Algunas veces, las personas podemos encontrar; nuestra profesión y vocación, a través de la experiencia. Tal es el caso del artista digital oriundo de Egipto; Mohamed Cahin, quien descubrió lo que realmente le apasiona por medio de tutoriales de internet. En este artículo conocerás un poco acerca del creativo uso de los polígonos y color en el diseño, animación y arte digital por Mohamed Cahin.

Vintage Living Room | M.C

Mohamed recuerda haberse sentido atraído por el arte desde siempre, uno de sus hobbies favoritos era el dibujo. Comenta que se la pasaba todos los días dibujando, sin embargo, fue recién hace sólo unos 3 o 4 años que empezó a ver el arte como algo serio.

Mientras cursaba el segundo año de Universidad, notó que no estaba aprendiendo; tanto como él quería, sobre diseño lleno de color, arte y Storytelling. Por tanto, decidió aprender por Internet.

Empezó viendo tutoriales de diferentes tipos de trabajos como: ‘You Name It’, ilustración, arte conceptual, modelado 3D, entre otros. Le gustaba ver estos tutoriales durante todo el día; a medida que iba practicando, hasta quedarse dormido.

Fue justamente en ese momento en el que descubrió que si hacía algo durante 24/7 sin aburrirse, eso quería decir que estaba haciendo algo que realmente ama.

Vintage Living Room | M.C

A diferencia de algunos otros artistas, Cahin considera que es casi imposible tener sólo una fuente de inspiración si eres un artista. Puesto que para él, la inspiración puede llegar a través de diferentes cosas y/o sucesos como por ejemplo: Las películas, libros, canciones, juegos y demás.

Random Renders #2 | Cahin, Mohamed

Si bien no cuenta con una sola fuente de inspiración, comenta que aquello que más lo inspira son las historias, ¿por qué?, porque según Mohamed, en el momento en el que una persona le cuenta una historia, automáticamente empiezan a aparecer una serie de imágenes e ideas creativas en su cabeza.

Blender Low Poly Timelapse | Mohamed Cahin

Lo mejor de todo, es que muchas veces esas ideas se presentan de forma abstracta; permitiendo así, que el diseñador experimente más con su propia creatividad.

Abandoned | Cahin, Mohamed

Con respecto al estilo que lo define, éste es aquel caracterizado por el uso continuo de polígonos en sus diseños tridimensionales, llenos de color. Una de las razones por las cuales prefiere ese estilo es debido a que puede ser utilizado para diferentes rubros.

Abandoned | Cahin, Mohamed

Algunos de esos rubros son: La ilustración 3D, libros infantiles, videojuegos, logos, animaciones e incluso páginas web con aplicaciones en 3D. En caso de inclinarse por otro estilo, comenta que ese sería el diseño minimalista, ya que para Mohamed, muchas veces ‘Menos es más’.

Alto’s adventure fan art timelapse | M. Cahin

Cahin disfruta de poder observar el trabajo de diferentes artistas de todo el mundo, puesto que te permite abrir tu mente a nuevas opciones con las cuales experimentar.

Broken | M.C 

Algunos de sus máximos referentes, quienes según Mohamed “logran que él deje de hacer su trabajo para observar los proyectos de los mismos” son: Jona Dinges, Timothy J. Reynolds, Paul McMahon, Chris Guyot, Andrew Price, Gleb Alexandrou, Reynante Martinez, entre otros.

En cuanto a su experiencia como artista, afirma que realmente ama lo que hace, ya sea desde una escena 3D, un concepto dibujado a mano, personajes, diseño a color, hasta videos, no se puede quejar. Incluso comenta que si de trabajos sin paga se trata, él disfruta del mismo modo.

Usualmente se sienta a ver una película o a leer un libro de cualquier género y automáticamente las ideas empiezan a brotar en su mente. Si está libre, empieza a trabajar en ello al instante; caso contrario, lo programa en su lista de cosas por hacer.

Gravity Falls | C.M

Una de las cosas que más le fascina de su experiencia como artista, es cuando los clientes le solicitan un trabajo pero le permiten que él se encargue de toda la dirección de arte y ese es el momento en el que se siente tan feliz como ‘niño en una juguetería’, ya que es ahí cuando la creatividad llega.

Gravity Falls | C.M

“A veces el cliente comienza a asumir la dirección del arte, eso es lo que más odio para ser honesto. Es ahí cuando tengo que encontrar una iteración que el cliente crea que es buena sin arruinar los colores, la composición y otros aspectos de la obra de arte”, comenta Mohamed.

Random Renders #1 | Cahin, Mohamed

El consejo que le da a todos aquellos a quienes les guste el arte; tanto como a él, es que trabajen 24/7, en el caso de no estar trabajando en proyectos pagados, que trabajen en proyectos personales. Si resulta aburrido pensar en ello.

Blender Low Poly Dead Pool | Mohamed Cahin

El diseñador aconseja retarse a sí mismo. Puede ser a través de un reto de diseño a color, bosquejo, animación o lo que fuere, por 30 días. Gracias a ello podrás notar el progreso de tu trabajo desde el primer trabajo hasta el último.

Si deseas ver más del trabajo del artista, entra a: Behance | Mohamed Cahin

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 El ilustrador y artista digital, Cihan Engin, desarrolló su interés por el dibujo clásico, la pintura y el arte en general desde que era muy niño. Sus primeros pasos como artista los dio dibujando personajes de Walt Disney como Duck Donald y los Caza Fantasmas.

Uno de sus más grandes referentes fue su padre, quien como el artista asegura: “Tenía mucho talento y un buen sentido de la perspectiva”. Ello motivó al ilustrador a tratar de seguir sus pasos y sumergirse en el arte. Tras descubrir un libro sobre Miguel Ángel, quedó tan fascinado con el arte que optó por recibir educación artística profesional.

Sus dos grandes inspiraciones son la mitología y la arquitectura. Eso es lo que podemos ver reflejado de manera óptima a través de sus ilustraciones. Una de las características más interesantes de Cihan es que él aprovecha; a través de su trabajo, el entorno contemporáneo e histórico de su país; Turquía, pero desde una perspectiva futurista.

“Después de terminar mis estudios académicos en arte, decidí dejar la pintura clásica con el pincel y abrazar el arte digital con una tableta gráfica, convirtiendo mi computadora en un lienzo”, comenta Cihan.

Su gran referente es Rembrandt Harmenszoon quien gracias a su juego de iluminación y sombras, plasmado en sus pinturas, influye mucho en el estilo de Engin.

En cuanto a su experiencia como artista, Luego de graduarse de la facultad de Bellas Artes, comenzó a trabajar en una agencia de gráficos como Director de Arte durante dos años. Después, empezó su taller enseñando a estudiantes de arte mientras él seguía trabajando en sus proyectos. Tiempo después, empezó a trabajar diseñando gráficos para una empresa de juegos móviles para IOS y Android. Es ahí donde trabaja por cinco años y sus ilustraciones empiezan a ganar reconocimiento a nivel nacional. Participó en numerosas exposiciones, mixtas e individuales.

Se le otorgó un premio a la exposición nacional por un trabajo temático sobre el calentamiento global y el cambio climático. Actualmente trabaja como freelancer en su propio espacio, en donde ha podido desarrollar nuevas habilidades como: pintura digital y efectos especiales de video en After Effects.

Para Cihan es esencial que quienes estén interesados en seguir este camino como artistas, reciban la educación requerida. Por otro lado, recomienda que se debe estar dispuesto a probar nuevos estilos. Pero sobre todo, lo más importante, según Engin es: Saber de dónde venimos y conocer nuestras raíces culturales ya que para él, muchas veces los artistas sacan la mejor inspiración de los lugares a los que pertenecen.

Cihan Engin; artista digital, nos enseña que podemos aprovechar nuestro entorno como fuente de inspiración para crear un universo de arte y fantasía como el que él nos muestra a través de sus ilustraciones.

Si quieres ver más de Cihan Engin, puedes entrar a este link.

Imágenes: Behance

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Aquí, combina gráficos digitales con sketchs propios hechos a mano, con acrílicos, óleos y salpicaduras de acuarela en una sola imagen, siguiendo con la técnica de la doble exposición gracias a los blendings y capas de ajuste en Photoshop, de tal forma que su trabajo se vea menos “digital” y más similar al dibujo y la pintura.

En esta ocasión, Emi ha preparado para nosotros un segundo tutorial en el que describe, paso por paso, los procedimientos que realizó para elaborar esta fascinante obra:

Paso 1: Retocar

El trabajo empieza desde una foto y su primer paso es retocarla. Separa al sujeto del fondo seleccionándolo con las herramientas pluma y lazo. Luego trabaja con tablet y crea una bitmap mask. Seguidamente, remueve parte de la imagen para prepararla para el siguiente paso.

Paso 2: Una historia hecha a mano

Este paso es el más importante, pues es en el que Emi incluye sus habilidades manuales, creando diversos elementos y texturas hechos a mano como rayas, manchas de tinta, acrílico o manchas de acuarela dentro del trabajo.

Paso 3: Poner capas

En este paso, Emi importa digitalmente elementos hechos a mano en capas separadas dentro del archivo. Con el modo de Transformación libre (Editar > Trasnformar) rota y re dimensiona cada capa, y así encontrar el mejor tamaño y posición de esta imagen dentro del retrato. Utilizando varios bitmap o máscaras de vectores y herramientas de selección, borra algunas partes en exceso. Junta todos estos elementos con el retrato usando Multiplicar, Overlay y Luz Suave (Blendings > Capas > Modos de Blending) para obtener peculiares efectos combinando diferentes capas y texturas.

Paso 4: Pincelar

Con el uso de particulares pinceles, afina la forma de los elementos a mano, y con varias capas de ajuste como Matiz/Saturación (Imagen > Ajustes > Matiz/Saturación), Color Selectivo (Imagen > Ajustes > Color Selectivo) y Curvas (Imagen > Ajustes > Curvas), realiza la primera corrección de color.

Paso 5: Doble exposición

En esta fase, selecciona desde otras fotos diferentes elementos naturales y texturas (árboles, plantas, hojas, cielo, agua, etc.) Luego, importa estas imágenes en capas separadas, tratando de mezclarlas con el retrato usando blendings para obtener el efecto de doble exposición.

Paso 6: Cabeza en las nubes

Pintando con algunos pinceles personalizados y partes de fotos, añade varios tipos de nubes en formas y tamaños sobre el sujeto.

Paso 7: Seleccionar mejoras

Antes de la corrección final de color, con un largo pincel suave redondo, crea grandes manchas azules y rojas para mejorar algunos colores de la imagen. Luego, únelas con el fondo usando los blendings Multiplicar y Overlay.

Paso 8: Retoques finales

Por último, añade una textura de fondo y procede con degradado de color final de la imagen usando Matiz y Saturación, Curvas y Balance de Color, junto con algunos blendings, para así obtener finalmente grandiosos resultados.

Como podemos ver, para obtener increíbles resultados en tu trabajo artístico, los procedimientos a seguir no son nada del otro mundo, ya que Photoshop nos brinda herramientas prácticas y efectivas para realizarlo, y qué mejor si tienes la guía de un profesional para asegurarte de que estás yendo por el camino correcto. No olvides que, de todos modos, debes practicar seguido para poder dominar este programa y convertirte en todo un experto.

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“En mi opinión, cada cosa en todo momento tiene un lado artístico: la estética de las cosas, la gente que me rodea… Todo tiene su propia importancia: imágenes, texturas, sonidos, fragancias… Mi creatividad es constantemente estimulada”, cuenta Emi.

Su trabajo artístico combina personas y naturaleza en sus cuatro elementos (aire, agua, tierra y fuego) para así, crear un mundo etéreo e imaginario en balance con la realidad, los sueños y la fantasía, donde el color y la sensibilidad tengan un rol predominante: “Una armonía que enlaza al hombre y a la naturaleza en un perfecto camino y que lamentablemente hoy en día parece una utopía”.

Su enorme talento la llevó a ganar un premio de oro en Multimedia y Diseño Publicitario Online en el IDA Design Awards 2015 de Los Ángeles y uno de plata en Fotografía y Diseño de Fotomontajes en la A’ Design Aword and Competition en Italia, 2016.  

En esta ocasión, Emi ha preparado un tutorial para todos los que estén interesados en mejorar sus habilidades en el manejo de Photoshop para crear geniales diseños artísticos e ilustraciones de la forma más sencilla, en el que enseña, paso por paso, los procesos de creación de uno de sus últimos trabajos: la ilustración de la portada de la edición italiana de Vanishing Girls, una novela escrita por la best-seller Lauren Oliver. Aquí, Emi utiliza la técnica de doble exposición, es decir, aquella que combina diferentes imágenes en una sola.

Tradicionalmente, esta técnica se realiza con una cámara, seleccionando un ajuste que permite tomar fotos consecutivas a diferentes escenas. Sin embargo, hoy en día este efecto puede ser recreado en Photoshop, gracias a las herramientas de blending, en combinación con máscaras y selecciones apropiadas. Así, puedes obtener increíbles imágenes que remitan a lo surreal y fantástico, más allá de lo imaginable. A continuación, te presentamos los 10 pasos que Emi siguió para obtener increíbles resultados:

Paso 1:  Aislar el retrato

Primero, debes calar al sujeto principal de la imagen, es decir, separarlo del fondo recortándolo, usando la herramienta pluma y siguiendo detenidamente su línea del perfil. Con detenimiento, luego, sigue la línea de su cabello, cortando en el retrato unos pocos píxeles para evitar captar el fondo que hay en el espacio entre las hebras. Para arreglar detalles, crea una máscara y pinta en ella con un pincel suave y redondo: de negro para ocultar cosas, y para revelarlas, de blanco. Ajusta el tamaño del pincel y la opacidad según tu necesidad o preferencias.

Paso 2: Imagen del paisaje

Lo siguiente es tomar la imagen del paisaje y la pegarla en el documento. Luego, cambia los colores a blanco y negro utilizando una capa de ajustes (Imagen > Ajustes > Blanco y Negro).

Paso 3: Efecto de doble exposición

Aquí, debes seleccionar el retrato y le añadirle una máscara a la imagen del paisaje. Desvincula la imagen de su máscara dando click en el icono de la cadena en el panel de capas. Esto te permitirá que mover y escalar la imagen independientemente de su máscara, de tal modo que esta se quede en el sitio donde consideres que queda mejor. Luego, une los árboles con la capa que tiene debajo, utilizando el blending de luz suave (Capas > Modos de blending > Luz Suave) para obtener el efecto de doble exposición. Duplica la capa dos o tres veces con el mismo blending hasta que el brillo el contraste te convenzan.

Paso 4: Rotar and redimensionar

Usa la herramienta de Transformación libre (Editar > Transformar) para rotar y cambiar el tamaño de la capa. De esta forma, podrás encontrar el mejor ángulo para que los árboles cubran el retrato entero. Cuando juegues con imágenes durante la etapa inicial de despliegue y arreglo, configura las capas como objetos inteligentes (Capa > Objeto inteligente > Convertir a objeto inteligente). Así, serás capaz de transformar libremente, siempre manteniendo la integridad original de las imágenes. Finalmente, con una máscara negra, borra todas las partes donde haya excesos.

Paso 5: Regular tonos

En este punto, duplica la capa del retrato y cambio de colores a blanco y negro con capas de ajuste. Disminuye la opacidad de la imagen original (la que tiene color) a 40%, para revelar un poco del tono de piel.

Paso 6: Agrega sombras con máscaras

Añade una máscara a las dos capas de retrato y con un pincel redondo suave, esconde la parte superior de la cabeza.

Paso 7: Refuerza los detalles del retrato

Si algunos detalles se han perdido debido a la cantidad ajustes realizados en las imágenes, es tiempo de reforzarlos. Crea un duplicado de la capa del retrato y cambia el blending a luz suave. Después, con el uso de máscaras y ajustes de opacidad, borra las partes en exceso.

Paso 8: Agrega imágenes

Importa otra imagen de paisaje en el fondo para agregar suelo. Seguidamente, únelo con el retrato usando el blending de luz suave.

Paso 9: Añade detalles

Agregar ciertos retoques y detalles, como las aves en la parte superior de la cabeza, es un genial método para enriquecer la imagen.

Paso 10: Degradado final

Por último, añade un fondo marrón claro gradiente sobre la imagen, para así proceder con el degradado de color usando una capa de Matiz/Saturación (Imagen > Ajustes > Matiz/Saturación), Curvas (Imagen > Ajustes > Curvas) y Niveles (Imagen > Ajustes > Niveles) junto con algunos blendings.

Así, la imagen completa queda con el efecto de doble exposición. Las líneas más nítidas de la silueta se diferencian del fondo, mientras la adición de la ligera capa del retrato que está detrás, le añade detalles faciales.

A diferencia del método tradicional logrado con una cámara, en Photoshop, este trabajo artístico puede ser cambiado y alterado, lo cual te permite probar diferentes fondos y combinaciones para obtener distintos resultados.

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Actualmente, se encuentra trabajando en un proyecto personal llamado RCVS (Robinsson Cravents Visual Studio), el cual consiste en identidad visual, packaging e ilustración digital. Una de sus más recientes series de ilustraciones se llama Nature Dreamy, una combinación de colores, animales, naturaleza y formas geométricas.

Cómo empezó

Robinsson comenzó a interesarse por el arte digital a fines de 1999, luego de ver una animación en Discovery Channel cuyos efectos visuales lo asombraron. Su curiosidad por entender cómo fue realizada dicha animación fue lo que lo llevó a adentrarse en el mundo del diseño gráfico.

Aquello que más lo inspira son los estados de ánimo, siendo uno de sus favoritos los estados contemplativos, es decir, el dejarse fascinar las cosas que ve en su día a día, como las personas o la naturaleza. Y, al igual que todos, se deja también sorprender por la obra de otros geniales artistas.

Entre sus principales referentes artísticos, se encuentran los pintores Vincent van Gogh y Miguel Ángel; los diseñadores creativos Muggie Ramadani y Buck; y el astrónomo Giordano Bruno, que si bien no fue un artista, su pensamiento le ha servido de gran influencia a la hora de crear.

Más allá de ello, sin embargo, toda persona que diseñe, ilustre o anime algo puede ser fuente de inspiración para Robinsson.

Para conceptualizar, Cravents utiliza técnicas como cintiq, 3d software, papel, y lo infaltable: su imaginación.

Aún le resulta difícil definir su estilo (o estilos), sin embargo, él considera que posee la habilidad de distinguirse en plataformas digitales: en Behance, por ejemplo, la mayoría de sus proyectos han sido destacados. Igualmente, cree que es quien observa su trabajo quien finalmente define cuál es su estilo.

“En algunas ocasiones tengo ideas tan claras en mi mente que casi las puedo ver”, nos cuenta Cravents. “A veces, ni siquiera paso por el papel, voy directamente a mi estación de trabajo, lo cual resulta en 3 horas”. Sin embargo, nos comenta también que el proceso puede ser más lento en otras ocasiones, llegando a tomarle 8 o hasta 15 días en reproducirlo, por ejemplo, cuando realiza ilustraciones en 3d (Dreamy Nature). “Puedo tardar hasta un mes en obtener una sola escena con la cual diga esto es lo que quería”, nos comenta.

Profesionalmente hablando, aquello a lo que Robinsson dedica más su tiempo es al diseño de marcas y empaques, ya que con eso ha tenido cierto éxito.

La ilustración, en cambio, si bien la emplea como parte de identidades, no la ofrece de forma comercial. “Ella es mi escape a los itinerarios y a las limitaciones de la industria y el sistema. A través de ella puedo experimentar libertad, un toque espiritual y plasmar mi visión del universo, de la vida, de las cosas que me gustan”, enfatiza.

Para aquellos que quieran incursionar en el arte digital, Robinsson Cravents les aconseja que siempre traten de plasmar lo que tienen en mente y no lo que ven en el papel o en la computadora. Asimismo, que estén dispuestos a un cambio, un refinamiento más: no parar hasta que finalmente algo les convenza, a pesar del cansancio que ello les pueda producir. Y por supuesto, explorar todo tipo de estilos hasta hallar toda la mezcla ese que será propio de cada uno.

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“Soy un visionario surrealista” comenta Emi, en sus trabajos el ser humano se funde con la naturaleza y sus cuatro elementos para dar origen a un mundo interior, etéreo e imaginativo, equilibrado entre la realidad, el sueño y la fantasía, en el que predominan el color y la sensibilidad. Una armonía que une al hombre y la naturaleza de una manera perfecta y que desafortunadamente hoy en día parece ser una utopía.

Su pasión por el arte empieza desde muy joven, y con el tiempo descubre una fuerte pasión por el arte y la pintura relacionados con la tecnología. Emi se graduó del Design Institute Palladio en Verona con una licenciatura en diseño gráfico y diseño publicitario, y ahora se desenvuelve como artista independiente

EmiHaze 

EmiHaze

“Montones de ramas de árboles, nubes formando cabellos, rostros que se funden con aire y cielo, siluetas humanas que surgen de extensiones de tierra y raíces… este es mi mundo visionario.”

EmiHaze

Inspiración

– Como artista, ¿Qué te inspira?

Creo que la investigación es algo fundamental y necesario en mi trabajo. En mi opinión todo en cada momento tiene un lado artístico, la estética de las cosas, la gente a mi alrededor… Para mí todo tiene su propia importancia, imágenes, texturas, sonidos, fragancias, mi creatividad es constantemente estimulada.

La música es una de las claves de mi proceso creativo. Escuchando a mis artistas favoritos como Sigur Rós, Radiohead, Björk, me ayuda a sumergirme en mi mundo creativo y a tener un buen estado de ánimo para desarrollar una nueva obra.

EmiHaze

Proceso

En sus trabajos resalta la técnica de doble exposición, y según comenta, el arte tradicional tiene una gran influencia sobre su trabajo digital. “Reunir dos o más fotos crea una imagen coherente que puede ser bella, nostálgica o inquietante, dependiendo de las fotos que uses y de cómo las combinas. Con doble exposición, puede crear un mundo surrealista y fantástico más allá de nuestra imaginación. La razón de usar esta técnica varía, pero seguramente se crean para los mismos fines – belleza y singularidad.“

EmiHaze

EmiHaze  

Proyectos

 – ¿Cuáles son tus futuros proyectos?

En estos días estoy trabajando en la portada de una nueva novela de adultos jóvenes de un autor famoso con la casa aleatoria del Penguin Random House de Nueva York. El proyecto sigue siendo secreto, así que no puedo decir más. Luego tendré que trabajar en la portada de otro libro. 

Planificar y diseñar la portada de un libro es siempre un gran desafío y responsabilidad ya que tiende a representar con una imagen el contenido y el alma del libro. Al mismo tiempo debe ser intrigante y atractivo para captar la atención de los lectores que suelen leer otros géneros.

EmiHaze

“El consejo que daría es tener paciencia pero ser persistente, tener una mente abierta y tratar de inspirar siempre tu creatividad. El arte digital es cada vez más importante y crecerá exponencialmente en el futuro. Los potenciales ofrecidos por la tecnología son infinitas y pueden fundirse perfectamente con nuestras habilidades manuales. El único límite es nuestra imaginación.”

EmiHaze 

Para ver más trabajos de este talentoso y creativo artista te recomendamos seguirlo a través de Behance, Facebook, Instagram y su página web.

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El arte digital es uno de esos aspectos que, definitivamente, se debe resaltar. La era digital y sus oportunidades han hecho crecer a más de un artista que ha encontrado su pasión y camino por este medio. Uno de ellos es Ángel Alejandro, con quien tuvimos una entrevista recientemente.

Angel Alejandro

Angel Alejandro 

Angel Alejandro 

Un artista peruano que trabaja como freelancer en diseño gráfico. Su pasión nace cuando empezó sus estudios en dicha carrera. Desde ese momento sus mayores fuentes de inspiración son diferentes portales de diseño en donde artistas de todo el mundo también comparten arte como: Behance y Dribbble.

Las técnicas que utiliza se basan en las ideas que plantea antes de realizar un trabajo. También opta por experimentar cosas nuevas, técnicas diferentes a las que usualmente utiliza y de esta manera aportar nuevas cosas a su productividad.

Angel Alejandro

Angel Alejandro

 Angel Alejandro

En cuanto a su estilo, para Ángel, el cliente siempre tiene la razón. Este puede variar de acuerdo a gustos, ya que es bastante flexible en torno a eso. Considera que esa característica lo ayuda mucho para desenvolverse con clientes que buscan cosas diferentes y hacer un buen trabajo.

Pese a haber tenido distintos empleos como diseñador en agencias mientras cruzaba sus estudios, su mayor fortaleza la adquirió siendo freelancer. Empezó trabajando con empresas nacionales y luego lo logró con empresas internacionales.

Angel Alejandro

 Angel Alejandro

 Angel Alejandro

Angel Alejandro

Como todo gran artista, su inspiración también viene de otros grandes artistas. Ángel tiene más de un referente, a menudo se encuentra viendo el trabajo de otros, y si de conocidos hablamos, Adhemas Batista, Alberto Seveso y Maria Gronlund están como destacados.

Finalmente, Ángel nos deja un gran mensaje para futuros artistas y para los que ya están siguiendo este gran camino del arte digital. “Sean atrevidos, no esperen a que llegue un cliente para demostrar sus habilidades”, a su vez, recomienda realizar proyectos personales y buscar nuevas soluciones a sus problemas.

Angel Alejandro

Angel Alejandro

Angel Alejandro

Y con una visión futurista y engrandecedora: “Abran su mente y miren al mundo, no solo en este país existen artistas digitales, así que no solo en este país requerirán sus servicios”. 
Puedes ver más trabajos de Angel Alejandro visitando su página en Behance a través del siguiente link.

Angel Alejandro

Angel Alejandro

 Angel Alejandro

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¿Recuerdas los divertidos juegos que creabas cuando eras pequeño? Gracias a la gran imaginación que muchas veces ha salvado a más de uno del temible aburrimiento.

Para las personas que recién se inician en la fotografía es importante recordar que para conseguir increíbles tomas no siempre se requiere de un gran presupuesto y que jamás se debe dejar de crear.

PUEDEN VER:  El surrealismo en la fotografía: una nueva visión del mundo

Esto nos lo demuestra el fotógrafo mexicano Félix Hernandez Rodriguez. Si bien es un profesional con un admirable portafolio de trabajos, el mismo confiesa que su pasión esta en darle vida a escenas con figuras de acción u objetos en miniatura.

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“Desde pequeño pasaba horas solo en mi cuarto jugando con mis muñecos. Ahora que soy un ‘adulto’, me he dado cuenta que jamás dejé de jugar la única diferencia es que ahora tengo una cámara en mis manos“

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 La fotografía y el arte digital le brindan la oportunidad de darle vida a ciertas escenas que han estado en su mente desde que era un niño.

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Uno de los aspectos más importantes de sus fotografías es la escala. Hernández usa Focus stacking o apilamiento de enfoque con un lente de 24-105 mm para lograr una profundidad de campo más amplia. Luego de fotografiar sus escenas los pasa a Photohop para añadirle ciertos efectos finales.

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Si te interesa el mundo de la fotografía en el siguiente link te presentamos a una ilustradora que crea los más divertidos entornos para amenizar sus fotografías. Algunas escenas son muy divertidas.

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En esta oportunidad, presentaremos el último trabajo del fotógrafo mexicano Félix Hernández Rodríguez, de 42 años. Pero, esto no solo quedará en apreciar sus increíbles fotografías de ensueño, sino que el mismo artista nos muestra a través de un detrás de cámara, el delicado proceso que realizó en su más nueva creación: El Armario.

Félix Hernández nos tiene acostumbrados a transportarnos a otro mundo con el uso de personajes y escenarios en miniatura y técnicas de fotografía macro, y El Armario, no es la excepción. “El Armario es una de esas imágenes que aparecen en mis sueños en repetidas ocasiones, lo suficiente como para llamar la atención, por lo que me dieron ganas de sacarlo de mi mente y llevarlo a la vida“, escribió.

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Una parte importante de su trabajo se basa en fotografías surrealistas de objetos en miniatura. Para esto, Hernández busca la inspiración en sus sueños: “Nuestros sueños actúan como un mezclador de ideas, miedos y deseos con un toque de lo que realmente somos. La música que escuchamos, las imágenes que vemos, las experiencias que dejan una huella, vienen todos juntos en nuestros sueños para definirnos“.

  Fuente: Hernández Dreamphography

El resultado final de sus obras, normalmente, es una mezcla de efectos inteligentes y prácticos con un poco de edición de fotos. Le encanta la manipulación de fotos y el arte digital, pero se divierte más haciendo lo más que se pueda en la cámara. Luego con Photoshop agrega efectos que son difíciles o imposibles de conseguir con la cámara, como agregar sensación de movimientos, escalas de colores, etc.

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“Si necesito de un fondo nublado, en vez de hacer uno con algún material, voy a un lugar donde esté nublado. Si necesito niebla, utilizo hielo seco. Si necesito una ruina antigua, la construyo yo mismo, y así sucesivamente. Pronto me encontré haciendo cosas que había olvidado o que jamás creí que sería capaz de hacer. A raíz de esto, se abrió una nueva puerta para mí con nuevas posibilidades para la creación”, comentó.

Fuente: Hernández Dreamphography

Fuente: Hernández Dreamphography

Fuente: Hernández Dreamphography

Y, justamente por eso, El Armario tiene algo especial –al menos para él-, porque al igual que la mayoría de sus imágenes, usa miniaturas, pero esta vez todos los efectos fueron creados en la propia cámara, aunque admitió que sí combinó varias imágenes para crear la fotografía final. “Para este proyecto que quería que el proceso fuese más natural o lo más desconectado posible. Quería encontrar nuevas formas para crear una imagen y no depender tanto de la post-producción”, explicó.

¿Qué te parecieron sus obras? ¿Alguna vez has pensado en buscar inspiración en tus sueños? Para ver más de sus geniales trabajos, puedes ingresar a su cuenta de Instagram, Facebook o su página web.

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Nevess , conocido en el ámbito como Nevessart, es un joven de 18 años que vive en París y practica la doble exposición digital. Es amante del arte y el dibujo desde hace muchos años. En la actualidad se dedica a los trabajos digitales en fotografía para  mejorar no solo en términos de conocimiento, sino también de trabajo.

Su afición por estos tipos de trabajos le toman desde 3 a 4 horas para armar variadas creaciones en doble exposición. “Me encanta la creación de piezas de arte únicas, con muchos detalles para que estos sean únicos. A la vez también trato de variar cada fotografía tanto como sea posible (con la naturaleza, ciudad, paisajes, etc …) y dedicarle mucho tiempo a los detalles de estos para obtener mejores resultados.”

Y es que los trabajos de este joven artista no solo tientan a los usuarios a quedarse mirando, sino también a cuestionar su estilo y seguirlo de alguna forma, ya que la regla de Alexis es que no debe hacer o diseñar como otros, sino siempre proponerse a hacer algo diferente, hacer algo que nadie ha visto.  

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Tsevis ha llegado al éxito gracias a la visión que tiene para crear distintos dibujos, todos utilizando diferentes técnicas: cables, formas iguales y desiguales, lugares, fotos, objetos, etc.

Fuente: Tsevis.com

Fuente: Tsevis.com

Este exitoso joven griego viene creciendo al igual que su lista de clientes la cual resulta ser atractiva y numerosa. Dirige el estudio de diseño denominado Tsevis Visual Dsign, el cual se encuentra en Atenas (Grecia), en donde vive y trabaja. Además, es profesor a medio tiempo en la Editorial de Diseño y Tipografía de AKTO Collage de Arte y Diseño. Y no muy fuera del tema artístico visual, es un miembro fundador del Club de Diseñadores de Comunicación Visual (CDCV) en Grecia, claro.

Tsivis ha realizado trabajos para todo tipo de empresas y muy reconocidas como Nike, PepsiCo, Toyota, Adobe, Ikea y muchísimos más.

Fuente: Tsevis.com

Fuente: Tsevis.com

La labor de Tsevis va más allá de reunir una serie de figuras con el fin de crear otras. Este artista realmente relaciona posiciones, colores, formas y demás elementos con el fin de crear grandes composiciones, basándose muchas veces en artistas, personajes de alguna serie o película, futbolistas, personajes del ámbito artístico, animales, lugares como Grecia y otros paisajes y hasta a populares personajes del ámbito político como lo es Barack Obama, presidente de Estados Unidos.

Hace un par de años, Charis T. realizó una serie de trabajos en mosaicos a base de cables, la cual llamó “Oh baby, baby, it’s a Wired world” (Oh nena, nena, es un mundo conectado), suena a canción ¿verdad?

Fuente: Tsevis.com

Fuente: Tsevis.com

Este trabajo se hizo realmente conocido por la increíble creatividad que usó Tsevis para dar forma a tantas imágenes solo con el uso de cables de distintos aparatos electrónicos: enchufes, cables USB, cargadores de celulares, audífonos, y demás; los cuales dan vida a rostros, cuerpos y animales en movimiento.

Estas creaciones tuvieron como objetivo transmitir y llegar al público de manera revolucionaria, y sí que lo logró.

Las imágenes y cada parte de ellas conectadas solo por cables coloridos y desordenados, logran darte la sensación que realmente los tiempos han cambiado. Ciertamente, es poco inusual que alguien no dependa del teléfono móvil, laptop, o algún elemento inteligente que se mantenga vivo gracias a alguno de estos cables.

Fuente: Tsevis.com

Fuente: Tsevis.com

Otro de sus trabajos, del mismo modo conocidos, son los ‘foto-mosaicos’ que Charis Tsevis realizó para una campaña publicitaria de una aerolínea de los Emiratos Árabes, a la cual denominó “New perspective” (Nueva perspectiva).

Esta serie está compuesta de fotografías tomadas desde cientos de ángulos y distancias, únicamente del lugar que muestra una vez finalizado el mosaico.

Un ejemplo de ello es la Estatua de La Libertad, que queda en Estados Unidos. Este mosaico es el conjunto de miles de fotos del monumento, tomadas en perspectivas diferentes, de todos los ángulos que se ha podido fotografiar y en todos los tiempos posibles, dando como resultado diferentes colores, utilizándolas, a la vez, en diferentes tamaños.

Otros de los lugares que recreó con fotografías impresionantes fueron islas, animales, casas hermosas y ciudades muy conocidas.

Fuente: Tsevis.com

Fuente: Tsevis.com

Es realmente increíble y desafía mucho a la imaginación. Tsevis pone la valla bastante alta para otros artistas visuales, además, ¿se podrían imaginar la cantidad de tiempo que le toma pensar si quiera en lo que usará para crear la imagen que tiene como fin? Es una paciencia envidiable la que debe tener.

En el enlace a continuación conozcan una fantástica serie de fotografías de light painting alrededor del mundo, tomadas por el fotógrafo y artista visual Eric Paré, junto con la bailarina profesional Kim Henry.

Fuente: TodoGraphicDesign

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El Smart writting set ha sido fabricado por la empresa italiana Moleskine y está compuesto por tres objetos: el lapicero inteligente, o Smart Pen, el papel de Tablet y la aplicación móvil, los que trabajan en conjunto para digitalizar todos tus dibujos y anotaciones de manera instantánea.

Puedes capturar tus trazos mediante el lápiz inteligente o apretando el icono de la carta ubicado en el papel de Tablet, de este modo tus anotaciones se podrán grabar de manera instantánea. Este genial invento está a la venta y cuesta alrededor de 199 dólares. Si estas interesado haz clic en el siguiente enlace.

Fuente: Furiamag

Fuente: Furiamag

Fuente: Furiamag

Fuente: Furiamag

A continuación, en el siguiente enlace, conoce las diversas técnicas que existen para crear tus propios accesorios para cámara mientras cuidas de tu bolsillo y consigues geniales fotos. 

Fuente: Internet

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Fuente: Behance

Fuente: Behance

Andrés Ariza, o más conocido como “Maquinita” es un diseñador e ilustrador colombiano que tiene un estilo un poco particular. Sus trabajos reflejan sus gustos por los videojuegos y el cine de ciencia ficción y animación. Adicionalmente, si analizamos un poco más sus dibujos, nos daremos cuenta, que las cosas que dibuja tienen toque imaginarios que no existen en realidad en el planeta, pero que sin duda, muestra que es un diseñador que tiene como objetivo transformar el arte.

Fuente: Behance

Maquinita nos demuestra en sus obras toda la explosión de imaginación que él puede dar. En ellas, expresa el sentir de su vida y de lo que piensa y percibe de su entorno. Como ven y seguirán viendo en las imágenes, el street art, el arte digital y la creación de imágenes sin lógica alguna entre ellas, están claramente presentes en cada uno de sus trabajos.

Fuente: Behance

Fuente: Behance

Pocas veces se ve un estilo como el de Maquinita. Él explica que su manera de graficar no es más que reflejar en su trabajo todo lo que siente, le gusta y percibe del mundo. Ilustrar siguiendo lo que tu imaginación te pide es lo mejor que una persona, a la cual le apasiona el arte, la tecnología y lo digital, puede hacer.

Fuente: Behance

Fuente: Behance

Fuente: Behance

Fuente: Behance

Fuente: Behance

Fuente: Behance

Fuente: Behance

Fuente: Behance

Fuente: Behance

Fuente: Behance

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Como pueden ver, cada persona tiene un estilo único y el de Maquinita no es la excepción. Como él, existen muchos otros artistas que buscan difundir su arte para que la gente lo conozca y admire su manera de ver las cosas. Un ejemplo de esto es el caso de Giorgi Makharashvili, quien fiel a su estilo, transforma una simple pared en una pieza con pintura ultravioleta. Si quieres conocer un poco más sobre lo que este artista hace, te recomendamos que aprietes el siguiente link.

Fuente: Behance

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La creadora de estos retratos es Emi Haze, una diseñadora gráfica italiana que tiene al arte y la pintura como sus dos grandes pasiones. Ella asegura que con su arte puede expresar la visión de su propio mundo que divaga entre la realidad y la fantasía.

Este impecable trabajo se ha logrado gracias a la combinación del arte digital y la ilustración, a las cuales les añade una doble exposición de colores y sutiles paisajes.

Más Información: Blog  Facebook  Instagram

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