reto porque hay escenas muy diferentes estilísticamente. Durante parte del filme, Benjamin es un compuesto de actor corporal y un CGI en el rostro.

El rodaje se llevó a cabo en su mayoría en Nueva Orleans y Montreal. No obstante, para entonces, la ciudad de Nueva Orleans apenas se recuperaba de la devastación que dejó el huracán Katrina. Sin embargo, la atemporalidad de la ciudad encajaba con el tapiz de eras que se buscaba. Era importante que cada elemento puesto fuera deliberado y tuviera un sentido. No querían colocar cosas solo para llenar un vacío. Además, crearon sus propias historias de vida para los lugares donde ocurren los eventos más importantes.

Amazon

2009 – Avatar

Los ganadores fueron Rick Carter, Robert Stromberg y Kim Sinclair. Carter es uno de los diseñadores de producción más celebrados de Hollywood.

Casi todo el set es computarizado y creado usando efectos especiales. De hecho, esto supuso un reto pues envolvía la creación de un planeta con su propia cultura, propios habitantes. No obstante, se logró una atmosfera increíble, con animales bastante realistas, montañas y más.

Asimismo, el concepto se basó en la idea de un mundo de bioluminiscencia, que es casi como el sistema nervioso del planeta. El director, Cameron, tenía fragmentos y destellos que expresaba al productor de diseño y luego el equipo tenía que hacer que esas ideas se volvieran realidad.

Para imaginar Pandora, Carter creó lo que él llama un “bosque exuberante de cosecha propia”, que tiene cualidades alienígenas.  

20th Century Fox

2010 – Alicia en el país de las maravillas

En 2010, Robert Stromberg y Karen O’Hara se llevaron el Óscar a mejor dirección de arte. Stromberg  cuenta que la parte más interesante del proyecto fue el proceso de pre-producción durante los primeros cuatro meses. Burton, el director, compró la casa de Arthur Rackham, uno de los ilustradores originales de Alicia y trabajaron diseños e ideas ahí.

Stromberg sabía que la secuencia de fantasía tendría un matiz más oscuro que otras versiones por las tendencias góticas de Burton. Además, su tarea inicial fue poner en marcha un departamento de arte tradicional y digital. Pues había escenas y personajes construidos digitalmente, pero también tuvieron que construir sets.

Por ejemplo, para una de las primeras escenas, Stromberg construyó una habitación de 1:1 para Mia Wasikowska para que parezca que ella era demasiado pequeña. Además, creó “ilustraciones que representaban lo que iban a filmar ese día” y un equipo de modelado que construyó sets para que Tim pudieron ver cómo luciría la escena en miniatura.

Collider

2011 – La invención de Hugo Cabret

Dante Ferretti y Francesca Lo Schiavo volvieron a ganar el Óscar a mejor diseño de producción con La invención de Hugo Cabret, una adaptación 3D del libro de Selznick. Para la decoración del set, tuvieron que poner muchas cosas en diferentes posiciones para agregar profundidad a la escena.

El set más importante creado para la película es probablemente el de la estación de tren. El libro fue como una guía, gracias a sus ilustraciones en blanco y negro.Hay algunas escenas, sin embargo, que supusieron un reto mayor. Especialmente los espacios que conducían al departamento de Hugo, los pasillos zigzagueantes con tuberías llenas de vapor. Y a ello se sumó el hecho de que la primera vez haciendo una película en 3D para Dante.

El filme está ambientado en Paris, pero solo filmaron cuatro días ahí y casi todo se grabó en sets construidos en Londres. Francesca viajó a Paris y consiguió piezas para decorar el set.

Dimitri Capuani

2012 – Lincoln

Rick Carter y el decorador de sets, Jim Erickson, se llevaron el Óscar con Lincoln. La película se rodó en Virginia, usando muchos sitios históricos reales. No obstante, Erickson creó los interiores de la Casa Blanca de manera auténtica. Para Carter, el interior de la Casa Blanca era un espacio muy personal y, a veces, psicológico. “Era esencialmente atravesado por este hombre y su conciencia”.

Todo esto hizo que se prestara especial atención a la creación de ambientes fieles a los originales. Así como el conjunto de muebles y más. De hecho, compraron muebles antiguos de época. Erickson cuenta que a pesar de que creyó que serían caros, tuvo suerte al encontrar una venta de antigüedades en Richmond cada semana.

Además, todos los mapas y documentos son copias meticulosas de los originales.

Collider

2013 – El gran Gatsby

Catherine Martin y Beverley Dunn se llevarón el Oscar con El gran Gatsby. Para esta película, Catherine supervisó 42 sets individuales creador en Sydney y sus alrededores. Al equipo le tomó solo 14 semanas para construir, pintar y decorar la mansión de Gatsby.

Las casas de principios del siglo XX como el castillo Oheka y Beacon Towers sirvieron de inspiración para los diseños de la residencia. Para los planos exteriores de la finca de Gatsby, usaron el edificio del Renacimiento Gótico del antiguo Seminario de San Patricio en Sydney y se agregaron torres elevadas digitalmente, en postproducción.

Warner Bros.

2014 – El gran hotel Budapest

Los ganadores fueron Adam Stockhaussen y Anna Pinnock. Ellos ayudaron a crear un universo entero con su propia arquitectura original, dinero, modas y documentos gubernamentales, la mayor parte construido a mano. De hecho, hubo muy poca manipulación informática. Incluso construyeron un tren de cartón.

Stockhaussen viajó a Republica Checa y Alemania del Este para inspirarse y crear la ficitica ciudad alpina de la República de Zubrowka.

Pinterest

2015 – Mad Max Furia en el camino

Con Mad Max: Furia en el camino, Colin Gibson y Lisa Thompson se llevaron el Óscar. Como la película se establece 45 años después de la aparición de la civilización. Colin vio fortaleza y santuarios antiguos, como Petra en Jordania.

Además, gran parte película tiene lugar en el viaje desde la Ciudadela al Green Place, por ello fue crucial encontrar un desierto desnudo. El equipo de producción tuvo que preparar los lugares para la filmación con gran tripulación. Finalmente, fabricaron cerca de 300 rocas para cubrir la vida vegetal que existía en la zona.

La ciudadela fue filmada en Namibidia, Sidney y Ciudad del Cabo. Y el equipo utilizó las partes recuperadas de 350 coches para fabricar los vehículos de la película. Había 88 vehículos, que llamaban personajes, pero construyeron cerca de 150 porque necesitaban dobles y hasta triples.

Pinterest

2016 – La La Land

Los ganadores fueron Sandy Reynolds-Wasco y David Wasco. Si bien un tercio de los sets de La La Land fueron construidos, cada locación real tuvo que ser retocada o controlada de alguna manera. De hecho, aunque hay escenas con murales y  pósteres reales de Los Ángeles, muchos de ellos se tuvieron que agregar o alterar.

Mientras que las locaciones aportan un sentido de realidad a la película, los diseños y colores agregan un tacto más fantástico. El mundo de Mía fue diseñado como una explosión de colores primarios.

Mientras tanto, el diseño del departamento de Sebastian fue bastante diferente. Para crearlo, se inspiraron en las escenas de jazz y en películas en blanco y negro de la nueva ola francesa.

Hollywood Reporter

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