Qué son las técnicas de dibujo 

Las técnicas de dibujo son consideradas herramientas esenciales para empezar a dibujar. Con el tiempo, se han desarrollado varias técnicas que se basan en el manejo de diversos materiales, tales como: el carboncillo, lápiz, grafito, bolígrafo, óleos, entre otros. Sin embargo, no solo se caracterizan por el tipo de material usado. También pueden diferenciarse por el estilo y el lienzo empleado. 

Aprender a manejar estas técnicas de dibujo te ayudará a conseguir buenos resultados a la hora de dibujar. Ya que, son útiles para saber cómo plasmar los trazos y las líneas que conforman un dibujo. Solo necesitas practicarlas continuamente para volverte todo un experto. 

Cuáles son las técnicas del dibujo

Las técnicas de dibujo son muy diversas. Cada una de ellas experimenta con distintos materiales y superficies. Por eso, no todas pueden aplicarse en un mismo dibujo. Sin embargo, todas expandirán tus posibilidades de crear increíbles obras. A continuación, las técnicas de dibujo más usadas: 

Dibujo a lápiz, una de las técnicas de dibujo ideal para principiantes

Esta técnica es aplicada en dos etapas. En la primera, se dibujan las líneas guías o figuras básicas que formarán el esqueleto del dibujo. En la segunda, se realiza el sombreado del esquema del dibujo realizado inicialmente. 

Para llevar a cabo el dibujo a lápiz, existen distintas graduaciones de lápices. Estas volverán el trazo más o menos duro, influyendo directamente en el sombreado. De allí que, en algunos elementos, el sombreado otorgue mayor profundidad.  

Los sombreados se pueden realizar a través de un zigzagueo abierto con el lápiz, realizando líneas paralelas o líneas dispares. Otras formas de sombreado, casi nunca usadas, se realizan con el circulismo y el suavizado. Estas maneras de hacer sombras consisten en pasar un papel o una tela sobre el grafito del dibujo. El efecto de ambas le brindará otra apariencia a tus dibujos.

Conocer sobre los lápices especiales para dibujo también te ayudará a llevar a cabo, de manera profesional, la técnica de dibujo a lápiz. Los de formato estándar se utilizan a menudo para dibujar. Debido a que, estos vienen en una variedad de estilos y tamaños; y contienen minas blandas o duras. Cuanto menor sea el número del lápiz, más suave será la mina. Cabe señalar que las blandas son utilizadas para añadir matices y tonos, mientras que las más duras se utilizan para trazar los contornos.

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Recordemos que el fenómeno del cosplay procede de la expresión costume play, que puede traducirse como “juego de disfraz”. Siendo una de las principales atracciones en las convenciones de cómics. Puede considerarse como una subcultura, pues sus integrantes buscan encarnar algún personaje a través de su vestimenta e incluso interpretando un rol. Descubramos por qué al mirar sus obras es tan difícil creer que todas sean la misma persona.

Sus inicios sobre sus prácticas en el mundo del cosplay

Sus prácticas en el mundo del cosplay sucedió hace 8 años. Ella era una gran fanática del mundo del anime, y uno de sus amigos la llevó a un festival de animación japonesa en Rusia. En dicho evento conoció a muchos intérpretes cosplayers quedándose absolutamente sorprendida. Fue así como se dio cuenta que era lo que quería hacer, desempeñándose en el rubro de una manera bastante eficiente.

Su opinión sobre el desarrollo de las escenas de cosplay en su país natal

La artista considera que en Rusia los cosplayers y las personas aman juzgarse demasiado entre sí. Pues, si eliges un personaje que no te conviene, es posible que no obtengas aceptación del público. Es por eso, que recomienda siempre fabricar los disfraces lo mejor posible, y esforzarse mucho para que la gente no critique. Porque, en definitiva, deben crear excelentes escenas de cosplay.

Comentarios sobre su primer personaje cosplayer

La famosa cosplayer cuenta que al principio no sabía coser, y no tenía idea de dónde conseguir los accesorios necesarios para el personaje. Por eso, sus primeros “cosplays” eran sencillos sobre personajes animes como Rukia de Bleach y Belphegor de Reborn. Siendo oficialmente su primer personaje cosplayer el ‘Joker del manga Kuroshitsuji’. Este último personaje le encantaba tanto que realmente no le importaba que fuera un hombre adulto, siendo ella una niña de 14 años.

Uno de sus mejores cosplay fue del personaje Junkrat, un héroe de Overwatch

Overwatch es un videojuego de disparos en primera persona multijugador, desarrollado por Blizzard Entertainment. Junkrat es uno de los héroes de Overwatch, el cual se ha convertido en uno de sus mejores cosplays que ha podido elaborar la artista. Se pasó dos meses fabricándolo, que al final se sintió muy orgullosa de sí misma por lograrlo. Sin duda, fue uno de los disfraces más difíciles que pudo utilizar por los cargamentos del personaje. Sin embargo, tiene en cuenta que todavía le falta mucho por aprender. 

Lo divertido de interpretar a Yennefer de The Witcher

The Witcher, es un videojuego de rol para PC desarrollado por CD Projekt RED STUDIO y distribuido por el mismo en Polonia y Atari en el resto del mundo. Uno de los personajes principales del game es Yennefer de Vengerberg, quien es una hechicera de 194 años, aunque aparenta unos 25. La maquilladora profesional quien pide que se le llame ‘Angélica’ interpretó a dicha figura del videojuego caracterizando cada facción corporal. 

Creación del cosplay de Kagura Karatachi

Kaguro Karatachi, es un personaje secundario de la historieta Japonea Naruto. Fue uno de los personajes que pensó realizar después de Junkrat. Los animes son su inspiración, la hacen feliz cuando se siente triste. Reflexiona que al ver todos sus episodios favoritos de manga todo mejora.

Surgimiento de la elaboración de sus vestimentas animes

Ella se inspira de cualquier personaje que le llame la atención en videojuegos, películas de estreno, historietas manga o de anime, largometrajes de Disney, entre otros. Es solo segundos, mientras lo mira, ya está pensando qué tela o peluca comprar para elaborarlos. La musa de elaboración de sus vestimentas  es el mundo cinematográfico.

Si quieres seguir conociendo los diferentes personajes que ha interpretado esta talentosa reina del cosplay, síguela en su cuenta oficial de Instagram y Facebook. 

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“A fin de año tendré mi primera exhibición, y tal vez recién en ese momento podría empezar a referirme a mí mismo como un artista”, precisa. “Pero, por ahora, lo único que puedo decir sobre la fotografía es que hay gente te deja de tomar en serio cuando te arrodillas para fotografiar un copo de nieve con un lente de 60 años en tu cámara”, nos cuenta, entre risas.

Sus fotos se caracterizan principalmente por el uso de la técnica Bokeh (un efecto de suave desenfoque alrededor del objeto principal de la fotografía) y por el estilo retro “matte” utilizado para su procesamiento de color. Flores, hojas y plantas, animales y paisajes suelen ser los protagonistas de sus fotografías, a los cuales retrata la mayoría de veces con un lente macro.

Su fuente de inspiración es la naturaleza: “Nunca es la misma, y siempre es increíble en cada una de sus facetas y estaciones”, nos dice. Asimismo, admira el trabajo de muchos artistas a los que sigue en redes sociales como Flickr e Instagram, especialmente el de Iwona Podlasinka: “Lo que ella hace es de otro mundo… trato de imitarla, pero ella es única”, nos cuenta. Sin embargo, Stefan no considera que tenga referencias específicas de otros fotógrafos para realizar sus trabajos.

“No corten sus cosas propias, vivan sus sueños. No escuchen mucho lo que digan los demás y traten de encontrar su propio estilo. Elijan buenos equipos para hacer sus fotos… ¡Solo tienen una vida!”, aconseja Stefan a todos aquellos que sientan, al igual que él, una gran pasión por la fotografía.

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Aquí, combina gráficos digitales con sketchs propios hechos a mano, con acrílicos, óleos y salpicaduras de acuarela en una sola imagen, siguiendo con la técnica de la doble exposición gracias a los blendings y capas de ajuste en Photoshop, de tal forma que su trabajo se vea menos “digital” y más similar al dibujo y la pintura.

En esta ocasión, Emi ha preparado para nosotros un segundo tutorial en el que describe, paso por paso, los procedimientos que realizó para elaborar esta fascinante obra:

Paso 1: Retocar

El trabajo empieza desde una foto y su primer paso es retocarla. Separa al sujeto del fondo seleccionándolo con las herramientas pluma y lazo. Luego trabaja con tablet y crea una bitmap mask. Seguidamente, remueve parte de la imagen para prepararla para el siguiente paso.

Paso 2: Una historia hecha a mano

Este paso es el más importante, pues es en el que Emi incluye sus habilidades manuales, creando diversos elementos y texturas hechos a mano como rayas, manchas de tinta, acrílico o manchas de acuarela dentro del trabajo.

Paso 3: Poner capas

En este paso, Emi importa digitalmente elementos hechos a mano en capas separadas dentro del archivo. Con el modo de Transformación libre (Editar > Trasnformar) rota y re dimensiona cada capa, y así encontrar el mejor tamaño y posición de esta imagen dentro del retrato. Utilizando varios bitmap o máscaras de vectores y herramientas de selección, borra algunas partes en exceso. Junta todos estos elementos con el retrato usando Multiplicar, Overlay y Luz Suave (Blendings > Capas > Modos de Blending) para obtener peculiares efectos combinando diferentes capas y texturas.

Paso 4: Pincelar

Con el uso de particulares pinceles, afina la forma de los elementos a mano, y con varias capas de ajuste como Matiz/Saturación (Imagen > Ajustes > Matiz/Saturación), Color Selectivo (Imagen > Ajustes > Color Selectivo) y Curvas (Imagen > Ajustes > Curvas), realiza la primera corrección de color.

Paso 5: Doble exposición

En esta fase, selecciona desde otras fotos diferentes elementos naturales y texturas (árboles, plantas, hojas, cielo, agua, etc.) Luego, importa estas imágenes en capas separadas, tratando de mezclarlas con el retrato usando blendings para obtener el efecto de doble exposición.

Paso 6: Cabeza en las nubes

Pintando con algunos pinceles personalizados y partes de fotos, añade varios tipos de nubes en formas y tamaños sobre el sujeto.

Paso 7: Seleccionar mejoras

Antes de la corrección final de color, con un largo pincel suave redondo, crea grandes manchas azules y rojas para mejorar algunos colores de la imagen. Luego, únelas con el fondo usando los blendings Multiplicar y Overlay.

Paso 8: Retoques finales

Por último, añade una textura de fondo y procede con degradado de color final de la imagen usando Matiz y Saturación, Curvas y Balance de Color, junto con algunos blendings, para así obtener finalmente grandiosos resultados.

Como podemos ver, para obtener increíbles resultados en tu trabajo artístico, los procedimientos a seguir no son nada del otro mundo, ya que Photoshop nos brinda herramientas prácticas y efectivas para realizarlo, y qué mejor si tienes la guía de un profesional para asegurarte de que estás yendo por el camino correcto. No olvides que, de todos modos, debes practicar seguido para poder dominar este programa y convertirte en todo un experto.

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“Es difícil precisar cuándo me empezó a gustar el arte… Supongo que, en cierta medida, ese deseo de llevarlo en nuestras vidas está dentro de nosotros desde el inicio, y luego se convierte en una cuestión de no perderlo, o de redescubrirlo si lo hemos perdido”, piensa Clare. “Entendí que necesitaba que la creatividad formara parte de mi vida en mis 30’s. Esa creatividad ha tomado diferentes formas a lo largo de los años, pero sé que son la llave para ser lo que soy ahora.”

Clare empezó temprano con la fotografía: heredó la vieja cámara de su padre, una 120 film, que es una de aquellas que se usaban en los años 40. Tiempo después adquirió una pequeña Olympus Pen, pero fue recién en su etapa universitaria cuando se compró su primera SLR, para comenzar a tomarse realmente en serio este arte.

El mundo natural es lo que siempre le ha inspirado, ya sea en la fotografía o en la vida real. “Desde lo más pequeño hasta lo infinito, tenemos un increíble mundo rodeandonos”, comenta. Desde que se mudó al Ártico, mucho de su trabajo ha sido inspirado por los paisajes, los animales y la cultura de allí. “Este es un espacio increíblemente lleno de luz, así que es el lugar perfecto para ser fotógrafo”.

Aquello que considera más difícil en el campo de la fotografía son las sesiones de estudio: “Dirigir o hacer posar a alguien es todo un reto para mí. No considero que lo hago bien”, afirma.

La vida salvaje es lo que más le gusta fotografiar, en especial a las aves, pues se siente identificado con ellas: “Así no obtengas los resultados que quieras, la sensación de verlas vivir sus propias vidas e ignorar tu presencia es una excelente forma de pasar el tiempo”.

La mayoría de los equipos fotográficos con los que cuenta son de las marcas Canon y Sigma. Las cámaras que utiliza son dos: las Canon 5D Mark ll y Mark lll, y sus lentes son los Canon 100-400mm y 24-105mm, un Sigma 85mm f/1.4 y un 20mm Art, y un Tamron 150-600mm. También usa materiales de iluminación, los cuales son Einsteins y modificadores de la marca Paul C. Buff; y para hacer timelapses, hace poco ha adquirido todo un juego de equipos Syrp.

“El mejor consejo que, probablemente, puedo darle a alguien es que simplemente salga allá afuera y haga fotos. Disfrútalo, sé curioso, intenta cosas”, nos dice Clare. “Y desde un punto de vista de fotógrafo, recomiendo prestar atención a la luz, a sus colores, a sus sombras y a cómo se atenúa. No tengas miedo de ponerte retos a ti mismo”.

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A inicios de la década de 1980, Thorsten compró su primera cámara analógica, con la que salía a la calle a fotografiar cada cosa que aparecía frente a su lente. Fue así como, casi jugando, empezó a hacer arte. Fue recién en 1990, sin embargo, cuando asistió por primera vez a una exhibición fotográfica, que surgió en él un profundo interés por el arte, por el cual decidió que tenía que dedicarse profesionalmente a ello.

Thorsten se deja inspirar por todo aquello que ve en su día a día cuando sale a la calle para realizar su trabajo: la gente en su vida cotidiana, aquellos detalles que suelen pasar desapercibidos en cada acción o situación, como también, cada escena que genere contraste entre los diferentes elementos que la componen.

El hecho de hacer fotografía callejera, de por sí, significa un gran reto para él, pues realizar esto implica muchas veces retratar personas en la calle a las que no conoce: acercarse a ellas con su lente e incluso invadir, parcialmente, sus espacios para lograr las fotos deseadas. Sin embargo, el resultado final es algo totalmente fascinante para él, y es aquello que lo motiva a seguir haciéndolo siempre.

Si bien, la mayor parte de su trabajo es en blanco y negro, Thurston también captura geniales imágenes a color, que siguen el mismo estilo:

Para hacer sus trabajos, Thorsten Koch utiliza un lente zoom de 17-55mm f/2.8. Los lentes angulares son muy útiles para realizar fotografía callejera, pues además de darle dinamismo a las fotos, debido a las deformaciones del espacio obtenidas por el objetivo, exige también al fotógrafo a acercarse más a su escena a fotografiar, debido a la focal corta del lente.

“¡Sigue tu corazón y dile a todo el mundo lo bello que es el arte!” es lo que aconseja Thorsten a todos los que quieran ser profesionales en fotografía.

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Su primer contacto con la fotografía fue gracias a su mejor amiga: “Cuando nos conocimos, ella ya tenía una experiencia de dos años tomando fotos. Yo me sentí inspirada por su afición, por lo que comencé a hacer mis propias fotos también. Simplemente me encantó, y ahora ya no puedo imaginarme mi vida sin una cámara“, precisa.

Pese a que no se considera aún una artista, Daniela siempre trata de seguir lo que siente, buscando inspiración en aquello que la rodea, especialmente de elementos de la naturaleza. Muchas de sus ideas, también, nacen de observar el trabajo de sus fotógrafos favoritos, tales como Marta Bevacqua, quien es uno de sus principales referentes.

Para Daniela, cada proyecto es un reto, ya que no considera que haya encontrado su propio estilo aún: “La mayor parte del tiempo no me siento convencida por mis resultados finales, es bastante extraño tener esa sensación al terminar con mis trabajos. De todos modos, creo que lo más importante a la hora de fotografiar es ser yo misma y dar lo mejor de mí para mejorar mi técnica”, nos dice.

Lo suyo son los retratos, pues para ella, este es el tipo de fotografía más expresivo. “También me encantan los paisajes y la fotografía de viajes, pero no me considero tan buena para ello”, comenta.

Por ahora, ella utiliza una cámara Canon 6d y un lente Canon 50mm 1.4.

Para todo el que quiera seguir este fascinante arte, Daniela aconseja lo siguiente: “Sigue disparando, una y otra vez. Nunca pares, incluso si no sientes que has logrado hacer la fotografía que querías. La mayoría de veces tal vez tu trabajo no te satisfaga, pero debes seguir siempre tratando de hacer algo nuevo. Observa a tu alrededor y deja que ello te inspire”.

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El artista Manabu Ikeda, empezó a pintar esta obra hace aproximadamente 3 años y medio, a la que le dedicaba alrededor de 10 horas, 6 días a la semana. Su constancia y dedicación se ven reflejadas en este hermoso mural de 4×3 metros. En la escena se aprecia un árbol creciendo a pesar de la contaminación y olas de un tsunami que azotan sus raíces, mientras se recorre el gran cuadro también se pueden apreciar otras microhistorias que el espectador es libre de imaginar.

El mural completo está compuesta por cuatro cuadros, y a pesar de que estuvo revisando los avances para coincidir con las escenas, no es hasta el final que Manabu ve los cuadros juntos y se llena de una mezcla de emoción y satisfacción por el resultado, lo cual resulta muy conmovedor. 

ManabuIkeda

“Mi objetivo es expresar fielmente mi visión del mundo en mi composición, pero no representan intencionadamente imágenes detalladas.” indicó Ikeda al Museo de Arte de Chazen. ” Porque veo detalles cuando observo las cosas, en lugar de la totalidad, encuentro pluma y tinta para ser las mejores herramientas para expresar la forma en que los veo. “

ManabuIkeda

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Mira parte del proceso a continuación:

A través del siguiente enlace te presentamos a Krzysztof Domaradzki, quien utiliza sus ilustraciones para contar historias. 

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Daniel Romera Cala, es un prometedor artista colombiano de 24 años con el que tuvimos la oportunidad de comunicarnos y hacerle algunas preguntas sobre su trabajo y desempeño en el mundo del arte.

Daniel Romero Cala

Daniel Romero Cala

 Daniel Romero Cala

Desde pequeño tuvo la pasión que lo caracteriza por el arte y el diseño. A la edad de 17 años empezó a plasmar sus trabajos en la computadora, de esta manera comienza su historia.

Su inspiración más grande, y que ha estado desde siempre, son los cartoons que solía ver en la televisión. Es por eso que nacen sus intenciones y habilidades pro crear cosas que, para él, está inyectado en sus venas.

Daniel Romero Cala

Daniel Romero Cala

Las técnicas que utiliza en sus conceptos artísticos nacen en la base de un boceto. “Cuando siento que tengo algo de valor visual o potencial, ahí empiezo a detallar y a hacer el procedimiento típico de Clean Up, color, efectos, luz, sombras y voilá”.

Pese a que su especialidad son los cartoons, se basa mucho en los cartoons contemporáneos. “Me encantaría que las personas que buscan algo de cartoon de nuestra época, encuentra algo de mi trabajo allí”.

Daniel Romero Cala

Daniel Romero Cala

Siguiendo con el desarrollo de su trabajo, el tiempo que le toma realizar una ilustración depende mucho de sus ánimos (entusiasmo) y la claridad de la pieza que trabajará. Muchas veces puede tardar menos de una hora en crear algo, como puedo hacerlo en 4 horas.

Se podría decir, que lo que demora es hallar ese “appealing” que puede ser difuso encontrar. Como profesional, ha empezado desde hace 5 años (cuando tenía 19 años).

Daniel Romero Cala

Daniel Romero Cala

Los campos han sido muy variados: Desde ilustraciones para cuentos infantiles, creación de personajes y props (accesorios, merchandising, etc.) para series animadas, arte para videojuegos y mucho más.

Sus referentes artísticos abarcan una gran lista, sin embargo, resaltan entre ellos personajes como Genndy Tartakovsky, Craig McCracken, Nico Marlet, Dean Heezen, Jake Wyat, etc.

Daniel Romero Cala

 Daniel Romero Cala

Finalmente, Daniel culminó la entrevista con un mensaje a una futura y presente generación de artistas: “Sin duda, el mejor consejo que pueden recibir es: ¡Dibuja, dibuja mucho! Observa y continúa dibujando. No pares. Deja que fluya y disfrútalo”.

Puedes conocer mucho más del trabajo de Daniel Romero por medio de su página en Behance. Sin duda, mucho arte que ofrecerle al mundo.

Daniel Romero Cala

Daniel Romero Cala

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LifeStyleTrendencias

Todo empezó hace dos años, cuando ella estaba estudiando, “Era la última clase y no me se sentía muy bien, estaba muy aburrida y comencé a dibujar con chocolate derretido, después de varios intentos había creado el rostro de Jim Morrison” cuenta la singular artista.

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“Al principio a mi madre no le gustaba que trabajara con los alimentos, ya que ella siempre dice que con la comida no se juega. Antes de esto, yo solo utilizaba lápices y pinturas, pero todo cambio desde esa primera vez con el chocolate” dice Jolita.

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Por lo general hacer este tipo de cuadros le toma alrededor de dos a seis horas, dependiendo de lo grande que sea el tamaño de la pintura.

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Sus obras de arte son efímeras, antes que los alimentos perezcan, Jolita los dona al banco de alimentos u otras asociaciones.

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Vaitkute, después de trabajar como diseñadora en una agencia de publicidad, ahora se plantea además de continuar con su actividad creativa- ampliar sus estudios o trasladarse a vivir a otro país.

LifeStyleTrendencias

Los cuadros de Jolita son comestibles, bonitos y reivindicativos. En el siguiente enlace, te presentamos a un singular artista callejero que trasforma graffitis en hermosas frases motivadoras. El resultado es grandioso. 

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Rah-Bop confeccionó un traje de cuervo gigante inspirado en uno de los personajes del juego, Kenku. El impresionante traje hecho a mano fue elaborado para Anthrocon, la convención furry más grande del mundo, que tiene lugar en Pittsburgh, Pensilvania, cada julio.

Y por si no sabes qué es una convención furry, te ahorramos la búsqueda en Google: es un encuentro formal de los miembros del furry fandom (gente que tiene interés por la idea de personajes animales con características humanas).

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Según los organizadores, los personajes antropomorfos, en este caso, animales con rasgos humanos, han fascinado a distintas sociedades y culturas en todo el mundo y desde hace miles de años, siendo claros ejemplos, los dioses de civilizaciones antiguas.

Dangerousminds

Dangerousminds

 Kenku dibujado por Rah-bop

 Tumblr

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Luego de ver este increíble traje, no podríamos estar más de acuerdo respecto a la atracción que tienen muchas personas por este tipo de caracterizaciones y personajes. Si quieres saber más de este artista puedes visitar su blog personal y su cuenta de Tumblr.

Por nuestra parte, te mostramos algunas de sus ilustraciones para que te formes tú mismo una opinión sobre su trabajo. Rah-bop afirma ser fanático de los dragones y especialmente aficionado en dibujar dinosaurios, pájaros, peces y camarones.

Hillary Esdaile

Hillary Esdaile

 Hillary Esdaile

Hillary Esdaile

Hillary Esdaile

 Si te gustó la nota, no dudes en ver en el siguiente enlace el nuevo proyecto de la artista y fotógrafa, Anna Radchenk, que ha sorprendido al mundo de la moda con una increíble puesta en escena.

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Fuente: Instagram

Fuente: Instagram

Sí, es bastante loco, sin embargo, este artista del tatuado ha obtenido bastante fama por su estilo artístico. Es conocido como “Grindesign” y trabaja en Budapest – Hungría. El ocultismo y folclore escandinavo son parte de su técnica de dibujo en “blackword”, pues Borbás solo tatúa en blanco y negro, aunque en su cuenta de Instagram se han visto a penas un par de trabajos igual de geniales pero con un poco más de color.

Fuente: Instagram

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Fuente: Instagram

Antes de iniciarse en un mundo viralizado de tatuajes, solía ser diseñador gráfico e ilustrador para bandas de rock muy reconocidas como Metálica, Kreator, Killswitch Engage, aborted y muchas más. En el 2012 Róbert de encontraba realizando una exposición la cual había planeado para presentar parte de su nuevo trabajo, en ese entonces.

Fuente: Instagram

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Allí, conoció a Zsolt Sarkozy, otro artista del tatuaje, bastante conocido, dueño de Dark art Tattoo y uno de los pioneros en la sociedad del tatuaje en Hungría; quién además, quedó impactado con el trabajo de Borbás y lo invitó a incursionar en el mundo de los tatuadores formando parte de su equipo, pero tardó un poco en responder.

Al poco tiempo de pensar bien sobre la idea, accedió. Y de esta forma llegó a ser muy exitoso, pero su ruta no termina ahí. Hace un año logró abrir su propia tienda llamada “Rooklet Ink”, la cual está situada en la zona central de Budapest, en donde ha desarrollado una sola técnica de trabajo con sus clientes, pues solo utiliza negro y gris y prefiere los trabajos a gran escala; a excepción de algunos casos.

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Conoce un poco más del trabajo de este artista y comparte este post con las personas apasionadas a los tatuajes que conozcas.

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Una forma común de aprender sobre estos fantásticos seres es a través de las películas y libros, donde los dragones son criaturas increíbles y temperamentales que han sido perseguidas y temidas por los humanos durante años, hasta prácticamente extinguirlos. Pero, como sucedió con el sabio Draco, en la recordada cinta “Corazón de dragón”, dirigida por Rob Cohen; esta desventura no logra oscurecer sus nobles corazones.

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Fuente: Etsy 

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También pueden ser seres amigables, juguetones y tiernos como Chimuelo, en “Cómo entrenar a tu dragón”, filme nominado en 2011 al Óscar en la categoría de mejor película animada. O, más bien, son poderosos, ambiciosos y despiadados, como Smaug, de la novela “El hobbit“, de J. R. R. Tolkien, representado en su adaptación al cine por el actor, Benedict Cumberbatch, en “El Hobbit 2: La desolación de Smaug“, de Peter Jackson.

Y si hablamos de dragones, no podemos dejar de mencionar, al querido y torpe, Mushu, ese pequeño y leal dragón rojo, que acompañó a Mulan a salvar China. Lo cierto es que, últimamente, otro personaje que ha vuelto a despertar el deseo de conocer y, quizás, domesticar o tener una amistad con un dragón, es el de  Daenerys Targaryen, de la saga de novelas de fantasía “Canción de hielo y fuego”, escrita por George R. R. Martin, e interpretado por la carismática, Emilia Clarke, en Juego de Tronos.

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Fuente: Etsy 

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Sabemos que quieres decir, al igual que ella, “¿dónde están mis dragones?” Pues, eso le puedes preguntar a Aelia Petro, una artista gráfica de Ontario, Canadá. Ella trabaja en muchos tipos distintos de arte, desde dibujos hechos a lápiz en papel hasta diseños digitales y escultura, pero recientemente se ha decidido a crear joyería personalizada de aspecto fantástico, y con fantástico nos referimos a dragones.

Sí, montones de dragones para todos los gustos y colores. Puedes encontrar collares, brazaletes, anillos, horquillas, broches para el cabello, imanes… ¡todo con dragones! Cada pieza es única, esculpida y pintada a mano, hecha con arcilla polímera y se pueden comprar en Etsy. ¿La mejor parte? No hay 2 iguales y puedes hacer encargos personalizados del color que prefieras. ¿Te animarías a tener tu propio dragón?

Fuente: Etsy 

Fuente: Etsy 

Fuente: Etsy 

Fuente: Etsy 

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Johannes Stötter nos tiene acostumbrados a sus magníficas ilusiones ópticas que jamás dejan de sorprender, pero también nos muestra el detrás de su genial obra.  En este caso, uno es capaz de adivinar las posiciones de la primera y segunda modelo, pero debo reconocer que la tercera fue una sorpresa. ¿Descubriste el secreto detrás del lobo? Aquí te lo mostramos:

Y si aún no has escuchado sobre esta sensación de YouTube, te contamos un poco. Stötter nació en el Tirol del Sur (Italia). Si bien creció en una familia de músicos, desarrolló su habilidad por el arte de la pintura corporal. Y viene sorprendiendo con su gran dominio, ya que logra crear ilusiones ópticas que fácilmente engañan a cualquiera.

Fuente: Johannesstoetterart

En el 2009 se unió a la comunidad internacional de bodypainting o pintura corporal en el festival mundial realizado en Austria. A partir de ahí gana importantes premios, logrando ser reconocido como el campeón mundial de bodypainting en el 2012.

Sus obras tienen una gran influencia sobre temas con carácter espiritual y están relacionados con la naturaleza., creando composiciones fascinantes. Como su obra “El loro”, donde solo utiliza una modelo y comenta le tomó alrededor de un mes planificarlo y un aproximado de 4 horas pintar a la modelo.

Fuente: Johannesstoetterart

Fuente: Johannesstoetterart

Se hace famoso con su legendaria rana tropical, para ello participaron 5 modelos. A través de los años ha ido apareciendo en reconocidos periódicos, revistas, y revistas online como New York Post, The Times; y programas de televisión como CNN, BBC, TV Globo. Actualmente realiza trabajos y exhibiciones alrededor de todo el mundo.

Fuente: Johannesstoetterart

Sin duda su trabajo es increíble, en algunos casos puede demorar alrededor 4 a 6 horas solo en el pintado para convertir el cuerpo de modelos en un camaleón. Su trabajo se puede apreciar en su canal de Youtube, Facebook y en su página web oficial.

Fuente: Johannesstoetterart

 Fuente: Johannesstoetterart

Fascinante ¿cierto?. Te invitamos a ver el siguiente enlace a 10 artistas contemporáneos del body paint que sorprenden con su arte y que vienen sorprendiendo con esta maravillosa forma de expresión. 

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Su historia comienza en una emergencia con su esposa. Él y su familia viven en Bombay – India, su esposa estaba embarazada y tuvo un repentino dolor en el abdomen en la madrugada. Cuando Vijay salió a buscar ayuda de un taxi para poder llevar a su esposa al hospital más cercano, ninguno quiso detenerse y brindarle su servicio.

Fuente: Taxi Fabric

Por desgracia su esposa estaba teniendo un aborto involuntario. A raíz de ello, que significó el momento más difícil que tuvo que pasar Vijay, decidió dejar su trabajo de Ingeniero en el que ganaba 65 mil rupias (moneda usada en la India) para dedicarse a ser taxista y poder ayudar a las personas en emergencia totalmente gratis.

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Para Vijay fue suficiente pasar por aquel momento para darse cuenta de la cantidad de personas que han estado o estarían es su posición y la falta de ayuda por la que pasarían al igual que él. Por ello, Vijay es una de las personas más felices con su trabajo, pese a que actualmente solo gana 10 mil rupias, su trabajo y la ayuda que brinda es suficiente para vivir plenamente.

Fuente: Taxi Fabric

Según su testimonio, publicado en la cuenta de Facebook de Humans of Bombay, Vijay logró ayudar a un par de jóvenes que corrían a altas horas de la madrugada bastante agitados intentando parar un taxi. Cuando Vijay les ofreció su servicio se dio cuenta que llevaban con ellos a una mujer que tenía la mayor parte de su cuerpo con graves quemaduras.

Sin dudarlo, Vijay se dirigió rápidamente al hospital más cercano. Luego de ello intentó comunicarse con la mujer a la que ayudó y por su bien logró sobrevivir. Ese tipo de experiencias son las que mantienen la vitalidad y ganas de seguir ayudando a Vijay. Es realmente conmovedor y una gran fuente de reflexión para otras personas. Para Vijay, estos momentos son los que le da la verdadera felicidad, poder ayudar a otros.

Y eso es lo que le inculca a su querida hija Khushi, de quien Vijay está muy orgulloso y a quien considera su gran inspiración. Vijay trabaja como taxista y siempre ofrece su servicio de emergencia gratis a todos los que se suben a su taxi. Es por ello que la artista Poorva Shingre decidió darle un poco de vida al auto del señor Vijay, al cual denominó “La ambulancia de Khushi” en honor a su amada hija.

Poorva diseñó un lienzo, es decir, una tela con una serie de ilustraciones en visión y con inspiración a la historia del señor Vijay. Esta tela significó una muestra de agradecimiento a Vijay por la grandiosa acción que realiza. “Estas ilustraciones hablan de su amor y determinación para ayudar a otros en casos de emergencias”, dice Poorva.

Fuente: Taxi Fabric

A Poorva le preocupaba que su diseño hiciera justicia con la historia del señor Jivay, y realmente lo hizo. Cada diseño es el reflejo de todas las acciones de humanidad que ha realizado. Como artista, ella decidió compartir parte de esta aventura en su cuenta de Instagram.

Conoce como quedó el auto del señor Vijay, o mejor dicho “La ambulancia de Khushi“

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Pero además de tener en cuenta los enfoques y demás propiedades para una buena fotografía, el contexto y el diseño de estas es muy importante, y esta es la prioridad que tiene Ludovic Baron al tomar una.

Fuente:  Ludovic Baron

En esta oportunidad lo hace por medio de su muestra Tableaux, en la cual realizó sus propias creaciones con la misma paciencia que una pintura del renacimiento. Con un ambiente encantador, composiciones precisas, un hermoso trabajo sobre la luz, y contextos fuera de la realidad cotidiana (como una película), las fotografías de esta serie dan la impresión como si cada una contara una historia, fascinante y surrealista a la vez.

Fuente:  Ludovic Baron

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Y todo esto gracias a la gran carrera que tiene este joven artista que desde los 16 años vienen trabajando no solo pinturas o fotografías, sino también en el ámbito cinematográfico, método por el cual profundiza sus trabajos en la actualidad.

Fuente:  Ludovic Baron

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Además es autor de distintos carteles promocionales de algunos programas estrella como The Best, Supernanny, Original House, I have to dance, entre otros.

Fuente:  Ludovic Baron

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Cabe decir que desde el 2013 al 2016, numerosas exposiciones de sus obras se llevaron a cabo en los más bellos ataúdes de la capital, como el Petit Palais o Palacio Brongniart. Su desarrollo también supera las fronteras francesas, ya que también expone en el Hotel de París en Mónaco o en la prestigiosa Galería Esparta en Los Ángeles.

Fuente:  Ludovic Baron

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Ludovic Baron no solo es el favorito de la prensa, sino de todo el entorno glamoroso que existe a nivel mundial, pues se ha convertido, con el tiempo, en uno de los artistas más prometedores de su generación.

Fuente:  Ludovic Baron

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Así que atención fans de Disney, que les mostraremos el fan art de sus sueños. Dada es una artista fanática de las historias de Disney y de las creaciones del renombrado director y productor japonés, Hayao Miyazaki. Su afición por estos dibujos la ha llevado a crear increíbles retratos en los que combina los rostros de personajes de las películas más conocidas de esta famosa compañía de dibujos animados.

1. Blanca Nieves y la reina malvada 

“Me encanta dibujar todo tipo de cosas con cualquier medio posible. El arte puede comunicar sin palabras, es una plataforma donde filtro mis emociones, y crear me produce pasión”, sostiene Dada, quien con ayuda de algunos lápices de colores, crea estos geniales dibujos, que publica a menudo en su cuenta de Instagram.

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La talentosa joven ha bautizado la serie como “Oh My Disney”, en esta colección reúne en una misma ilustración el rostro de un héroe (o protagonista) y su villano respectivo, fusionándolos. Pero, antes de embarcarse en un dibujo, Dada hace algunas investigaciones sobre el personaje, sin embargo, al final decide tomar libertades creativas.

2. Mulan y Yan – Shu 

3. Rapunzel y Gothel 

“Creo que no tengo por qué, necesariamente, utilizar los mismos colores o los rasgos exactos que tienen los personajes originales. Solo los veo para inspirarme y como una referencia, ya que soy una persona muy visual. Una vez que he decidido lo que quiero hacer, hago un boceto a lápiz. Cuando estoy satisfecho con lo que hice, recién busco la gama de colores que podría usar. Después de esto, comienzo a pintarlos”. 

La técnica que emplea en sus dibujos es el mash-up y, por lo general, comienza con los ojos, ya que siente que trae, inmediatamente, el personaje a la vida. Luego procede con la piel, la boca y el cabello, etc. Una vez que el dibujo está terminado, al día siguiente se vuelve a fijar para ver si hay algo que quiere añadir o modificar. Finalmente, utiliza un spray de acabado para proteger su obra de manchas o decoloración.

4. Cenicienta y la malvada madrastra 

5. Ariel y Vanesa 

6. Gaston y el príncipe 

Dada acumula más de 43 mil seguidores, pero cabe mencionar el proyecto no comenzó con mashups entre héroes y villanos. Comenzó cuando Dada dibujó un mashup de Anna-Elsa por diversión. “Comencé a hacer los mashups por Frozen. Pensé que sería divertido y desafiante dibujar a las dos hermanas como una sola persona. Después de eso, quise dibujar a algunos de los personajes con sus homólogos de animales”. 

Si te gustaría dibujar como Dada, echa un vistazo a su cuenta de Instagram, allí podrás encontrar videos de su proceso, que puede durar hasta cerca de 12 horas cada dibujo. Mientras pones a prueba tus habilidades artísticas, sigue apreciando estas hermosas obras.

7.  Ana y Elsa 

8. Simba y Scars 

9. Mogli y Bagheera 

10. Jazmin y Rajah 

11. Bella y la Bestia 

12. Tarzán y Kerchak 

13. Mononoke y Hime 

14. Haku y el dragón de Chihiro 

15. Sakura y Eva 2 

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Pues esto es algo muy normal en la vida de Christoph Niemann, un excelente y magnífico ilustrador que crea dibujos únicos acompañándolos con objetos que encuentra en casa.

Christoph Niemann, nacido Alemania Occidental, es un ilustrador, diseñador gráfico y autor de varios libros (la mayoría de estos libros son para niños). Estudió en Alemania toda su vida, hasta que después empezó a recibir ofertas de trabajo en el extranjero y por consiguiente se trasladó a la ciudad de Nueva York en 1997.

Su trabajo es simplemente maravilloso, tanto que ha acaparado las portadas de diarios como The New Yorker , Atlantic Monthly, The New York Times y American Illustration, y ha ganado premios de AIGA , el Club de Directores de Arte y la Ilustración americana. Niemann es un miembro de la Alianza Gráfica Internacional. Ha sido ponente en Diseño Indaba Conferencia dos veces, en 2006 y 2013.

Pero retomando a su labor como ilustrador, es capaz de crear dibujos únicos acompañándolos con objetos cotidianos. En esta muestra llamada “Sunday Sketches” (Apuntes de domingo), él se sienta y crea ilustraciones con tendencia minimalista. Estos trabajos además de ser expuestos en el espacio que las distintas revistas y diarios le brindan, los publica a través de su cuenta de Instagram y Tumblr. En cada una de sus ilustraciones refleja experimentos visuales basados en los diferentes objetos que encuentra a la vez.

“Trato de que los objetos que acompañan mis dibujos me dicten que es lo que debo hacer o hacia donde ir. Es así que soy capaz de coger un objeto al azar, ponerlo sobre mi escritorio y luego simplemente comenzar a mirarlo, esperando a que solo surjan las ideas y empezar a realizar los cambios debidos a las ilustraciones por medio de los clics. A la vez, trato de enfrentarme a las imágenes que surjan sin ningún plan en relación con el resultado final. Estoy en busca de un ángulo inusual que conduce a una conexión visual que además de sorprender a mi espectador, me ayuda trazarme mayores objetivos con mis gráficos.”

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Nevess , conocido en el ámbito como Nevessart, es un joven de 18 años que vive en París y practica la doble exposición digital. Es amante del arte y el dibujo desde hace muchos años. En la actualidad se dedica a los trabajos digitales en fotografía para  mejorar no solo en términos de conocimiento, sino también de trabajo.

Su afición por estos tipos de trabajos le toman desde 3 a 4 horas para armar variadas creaciones en doble exposición. “Me encanta la creación de piezas de arte únicas, con muchos detalles para que estos sean únicos. A la vez también trato de variar cada fotografía tanto como sea posible (con la naturaleza, ciudad, paisajes, etc …) y dedicarle mucho tiempo a los detalles de estos para obtener mejores resultados.”

Y es que los trabajos de este joven artista no solo tientan a los usuarios a quedarse mirando, sino también a cuestionar su estilo y seguirlo de alguna forma, ya que la regla de Alexis es que no debe hacer o diseñar como otros, sino siempre proponerse a hacer algo diferente, hacer algo que nadie ha visto.  

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El artista Jaime Molina, conocido como Cuttyup, de origen francés,  trabaja en dimensiones y formatos de 2, 2.5 y 3 lo que se traduce en una peculiar estética desde pinturas a gran escala hasta esculturas, así como en la fabricación de piezas que pueden ser colocadas en lugares intermedios de estos trabajos.

En esta serie de esculturas en particular, Molina se ha centrado en las cabezas de madera con barba, utilizando clavos para formar el pelo de cada uno de sus temas. A pesar de que estos clavos fueron colocados al azar y con tamaños alternos, le brindan a las esculturas un aspecto uniforme, ampliando dimensiones de las cabezas masculinas formadas a partir de madera recortada.

Algunas de las obras se muestran abiertas para mostrar un cráneo central en donde se encuentra otras esculturas intrínsecas que, al parecer, dan la apariencia de como la imaginación (de forma materializada) se encuentra en la mente del ser humano. 

Además de estos trabajos, Jaime realiza trabajo sobre murales, pinturas entre otro tipos de materiales que pueden ser vistos en su Instagram  y en su página web.

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