Por ello, hemos creado este artículo, donde te compartimos los 6 mejores fotógrafos famosos de moda, entre algunos actuales y otros que fueron pioneros en esta categoría y aportaron valiosa información para sus predecesores. 

1. Richard Avedon, el fotógrafo de moda capo de los años 60 y 70

En los años 60 y 70, la industria de la moda se caracterizaba por la belleza y sensualidad de la modelo, es ahí donde aparece Richard, con su estilo irreverente, donde rompió con el prototipo serio y sumiso de las modelos, dándoles mayor libertad y expresión, no solo vendiendo el lado sexy. Es ahí donde demuestra que la fotografía no es solo una cara bonita, sino ver más allá: la historia que quieres contar.

Fue jefe de Harper´s Bazaar, de Vogue y Life.

2. Helmut Newton, uno de los mejores fotógrafos de moda

Helmut, de nacionalidad Australiana, a diferencia de Avedon, que quería contar historias, él quería resaltar y trasmitir la seducción y erotismo de la mujer, a través de su mejor instrumento, su cámara fotográfica.

Es por eso que incursiona en la revista Playboy, la cual le daba lo que él quería y donde se sentía cómodo. Así mismo, colaboró con Vogue, Queen y Elle.

3. Paul Horst, leyenda entre los fotógrafos famosos de moda

Fotógrafo alemán, conocido mundialmente gracias a su excelente trabajo en esta categoría. Es leyenda por su uso y dedicación a este tipo de fotografía, donde destaca el estilo y glamour de cada modelo que fotografía. Ha trabajado para la revista Vogue y ha sido el fotógrafo oficial de Coco Chanel, durante más de 30 años. También ha retratado a artistas conocidas como  Madonna y  Loretta Young.

4. Steven Mesiel, uno de los fotógrafos famosos de la moda

Muchos dicen que Mesiel, es muy misterioso y siempre lleva su figura pública en perfil bajo. Pero eso no quita el éxito que tiene en su carrera, ya que es innegable no reconocer su labor como un excelente fotógrafo de modas. Pero no solo eso, sino que además dio la oportunidad a muchos rostros nuevos, que hoy son grandes estrellas del modelaje, tales como Coco Rocha, Naomi Campbell, Lara Stone, Linda Evangelista y Doutzen Kroes. 

Es tan reconocido, que ha sido el único fotógrafo en realizar todas las portadas de Vogue Italia, desde 1988; también las campañas de Prada, hechas desde 2004 y por si no fuera poco, ha realizado campañas para Valentino, Versace y Dolce & Gabbana.

5. Annie Leibovitz, una de las actuales fotógrafas de moda

Ella es la reina de los retratos íntimos, en pocas palabras, es la que captura las emociones de los actores, atletas, políticos y músicos, de la talla de John Lennon (Fue la última en capturar una sesión de él desnudo junto a Yoko Ono, tan solo horas antes de que fuera asesinado). Es ahí donde comienza su camino por el mundo de la moda.

Comenzó a trabajar para Vogue, en 1988, y es en ese momento donde incursiona en las sesiones lujosas y llenas de belleza. Tiempo después, crearía diversos editoriales y sesiones para la revista Vanity Fair; así como campañas publicitarias para Prada, Roberto Cavalli, Bulgari, Dior, Gap, entre otras grandes marcas de renombre.

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6. Mario Testino, uno de los fotógrafos más importante de la moda

De nacionalidad de peruana y con gran sentido de composición, resaltando los colores, difuminados, texturas y encuadre de sus fotografías, dando un ambiente especial a su trabajo. Además, le otorgaron el premio OBE honorario (Orden del Imperio Británico), por sus servicios a la fotografía y la caridad.

Kate Moss, Naomi Campbell, Gisele Bundchen, Madonna, Lady Gaga y Kylie Minogue, son unas de las cuantas modelos que han sido capturadas con el lente de Testino. Y en cuanto a marcas, sus mejores campañas fueron y son las de Burberry, Dolce & Gabbana, Michael Kors, Gucci, Vogue y Versace.

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20 consejos para saber cómo ser un fotógrafo de moda

1. Una de las grandes incógnitas es cómo hacer fotografía de moda

Muchos al elegir este tipo de fotografía, la primera pregunta que se les viene a la mente es cómo hacer fotografía de moda. Lo cual, no tiene una repuesta directa, pero debes tener en cuenta que es un mundo un poco difícil. Porque una vez que entras, tienes que luchar por mantener tu lugar. Solo sigue tu estilo, tus ideales y no pierdas la esencia fotográfica que quieres transmitir.

2. El primer paso es conocer todo sobre la fotografía de moda

Un punto clave es saber de la fotografía de moda. Investiga sobre la historia, sus más conocidos representantes, cómo se hacen las grandes editoriales, cómo se preparan los books, entre otros. Tienes que empaparte del tema, para poder ejercer y realizar un buen trabajo.

3. Busca inspiración en trabajos de famosos fotógrafos de moda

Otra herramienta es buscar inspiración en los proyectos de los famosos fotógrafos de la moda. Puedes visitar sus sitios webs, algunos museos con exposiciones de ellos, también seguirlos en sus redes sociales, etc. Además de buscar algunas campañas donde han colaborado con grandes empresas. No existe pretexto para no investigar a fondo a estos famosos especialistas.

4. También puedes inspirarte en un fotógrafo de moda de las redes sociales

Las redes sociales son una opción fácil para conseguir inspirarte e ir armando un moodboard (tabla de inspiración) con fotos de moda. Estas te serán de mucha ayuda cuando tengas que planificar alguna sesión de fotos. No copies, sé original, es la mejor arma para mostrar tu talento.

5. Prueba los diferentes tipos de fotografía de moda que hay en la industria

En esta industria existen diferentes tipos de fotografía de moda, y tienes que explorar cada uno de ellos. Así podrás hacer una buena elección cuando decidas a qué rubro dedicarte y así explotar ese lado. No te olvides de estar atento a las nuevas tendencias, para que las apliques en tu estilo.

6. Aprende algunas técnicas como fotógrafo de moda para obtener mejores retratos

En el mundo fotográfico, se debe estar siempre actualizado con lo nuevo. Es por eso que puedes aprender técnicas de la fotografía de moda. Una de ellas son las reglas de composición, que muchos respetan. Aparte de buscar e investigar cada día más.

7. Trata de tener el equipo fotográfico ideal para la fotografía profesional de moda

Primero ten en cuenta qué necesitas como equipo básico para realizar fotografía profesional de moda. Una cámara de fotos, un buen trípode, flash, algunos filtros y otros elementos. Siempre trata que estos elementos sean fácil de transportar, ya que quizás tengas sesiones que realizar en diferentes lugares.

8. Si tienes la oportunidad, como fotógrafo de moda, realiza un proyecto en un estudio de fotografía de moda

Como ya mencionamos sobre el equipo fotográfico, puedes realizar una sesión de fotos en un estudio de fotografía de moda. Puedes alquilar algún lugar o si no montarlo tú solo en tu casa o un lugar libre. Ten en cuenta que debes cuidar el lugar, el fondo, las modelo, etc.

9. Uno de los primeros proyectos son las fotos de editoriales de moda

La mayoría empiezan con fotos de editoriales de moda, ya que suelen ser las más fáciles de retratar. Además, se puede armar una temática simple, pero con mucha fuerza, mostrando y marcando la esencia de la persona retratada.

10. Busca tus propios modelos de fotografía de moda, para realizar tus trabajos

Siempre trata de buscar a tu equipo de modelos de fotografía de moda. Puedes pedirle ayuda algunos amigos para que te apoyen con tu trabajo. Toma en cuenta que deben estar de acuerdo a la temática que quieres retratar.

11. Prepara con anticipación la producción fotográfica de moda

Si vas a retratar una sesión de fotos de Navidad, prepara la producción fotográfica de moda con anterioridad. Por lo menos, un mes y medio antes para que tengas el proyecto y lo puedas presentar a tiempo para esa época. Planifica las fechas de acuerdo a tu tiempo, y trata que tanto el grupo, como los modelos estén de acuerdo a ese calendario.

12. Arma y busca un buen equipo para la producción de fotos de moda

Se recomienda que cuentes con una maquilladora, una asistente de vestuario y asistente de fotografía. Con este grupo de producción de fotos de moda, estarás cubriendo los puestos importantes y ahorrarás tiempo y dinero. Es preferible que sean personas de tu confianza para no tener complicaciones en el proceso.

13. Ten la oportunidad de participar en diferentes workshops de fotografía de moda

Actualmente, están muy de moda los workshops, los cuales son ferias independientes donde aprendes nuevas técnicas, los cuales son dictados por especialistas. Se sugiere que participes en workshops de fotografía de moda, donde aprenderás un poco más de esta industria. Para saber dónde se realizan, busca y tienes que estar al tanto de estos eventos.

14. Crea un blog de fotografía de moda, para mostrar tus proyectos al mundo

Tener un blog de fotografía de moda es una material esencial ahora. Porque puedes mostrar tus trabajos, contar algunos trucos, anécdotas, entre otros. Por otro lado, tendrás un trabajo personal, que te ayudará mucho en tu portafolio.

15. Realiza sesiones de fotografía de moda en exteriores, para tener más variedad

Muchos prefieren capturar su primera sesión en un estudio, pero las sesiones de fotografía de moda en exteriores ayuda a tener material más variado. Aparte que experimentas con diferentes escenarios y te ayuda a tener más de una temática.

16. Un fotógrafo de moda puede probar con la fotografía de moda urbana, uno de los estilos más utilizados en los últimos tiempos

Al igual que las sesiones en exteriores, la fotografía de moda urbana está en tendencia, ya que se siente más real. Además, que puedes explorar e innovar con los modelos, vestuario, maquillaje, etc. Solo es cuestión que dejes volar tu imaginación.

17. Experimenta en el mundo de la fotografía editorial de moda

Así como la mayoría empieza con este estilo, otros lo dejan pasar; sin embargo, es preferible que experimentes en la fotografía editorial de moda. Pues ya sabrás qué te gusta y qué no, y así saber cuáles son tu pro y contras en el mundo de la moda.

18. Trata de buscar en páginas webs trabajo de fotógrafo de moda, para ir ganando experiencia

Algunas veces pensamos que no sabemos dónde ganar experiencia, y la mejor herramienta es buscar trabajo de fotógrafo de moda en los sitios webs. Además, no siempre vas a ser el principal, ya que a veces se necesita un asistente. Así que es mejor que experimentes estas situaciones y así ganar terreno y poco a poco hacerte conocido por tu labor.

19. Si quieres especializarte más, lleva un curso de fotografía de moda

A veces se dice que algunos tienen el talento en las manos y la mirada, pero no está nada mal llevar un curso de fotografía de moda. Puede servirte para conocer a más personas con este gusto, y compartir sus experiencias y sobre todo aprender y actualizarte en este tema.

20. Presenta y postula tus proyectos en las grandes agencias para fotógrafo de moda

Siempre se debe arriesgar en este mundo, por eso presenta y manda tus proyectos a las agencias de fotógrafos de moda. Ten por seguro que alguna de ellas se interesará en tu trabajo y tu talento.

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Primero deduzcamos sobre el significado de la fotografía de moda, lo cual es fácil de explicar. Se dedica a retratar la vestimenta y accesorios de las grandes marcas de moda. Aparte de tener mucha influencia en las personas, ya que  se inspiran de estas imágenes para vestir el día a día. Su objetivo es mostrar la esencia del producto y la marca, y sobre todo, que la persona que lo lleve muestra una gran actitud.

Conoce un poco más de la historia de la fotografía de moda

La historia de la fotografía de moda se remota entre los años 1840-1852, cuando la esposa de Napoleon III fue la primera modelo en la industria de la moda. Sin embargo, fueron años después donde se publicaría la primera portada con una foto de moda. Fue en el año 1892, gracias a la revista francesa “La mode pratique”.

Tiempo después, saldría Vogue y Happer Bazzaren, siendo dos revistas icónicas hasta la actualidad, donde no pierden la esencia de la fotografía de moda. Ahora aprenderemos un poco sobre el paso de este estilo en las diferentes épocas de la historia.

El Pictorialismo buscaba imágenes artísticas de fotografía de moda

Aldolfo Meyer es considerado, por muchos, el primer fotógrafo de la industria de la moda, ya que su primer trabajo lo obtuvo con la revista Vogue. Él consideraba este estilo como una obra de arte, comparándolo con la pintura y el arte. Su primer proyecto fue retratar a Elizabeth Arden en 1922.

El Modernismo resaltaba la elegancia y feminidad de las fotos de moda

En esta época, la elegancia y la feminidad eran las características de una mujer a la moda. Es así que ahí nacieron muchas tendencias y casas de moda como Coco Chanel, Nina Ricci y Elsa Schiaparelli. La gran mayoría empezaban a revolucionar la moda, con faldas más cortas y quitando el incómodo corsé.

El estilo de fotos de moda pasó a ser en blanco y negro. Muchos de ellos jugaban con las luces y las sombras, a parte de las siluetas de las sombras de las modelos. Su objetivo era resaltar tanto a la mujer como el vestuario.

El Realismo capturaba tomas creativas e ingeniosas en las fotos de editoriales de moda

Era el año 1930 donde las fotos de editorial de moda se volvieron más creativas y los fotógrafos daban lo mejor de ellos. A parte que la sociedad comienza a ser más liberal a la hora de vestirse y se preocupaba más por su aspecto. 

La corriente surrealista creaba un mundo mágico en la fotografía profesional de moda

Si en la corriente anterior se buscaba destacar el entorno que nos rodea, en el surrealismo buscaba destacar el mundo interior. El surrealismo es la distorsión de la realidad en la fotografía profesional de moda. Uno de los fotógrafos que más destacó en este movimiento fue Man Ray, quien creaba composiciones increíbles y llenas de erotismo.

La tendencia de la fotografía de moda en los años posteriores

Después de la Segunda Guerra mundial, los trabajos de la fotografía de moda eran realizados en blanco y negro. Por el tiempo en el que se estaba reconstruyendo la sociedad de este terrible acontecimiento. A fines de los años 40, empieza resurgir el glamour y viene con el “New Look” de Dior. También surgen grandes diseñadores como Balenciaga, que con sus trajes amplios vuelve a liberar a la mujer.

En esta época surgen dos nombres importantes los cuales son Richard Avedon y Irving Penn. Avedon nos muestra en sus imágenes poses menos rígidas, que dan paso a la naturalidad. Ambos hombres son los padres de la fotografía de moda tal y como la conocemos ahora.

Los tres tipos de fotografía de moda que debes conocer

En este estilo fotográfico existen varios tipos de fotografía de moda, sin embargo, te nombraremos los más importantes.

Fotografía publicitaria de moda para realizar grandes campañas

La fotografía publicitaria de moda  se encarga de realizar diferentes tipos de conceptos fotográficos con el objetivo de expresar el mensaje de la marca. Lo que tienes que hacer es desarrollar la idea de la campaña junto con el cliente, usando toda tu creatividad. 

Debes  tener en cuenta todos los elementos que necesitarás como las locaciones, los modelos, el maquillaje, etc. En este tipo de sesiones, es necesario un equipo de producción que nos ayuden en el proceso.

Fotografía de catálogo para resaltar los grandes productos de esta industria

La fotografía de catálogo se encarga de mostrar cada uno de los productos por separado o con un concepto más elaborado donde se crea una historia alrededor de las prendas y accesorios. En este tipo de fotografías se utilizan diferentes elementos, como zapatos, carteras, joyas, bisutería, gorros, perfumes y otros aquellos productos que son ofrecidos por la marcas.

La fotografía editorial de moda, especial para las grandes revistas

La fotografía editorial de moda, se realizan normalmente para revistas, suplementos, etc. Algunas veces las agencias no envían las fotografías que utilizará la revista, por lo que las editoriales se ven en la necesidad de enviar a un fotógrafo que las realice. Por eso es tan importante que des a conocer a las revistas sobre tu trabajo, ya que es aquí cuando pueden llamarte para ser esa cámara extra que necesitan.

Conclusión

En resumen, podemos ver lo importante que es esta técnica fotográfica para las marcas de la industria, éstas necesitan destacar sus prendas a través de un mensaje claro que trasmita a los clientes el estilo que tienen. Si quieres aprender más acerca de está técnica, te invito al Curso de Fotografía de Moda. 

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En la fotografía de moda, las marcas quieren trasmitir a través de sus prendas e imagen, un estilo de vida. En este tipo de fotografías, se necesitan de muchas herramientas, porque el objetivo es una foto impactante. Por eso habrás visto que muchas revistas de moda suelen jugar con el glamour y el dramatismo en sus imágenes. La mayoría de las modelos están maquilladas con gruesos delineados de ojos y con sombras bastante dramáticas. Por otro lado, también verás en este tipo de fotos que se usan diferentes gamas de luces y accesorios de iluminación.

Veamos cuáles son los pasos que deberías saber, para sumergirte en este tipo de fotografía publicitaria.

Comprendiendo conceptos: ¿qué es una editorial de moda?

La fotografía de moda, es más que mostrar en una imagen las nuevas tendencias del mercado. Por eso, es importante que un fotógrafo de modas, conozca cuáles son los conceptos en este rubro de la fotografía. Además, debe saber plasmar la esencia de la marca y trasmitirla en sus fotos. Por eso se debe saber ¿qué es una editorial de moda?

Una editorial de moda, pretende contar al cliente una historia a través de una imagen. Esto es básico, ya que si bien las tendencias pueden ser las mismas. La manera en cómo las interpretan cada fotógrafo, será lo que haga la diferencia.

Existen diferentes aspectos que debes tener en cuenta al momento de crear una buena editorial de moda. Debes estar al tanto de las tendencias y de lo nuevo en el mercado. Un contenido obsoleto no te servirá de nada.

Las fotografías que realizamos para editoriales de moda, son producciones que se realizan para revistas o catálogos de moda. Esto ha llevado a que se cree una estética propia, donde los accesorios, prendas y las locaciones son los protagonistas.

Factores y claves a tener en cuenta para saber como hacer una editorial de moda

Antes de entrar en el mundo de la moda, debes tener en cuenta algunos factores y claves para saber como hacer una editorial de moda, uno de ellos, es seguir los parámetros que en general aparecen en todas las revistas. Cada uno de estos pasos nos servirá para no ser rechazados desde el comienzo.

Uno de esos aspectos claves es saber el formato en las que publican las revistas. Éstas utilizan un formato vertical, por lo que tus fotografías deberán adaptarse. Además, debes tener en cuenta los colores y pixeles.

También, es importante comprender la diferencia de los perfiles de color CMYK y RGB. El formato RGB es mayormente usado en publicaciones online. A diferencia del CMYK que se utiliza en publicaciones impresas. Por otro lado, es importante que tengas en cuenta los pixeles por pulgada. En la web se considera siempre 72 ppp y en las publicaciones impresas se usa 300 ppp. Ahora veamos cuáles son los pasos claves para alcanzar el resultado esperado.

A continuación, veremos cuáles son los pasos o fases que debemos seguir. Ten en cuenta de que debes conocer cómo es el trabajo de la empresa con la que deseas trabajar. Además, debes saber el mensaje que deseas trasmitir con tu imagen, qué es lo que deseas contar. Escoger a un equipo de confianza te facilitará el trabajo.

Fase 1: Pre-producción

El objetivo del fotógrafo de moda es plasmar una idea de la mejor forma. En lo que es fotografía editorial, la idea dependerá de la marca para la que trabajes. La mejor manera de preparar una editorial es conocer cuál es la línea que sigue la revista con la que piensas trabajar. Por ello es necesario analizar todo el material posible. Esta parte de pre-producción es fundamental. Así, nuestro trabajo estará alineado con el de la revista.

Después de recolectar información ,deberás estudiar lo que requiere la sesión que llevarás a cabo y definir el concepto que deseas plasmar. Saber qué es lo que quieres plasmar, te ayudará a gestionar los recursos que necesitarás para obtener un buen resultado final.

Fase 2: Producción

Una vez que hayas realizado el trabajo de Pre-producción, enfócate en la siguiente fase. Ahora es momento de realizar las fotos. Ten en cuenta medir la luz y jugar con ella. Te habrás podido dar cuenta que mucho de los mejores trabajo usan una buena iluminación.

La iluminación es un aspecto importante al momento de darle personalidad a nuestros trabajos, ésta le agrega alma a las imágenes.

Fase3: Post-producción

Esta fase te ayudará conseguir mejores resultados. La post-producción digital es básica en este tipo de trabajos. En la actualidad, existen diferentes programas que te ayudarán a perfeccionar tus imágenes. El objetivo con esta última fase es obtener el mejor resultado posible. Sin embargo, es importante que en tus sesiones obtengas buenas fotos. Así, evitarás realizar demasiados cambios. 

Elige un estilo que te defina en la fotografía de editorial de moda

Si quieres que tus imágenes sean aceptadas, debes asegurarte de que éstas tengan coherencia con lo que buscas trasmitir. Muchos fotógrafos de moda, cuando recién comienzan cometen este error, y por esto muchas revistas los rechazan. Debes asegurarte que con tus imágenes tramitas el estilo que te defina en la fotografía de editorial de moda. 

Infórmate todo lo que puedas acerca de la marca. De nada te sirve que tengas fotos de excelente calidad, si no se adaptan al estilo del magazine donde quieres postular. Para lograrlo, tendrás que identificar cuál es tu estilo, y luego adaptarlo dependiendo la marca con la que vayas a trabajar.

Recuerda que tus fotografías pueden ser muy buenas, pero de igual manera serán rechazadas si no trasmiten el mensaje que la compañía busca.

Ten en tu portafolio exclusivamente con fotos para las editoriales de moda

Este paso te dará más opciones de ser elegido. Debes tener en cuenta que los Directores de Arte verán tu portafolio,  y tener alrededor de 20 fotos para las editoriales de moda. Esto se debe a que le darás al Director de Arte más oportunidad de elegir, haciendo que tenga con él las cinco o siete mejores de tus fotos.

Revisa publicaciones de la editorial de la revista de moda con la que quieres trabajar

Una de las cosas que puedes hacer es evaluar y estudiar la editorial de la revista de moda de las marcas con las que deseas trabajar, también puedes suscribirte a un newsletter para estar al tanto de las tendencias del mercado. Esto te permitirá alinearte con el estilo de la compañía.

Trata de estudiar cada una de las publicaciones que veas, hasta que sientas que has interiorizado el estilo que tiene la empresa. De esta forma, se te hará más fácil el proceso de creación y selección. Esto le dará un plus a tu portafolio.

Colabora con creativos que hayan trabajado en anteriores producciones de fotografía de editoriales de moda

Cuando recién estas empezando a crear tu portafolio, debes buscar la manera de iniciar con lo que tengas. Es por eso que colaborar con creativos será de gran ayuda. Te dará experiencia y podrás probar cómo se trabaja en el mundo de la fotografía de editoriales de moda.

Puedes trabajar con personas que ya han participado en este tipo de producciones. Identifica a las personas creativas, alguna de éstas pueden ser las maquilladoras, las estilistas o inclusive las modelos que han aparecido en determinadas publicaciones. Así, aprenderás más sobre cuáles son los pasos que debes seguir. 

Conclusión

Recuerda que el término editorial de moda se usa para hacer referencia a las producciones fotográficas en las que se quiere contar una historia. No olvides que existen diferentes elementos que intervienen en el resultado, éstas pueden ser las prendas y accesorios. Los encargados de contar la historia son los modelos y el ambiente en el que se realiza la sesión. También, ten en cuenta el estilo con el que trabaja la marca. Este tipo de fotografía publicitaria es cada vez más común, si deseas conocer más sobre estos temas, te recomendamos el curso de fotografía de moda publicitaria

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¿Qué es la fotografía de moda publicitaria?

Fuente: Pinterest

Es usual encontrar la fotografía de moda en importantes revistas y son éstas las que marcan la tendencia en el mundo. Los consumidores buscan y están dispuestos a pagar por ver imágenes que muestren las tendencias internacionales.

Como hemos mencionado antes, los principales medios de difusión de estas fotos son revistas, catálogos, vallas publicitarias o folletos publicitarios. Estas imágenes por lo general usan un formato vertical, ya que en las revistas se utilizan en una página completa. Sin embargo, también se usa el formato horizontal que está destinada a la página central de la publicación.

Recuerda, estas clases de imágenes no solo buscan destacar las piezas de ropa, sino también los accesorios, maquillaje, cosméticos, bolso, etc. Todos estos elementos en conjunto forman la imagen publicitaria de una marca.

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¿Qué es la dirección de arte en fotografía de moda publicitaria?

La industria de la moda ha evolucionado y se ha vuelto muy competitiva. Es por eso que las marcas se han visto en la necesidad de comunicar sus propias ventajas, para así lograr diferenciarse de sus competidores. Debido a este motivo las empresas invierten grandes sumas de dinero en esta técnica fotográfica. Con estas acciones las empresas buscan generar un impacto, seducir y cautivar a sus consumidores. En estos días donde todo ingresa a través de los ojos, la imagen es una prioridad para las empresas.

Sin embargo, debemos tener en claro qué es la dirección de arte. Su objetivo es conceptualizar y diseñar el mensaje que quiere trasmitir la marca. Debe ser capaz de crear ideas y desarrollar proyectos dependiendo las necesidades que tengan cada empresa. Estas campañas deben estar enfocadas en cumplir con los objetivos, además de estar alineadas con el público de la compañía. No debemos olvidarnos que un Director de Arte tiene que estar totalmente al tanto de las nuevas tendencias en el mercado actual.

Por estos motivos los directores deben ser camaleónicos, y deben hacer cosas distintas que sean capaces de generar sensaciones en los usuarios y que logren captar su interés.

La dirección de arte y su importancia en la fotografía de moda

Fuente: Pinterest

En el anterior párrafo, hemos podido ver qué es la dirección de arte, pero no sabemos cuál es su importancia en el rubro fotográfico.

La dirección de arte es la encargada de trasmitir un mensaje a través de imágenes y códigos visuales. Pongamos un ejemplo, un director artístico que trabaja para una editorial de moda será el encargado de crear el concepto fotográfico, buscar las locaciones en las que se realizará la sesión, cuáles serán los elementos visuales que se usarán, ya sea un banco o un mueble, etc. Además, deberá elegir el mejor encuadre, la iluminación, la modelo, la ropa, el peinado, entre muchas más cosas.

La dirección de arte resulta cada vez más importante en el rubro de la moda, y una buena imagen es trascendental para captar clientes y no pasar desapercibidos. Muchas veces, tener una buena campaña se puede ver reflejado en los resultados de las ventas. El trabajo del director artístico es plasmar la visión de la marca, de una manera más creativa y visual. Con esto creamos valor y diferenciación.

5 claves para ser un buen director de arte

1. Tener capacidad de liderazgo y una buena comunicación

Los directores artísticos son los encargados de marcar cuál será el concepto a seguir en las campañas. Por lo tanto, todo el equipo debe entender y comprender cuál es la imagen que se quiere plasmar. Debemos unificar las fuerzas y poder motivar a nuestro equipo. Podemos usar el briefing, con ésta técnica nos sentamos con el cliente y escuchamos todo lo referente a la marca. Así, podremos plasmar mejor el mensaje de la compañía. Con éste definiremos los objetivos que tendrá la campaña.

2. Estar al día de las últimas tendencias de moda y arte

Este aspecto es de suma importancia, ya que el mundo visual cambia constantemente. Es esencial estar al día de las últimas tendencias internacionales, tanto en lo visual, artísticas, publicidad, moda, arquitectura, etc. Conocer acerca de estos temas puede ser la clave para diferenciarse del resto de competidores.

3. Controlar el tiempo de entrega en cada producción artística

Tener un calendario de entregas es fundamental para los profesionales en dirección de arte. Esto garantiza el buen funcionamiento de la campaña. Hay que recordar que en este tipo de producciones intervienen diferentes aspectos y etapas.

4. Una buena elección de tu equipo de trabajo

Es básico tener en claro que cada campaña tendrá necesidades únicas, por lo tanto en base a éstas deberemos elegir a nuestro equipo de trabajo. El equipo es importante, ya que éstos nos ayudarán a que la campaña sea efectiva.

5. Un Director de Arte tiene que hacer feedback del trabajo realizado junto a su equipo

El director artístico tiene que ser disciplinado y constante. Sobre todo al llevar a cabo sus ideas. Por eso es fundamental hacer un buen análisis y autocrítica del trabajo realizado. Debemos analizar cada etapa del proceso de creación. Es necesario tener organizadas las reuniones con el equipo creativo. Así, podremos recibir un feedback y realizar las correcciones necesarias.

4 Etapas a seguir en la dirección de arte

1. En la incubación de la idea se realiza el briefing

En esta primera etapa los directivos de arte se juntan con los clientes para realizar un briefing, en el cual se hablará de los objetivos de la compañía, el segmento, las plataformas de comunicación a utilizar, etc. Luego del briefing, el director realizará una lista de ideas para elegir la que mejor se adapte al mensaje que quiere trasmitir la empresa. También, tendrán que elegir cuáles son los beneficios o características que se realzarán en la campaña.

2 Seleccionar al equipo de trabajo creativo para la campaña

En esta etapa se decidirá el equipo de trabajo, es decir los creativos que requiere la realización de la campaña. Esto dependerá de muchos factores. Por ejemplo, si la campaña se trata de una marca de ropa que tiene un estilo glamouroso, se buscará a creativos que capten la esencia de la marca. Se utilizará profesionales que puedan captar el concepto que deseamos trasmitir, a través del uso de accesorios, maquillaje, etc.

3. Tener el concepto para la sesión fotográfica

Una vez se tenga en claro cuál es el concepto que plasmaremos en nuestras imágenes, se realizará la sesión fotográfica. Siempre teniendo en cuenta el uso de la iluminación, locación, enfoque, etc. Todos estos detalles sumarán al momento de conseguir un buen resultado. Por último, se realizará la entrega del diseño al cliente.

4. Exposición del diseño al cliente para previos cambios

Esta es la última etapa, se realiza la exposición del diseño al cliente con la idea plasmada. Le mostraremos el concepto de la imagen, el uso de los colores y los accesorios. A partir de este punto, se efectuarán los posibles cambios o entrega necesaria a los medios.

Conclusión:

Como te habrás podido dar cuenta, el trabajo de un Director de Arte es bastante complejo. Sin embargo, si se tiene en claro la esencia de la marca con la que trabajaremos todo será más fácil. También, es importante tener en claro los recursos que se verán involucrados en la realización de la campaña. Por otro lado, recuerda que lo que se busca en este tipo de fotos es conquistar al cliente a través de una imagen impactante, otra forma de aprender acerca de este tema es a través del curso de fotografía de moda publicitaria 

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Pero no solo eso, también se tiene que considerar lo que realmente se necesita para lograr esas alucinantes fotografías, como luces, calibración, ángulo y momento exacto. Por ello, hoy te queremos compartir los secretos de 7 fotógrafos de pasarela, los cuales nos revelan lo más importante de las fotografías de pasarelas de moda. 

Conoce los más íntimos secretos de fotógrafos de pasarela

1. Las mejores tomas se obtienen en el Backstage

“Mi consejo es ir detrás del escenario e interactuar con los modelos y el personal”. – Ovidiu Hrubaru

Tal como él lo dice, lo mejor está detrás de bambalinas, como en esta fotografía, donde se puede apreciar a Tom Ford antes de presentar su colección de Primavera/Verano 2018, ciertamente se aprecia la tensión por concretar los últimos detalles o retoques de lo que vendría a ser un espectacular show.

Hrubaru cuenta que los mejores disparos que puede realizar un fotógrafo es detrás del escenario, en backstage, ya que ahí es donde ocurre toda la magia y al mismo tiempo la tensión. Ya que las tomas en su mayoría son de las modelos y trabajadores luchando para que todo salga a la perfección.

La fotografía se realizó con:

• Equipo: Cámara Canon 1 DX, lente de 300mm 2.8 IS USM II.
• Configuraciones: Exposición 1/640 seg; f7.1.

2. Mientras más temprano llegues al lugar, obtendrás mejores fotos

“Sugiero llegar al lugar al menos una hora antes del espectáculo para que puedas elegir el mejor lugar”. – Gordana Sermek

Si llegas por lo menos una hora antes al show, podrás elegir el mejor lugar para fotografiar. Como en esta imagen, donde se aprecia la silueta de la modelo que sale y regresa al backstage. Donde todas las luces se apagaron y solo quedó iluminado el fondo, para resaltar la marca y el atuendo que vestía, como en este caso, el tul y el moño tipo bailarina de ballet. Impresionante.

Además, si llegas antes puedes obtener imágenes de los ensayos de pasarela y prácticas de iluminación, la oportunidad perfecta para que puedas probar la luz y calibres tu cámara .

La fotografía se realizó con:

•  Equipo: Cámara Canon EOS 5D Mark II, objetivo EF70-200mm f/2.8L IS II USM de Canon.
•  Configuraciones: Longitud focal 200 mm2; exposición 1/200 seg; f3.2; ISO 2000

3. Realiza tus fotografías en medio de la multitud

“Lleve una silla o taburete pequeño y práctico para usar para sentarse frente a otros fotógrafos o pararse detrás de ellos”. – Tania Volobueva

Estar entre la multitud te permite tener una vista amplia del público y los modelos, ayudándote obtener puntos de captura diferentes al de los demás fotógrafos.

Y no solo eso, pues muchas veces estar entre tantas personas fotografiando, hace que abras un poco tu panorama y que le tomes más atención a las capturas en primer plano, como zapatos, bolsos, accesorios, prendas o simplemente los rostros de las modelos. Son factores que a muchos clientes les interesa.

La fotografía se realizó con:

• Equipo: Cámara Canon 5D Mark II, objetivo 70-200mm F4.
• Configuraciones: Exposición 1/200 seg .; f4; ISO 1000.

4. Actitud amable frente a los colegas fotógrafos

“Tienes que ser amable y cortés, y debes entender que todos quieren obtener sus fotos”. – Lev Radin

Tal como dice arriba, ser amable, pues tienes que tomar muy en cuenta que así como tú necesitas sacar fotografías, ellos también las necesitan, pues también tienen clientes con quienes trabajan.

Y no solo tienes que ser buena onda con los fotógrafos, sino con las modelos a las que capturas, como en este caso, que fue el desfile de Victoria´s Scret y Heidi Klum tuvo una actitud muy amable, la cual fue recíproca.

La fotografía se realizó con:

• Equipo: Cámara Canon EOS 5D Mark II, objetivo 70-200 F / 4,0 L IS USM.
• Configuraciones: longitud focal 200 mm; exposición 1/200 seg; f4.5; ISO 1250.

5. No puedes ir a fotografiar un show si no sabes de qué trata

“Haz tu tarea antes del espectáculo. Estudia al diseñador y su estilo “.- Humberto Vidal

Este es otro punto que se tiene que tomar muy en cuenta, ya que existen fotógrafos que no saben en qué show están, de qué trata o quién es el diseñador. Aunque parezca una sugerencia muy obvia, muchas veces ha pasado que por haber muchos eventos en un mismo día o en simultáneo, no se informan lo necesario y solo ingresan a la sala, lanzan disparos y listo.

Por ello, es importante que cada fotógrafo realice un estudio a conciencia, ver quién es el diseñador, su estilo, colecciones y todo lo relacionado al show.

Otro punto importante es que no se lleve mucho equipo, ya que eso dificulta tu traslado.  Tal como lo indica Vidal, “Me di cuenta que la mayoría de los fotógrafos van a espectáculos con un “pequeño estudio”, lo que les dificulta moverse rápidamente de un espectáculo o de un lugar a otro. Solo llevo dos cuerpos, tres lentes, un flash, tarjetas y baterías en una bolsa de mensajero. Normalmente, soy el primero en salir de un programa y el primero en llegar al siguiente. No te excedas. Al principio, solía rodar unos 600-800 cuadros en un espectáculo de 32 apariencias. Ahora intento obtener de tres a cuatro buenas imágenes de todas las miradas, y reduje mi número total de imágenes de un espectáculo a 200-300. Me ahorra tiempo, tarjetas de memoria, baterías y, lo más importante, discos duros o espacio en la nube”.

La fotografía se realizó con:

• Equipo: cámara Canon 5D Mark II, objetivo 85 mm f / 1,2.
• Configuraciones: exposición 1/1600 seg; f1.2; ISO 200.

6. Llega antes y calibras tus tomas

“Necesitas llegar al lugar una o dos horas antes del espectáculo para reservar tu espacio o marcar tu nombre en el piso”. –ThaiCatwalk

En muchas de las pasarelas no se sabe qué sucederá hasta el momento que empieza el show, por eso es importante que si tienes la oportunidad de ingresar antes a la pasarela, separes un lugar para que puedas tener el mejor ángulo, ya que los clientes siempre desean que les des lo que otros no les pueden dar.

Así mismo, también es primordial que estés atento a lo que suceda en la pista, pues muchas veces no dejan ingresar a los ensayos, lo cual no permite ver la luz que utilizarán para que puedas tener una idea de calibración previa. Por lo que necesitas estar atento ni bien empiece el show para ver qué tipo de iluminación obtendrá la primera modelo y calibres tu cámara en un dos por tres, porque si te pones a pensar, puede que hayas perdido una gran toma, lo cual es un delito en el mundo de la fotografía.

La fotografía se realizó con:

• Equipo: cámara Canon EOS 6D, lente 70-200 f2.8.
• Configuraciones: longitud focal 70 mm; exposición 1/200 seg; f4.0; ISO 800.

7. Prueba con las tomas en vertical, el centro está muy usado

“… Prefiero que mi posición esté ligeramente descentrada. Hace que mis fotos se sientan más vivas”. – Sam Aronov

A diferencia de otros fotógrafos, que prefieren llegar antes y colocarse en el centro, a Sam no le importa mucho eso, ya que cree que las mejores fotografías se obtienen de un ángulo vertical, el cual muchos no utilizan por miedo.

Pero ese miedo se irá cuando te cuente que justo la fotografía que apreciamos arriba, es una de sus fotografías más vendidas, la cual fue tomada en Mercedes Benz Fashion Week Otoño / Invierno 2011. Él nos cuenta que no solo es el ángulo, sino la interpretación, la cual es que las hace sentir más vivas.

La fotografía se realizó con:

• Equipo: cámara Canon EOS Mark II, lente 70-200mm f2.8L IS II.
• Configuraciones: longitud focal 80 mm; exposición 1/250 seg; f3.5; ISO 400.

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