Qué son las técnicas de dibujo 

Las técnicas de dibujo son consideradas herramientas esenciales para empezar a dibujar. Con el tiempo, se han desarrollado varias técnicas que se basan en el manejo de diversos materiales, tales como: el carboncillo, lápiz, grafito, bolígrafo, óleos, entre otros. Sin embargo, no solo se caracterizan por el tipo de material usado. También pueden diferenciarse por el estilo y el lienzo empleado. 

Aprender a manejar estas técnicas de dibujo te ayudará a conseguir buenos resultados a la hora de dibujar. Ya que, son útiles para saber cómo plasmar los trazos y las líneas que conforman un dibujo. Solo necesitas practicarlas continuamente para volverte todo un experto. 

Cuáles son las técnicas del dibujo

Las técnicas de dibujo son muy diversas. Cada una de ellas experimenta con distintos materiales y superficies. Por eso, no todas pueden aplicarse en un mismo dibujo. Sin embargo, todas expandirán tus posibilidades de crear increíbles obras. A continuación, las técnicas de dibujo más usadas: 

Dibujo a lápiz, una de las técnicas de dibujo ideal para principiantes

Esta técnica es aplicada en dos etapas. En la primera, se dibujan las líneas guías o figuras básicas que formarán el esqueleto del dibujo. En la segunda, se realiza el sombreado del esquema del dibujo realizado inicialmente. 

Para llevar a cabo el dibujo a lápiz, existen distintas graduaciones de lápices. Estas volverán el trazo más o menos duro, influyendo directamente en el sombreado. De allí que, en algunos elementos, el sombreado otorgue mayor profundidad.  

Los sombreados se pueden realizar a través de un zigzagueo abierto con el lápiz, realizando líneas paralelas o líneas dispares. Otras formas de sombreado, casi nunca usadas, se realizan con el circulismo y el suavizado. Estas maneras de hacer sombras consisten en pasar un papel o una tela sobre el grafito del dibujo. El efecto de ambas le brindará otra apariencia a tus dibujos.

Conocer sobre los lápices especiales para dibujo también te ayudará a llevar a cabo, de manera profesional, la técnica de dibujo a lápiz. Los de formato estándar se utilizan a menudo para dibujar. Debido a que, estos vienen en una variedad de estilos y tamaños; y contienen minas blandas o duras. Cuanto menor sea el número del lápiz, más suave será la mina. Cabe señalar que las blandas son utilizadas para añadir matices y tonos, mientras que las más duras se utilizan para trazar los contornos.

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Recordemos que el fenómeno del cosplay procede de la expresión costume play, que puede traducirse como “juego de disfraz”. Siendo una de las principales atracciones en las convenciones de cómics. Puede considerarse como una subcultura, pues sus integrantes buscan encarnar algún personaje a través de su vestimenta e incluso interpretando un rol. Descubramos por qué al mirar sus obras es tan difícil creer que todas sean la misma persona.

Sus inicios sobre sus prácticas en el mundo del cosplay

Sus prácticas en el mundo del cosplay sucedió hace 8 años. Ella era una gran fanática del mundo del anime, y uno de sus amigos la llevó a un festival de animación japonesa en Rusia. En dicho evento conoció a muchos intérpretes cosplayers quedándose absolutamente sorprendida. Fue así como se dio cuenta que era lo que quería hacer, desempeñándose en el rubro de una manera bastante eficiente.

Su opinión sobre el desarrollo de las escenas de cosplay en su país natal

La artista considera que en Rusia los cosplayers y las personas aman juzgarse demasiado entre sí. Pues, si eliges un personaje que no te conviene, es posible que no obtengas aceptación del público. Es por eso, que recomienda siempre fabricar los disfraces lo mejor posible, y esforzarse mucho para que la gente no critique. Porque, en definitiva, deben crear excelentes escenas de cosplay.

Comentarios sobre su primer personaje cosplayer

La famosa cosplayer cuenta que al principio no sabía coser, y no tenía idea de dónde conseguir los accesorios necesarios para el personaje. Por eso, sus primeros “cosplays” eran sencillos sobre personajes animes como Rukia de Bleach y Belphegor de Reborn. Siendo oficialmente su primer personaje cosplayer el ‘Joker del manga Kuroshitsuji’. Este último personaje le encantaba tanto que realmente no le importaba que fuera un hombre adulto, siendo ella una niña de 14 años.

Uno de sus mejores cosplay fue del personaje Junkrat, un héroe de Overwatch

Overwatch es un videojuego de disparos en primera persona multijugador, desarrollado por Blizzard Entertainment. Junkrat es uno de los héroes de Overwatch, el cual se ha convertido en uno de sus mejores cosplays que ha podido elaborar la artista. Se pasó dos meses fabricándolo, que al final se sintió muy orgullosa de sí misma por lograrlo. Sin duda, fue uno de los disfraces más difíciles que pudo utilizar por los cargamentos del personaje. Sin embargo, tiene en cuenta que todavía le falta mucho por aprender. 

Lo divertido de interpretar a Yennefer de The Witcher

The Witcher, es un videojuego de rol para PC desarrollado por CD Projekt RED STUDIO y distribuido por el mismo en Polonia y Atari en el resto del mundo. Uno de los personajes principales del game es Yennefer de Vengerberg, quien es una hechicera de 194 años, aunque aparenta unos 25. La maquilladora profesional quien pide que se le llame ‘Angélica’ interpretó a dicha figura del videojuego caracterizando cada facción corporal. 

Creación del cosplay de Kagura Karatachi

Kaguro Karatachi, es un personaje secundario de la historieta Japonea Naruto. Fue uno de los personajes que pensó realizar después de Junkrat. Los animes son su inspiración, la hacen feliz cuando se siente triste. Reflexiona que al ver todos sus episodios favoritos de manga todo mejora.

Surgimiento de la elaboración de sus vestimentas animes

Ella se inspira de cualquier personaje que le llame la atención en videojuegos, películas de estreno, historietas manga o de anime, largometrajes de Disney, entre otros. Es solo segundos, mientras lo mira, ya está pensando qué tela o peluca comprar para elaborarlos. La musa de elaboración de sus vestimentas  es el mundo cinematográfico.

Si quieres seguir conociendo los diferentes personajes que ha interpretado esta talentosa reina del cosplay, síguela en su cuenta oficial de Instagram y Facebook. 

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“Belleza, erotismo y lujosos accesorios nos presentan las fotografías de Inge Prader” 

Inge Prader, fotógrafa Austriaca, quiso recrear las pinturas de Gustav Klimt; su compatriota, usando modelos reales a través de sus fotografías. Esto debido a que la estética de tipo ‘Art Nouveau’ basada en líneas curvas, con influencia en el diseño y la arquitectura, le parecía muy inspiradora.

Prader no fue la única que se sintió inspirada por estas pinturas, pues también muchos  artistas y arquitectos se sintieron motivados a realizar nuevos proyectos gracias a estas pinturas. Tal es el caso del ‘Gaudi de Barcelona’, quien, gracias a la sensación que estas pinturas le generó, decidió crear obras ornamentadas y ricas que reflejaban el optimismo de la época.

‘Beethoven Frieze’

Las escenas de estas fotografías, están basadas en la ‘Fase Dorada’ de Klimt de 1899 al 1910. Las fotografías nos demuestran el arduo trabajo que tuvo que realizar; tanto Prader como su equipo de producción. Empezando por aguantar tantas horas de trabajo seguidas, la preparación de vestuario, utilería, maquillaje.

Además; en algunas de las fotografías se puede observar que ha habido también, un trabajo de caracterización a través de prótesis. Por otro lado, se rescata el trabajo de dirección y la interpretación de los modelos ya que los resultados son increíbles y se asemejan bastante a las pinturas originales.

‘Death And Life’

Por otro lado, podemos ver cómo  entre: tonos dorados, escenas ocasionalmente eróticas, desnudos, cuerpos entrelazados, y rodeados de ornamentos de oro; los lujos, la belleza y el erotismo salen a flote un poco por encima de las pinturas originales que presentan una ‘decadencia cálida’.

Las fotografías fueron tomadas para Life Ball. Un evento realizado en Vienna con el fin de recaudar fondos para ayudar a combatir el SIDA / VIH.

“Belleza, erotismo y lujosos accesorios nos presentan las fotografïas de Inge Prader”

‘Danae’

‘Beethoven Frieze’

‘Medicine’

 Conoce el trabajo de ilustradores de alrededor del mundo en lo siguientes artículos:

• El mosaico en su máximo esplendor: Ilustraciones de Charis Tsevis
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‘Beethoven Frieza’

‘Mars & Sacrani’

‘Poetry & Genius’

‘Beethoven Frieze’

‘King Midas’

‘Flora y Pan’

‘Beethoven Frieze’

‘The Golden Fleece’

‘Beethoven Frieze’

Imágenes: Bored Panda

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La dirección de fotografía no es un trabajo que se toma a la ligera, pues el director de fotografía debe ser capaz de crear toda una secuencia de escenas, y ver las locaciones, la iluminación, el encuadre, la composición, entre otros que ayudarán a inmortalizar el momento.

Además, ellos son los encargados de trabajar junto al director, pues debido a ellos, le pueden crear escenas que resalten la historia o el guion de la película. Por ello, te mostraremos a los 10 mejores directores de fotografía del cine actual.

Emmanuel Lubezki

Emmanuel Lubezki es director de fotografía mexicano y ha ganado el Óscar gracias a sus últimas películas: The Revenant, Birdman y Gravity. Es uno de los profesionales más destacados en esta área del cine, mostrando sus capacidades para crear nuevos escenarios. Además, ha recibido el premio Ariel en varias ocasiones por películas como Como agua para chocolate, Miroslava y Ámbar.

Fuente:Alchetron

Gravity

Robert Richardson

Robert Richardson es director de fotografía estadounidense, que ha trabajado junto a Quentin Tarantino y Martin Scorsese. Él es uno de los colaboradores más habituales de estos directores de cine, y por su buen desempeño, fue ganador de tres premios Óscar por películas como El aviador, JKF y Hugo.

Captura de YouTube

El aviador

Vittorio Storaro

Storaro es uno de los más destacados directores de fotografía del cine moderno. Debido a su buen desempeño, ha recibido tres premios Óscar por películas como Apocalyse Now, Rojos y El Último Emperador. En 1990, recibió su cuarta nominación por su trabajo en la película Dick Tracy.

Fuente: Asia Image

Apocalyse Now

Hoyte van Hoytema

Hoyte van Hoytema es un director de fotografía sueco, que ha trabajado en películas de Alemania, Noruega, Estados Unidos y el Reino Unido. Uno de las películas donde hizo gala de sus habilidades artísticas fue Interstelllar, donde muestra sus capacidades para grabar gran número de tomas siguiendo una secuencia.

También es conocido por ser el director de fotografía de Her, una película que más allá de su historia, lo que atrae son los escenarios, pues parecen usar colores de los entornos para crear buenas tomas.

Fuente: Vimeo

Her

Roger Deankins

Roger Deankisn es un reconocido director de fotografía británico. Ha sido 12 veces nominado al Óscar, pero no ha tenido ningún premio por parte de la Academia. Sin embargo, ha tenido un impecable trabajo en otras películas como Fargo, Kundun, O Brother,Were art thou? y el Hombre que nunca estuvo allí. Es conocido por trabajar junto a los hermanos Coen y Sam Mendes. Sólo ha ganado el premio BAFTA en tres ocasiones.

Fuente: Paris Review

O Brother,Were art thou?

Muchos directores creativos han mostrado que la creatividad puede ayudar a tener mejores cosas en el mundo. Para conocer más sobre qué cosas han realizado estos talentosos directores, puedes revisar los siguientes artículos:

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Janusz Kaminski

Janusz Kamins es un director de fotografía polaco que ha trabajado en las películas del director Steven Spielberg. Ha ganado un Óscar gracia a su impecable trabajo en Salvar al Soldado Ryan, y la obra maestra de Spielberg, El puente de los espías. También es director de cine.

Fuente: Kustendorf Film and Music Festival

Salvar al Soldado Ryan

Wally Pfister

Director de fotografía estadounidense que ganó un Óscar en el 2011 por su brillante trabajo en Inception. Ha trabajado junto al director Christopher Nolan en películas como Memento, Insomnia, Batman Begins, The Prestige, The Dark Knight y The Dark Knight Rises.

Fuente: Film Marketing

Batman

Gordon Willis

Fue un destacado director de fotografía estadounidense que pertenecía a la casa American Society of Cinematographers. Fue conocido por tener colaboraciones con los directores de cine como Woody Allen en Manhanttan, Zelig, La rosa púrpura del Cairo; y Francis Ford Coppola con su aclamada película El Padrino.

Fue nominado a 2 premios de la Academia, pero no ganó ninguno. En el 2009, recibió un Óscar honorífico por el excelente trabajo cinematográfico.

Fuente: Craft Truck

El Padrino

Larry Fong

Larry Fong es un reconocido director de fotografía que trabajó en películas del director de cine Zack Snyder como 300, Watchmen, Sucker Punch y Batman vs Superman: Dawn of Justice. Se ganó gran reconocimiento gracias a la cinta 300, que dejó asombrados a muchos por su creación artística. Sus técnicas se unieron a las de los efectos especiales, dando así una imagen única.

Fuente: British Cinematographer

300

Newton Thomas Sigel

Este director de fotografía estadounidense es conocido por trabajar en películas junto al director Bryan Singer en cintas como The Usual Suspects, Valkyrie, y la saga de X-Men. Gracias a “The Usual Suspects” se destacó más su participación y trabajo como director de fotografía. Esta cinta estaba cargada de luces y sombras.

Fuente: Alchetron

The Usual Suspects

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 El ilustrador y artista digital; Charis Tsevis, estudió publicidad y diseño en Milán y Atenas. Actualmente trabaja con clientes potenciales como Pepsi, Nike, Toyota, Ikea, Time, The Wall Street Journal, entre otros.

Además, contribuye a ‘prominentes publicaciones’ con artículos sobre ‘Teoría del diseño’, ‘Estética’ y ‘Ciber Cultural’.  Tsevis ha sido galardonado por sus ilustraciones en EPICA, NPSA y ED-Awards en los Estados Unidos. Esto es gracias a la dedicación y creatividad que emana de sus trabajos.

El artista digital recuerda que desde siempre le ha encantado el mundo del arte, pues desde muy niño le gustaba pintar y dibujar. Este pasatiempo nunca se detuvo; al contrario, se volvió una profesión.

Tsevis comenta que su mayor fuente de inspiración es la naturaleza y sobre todo, la humanidad. Le gusta ver cómo los seres humanos interactuamos con nuestro mundo. Por otro lado, considera que en realidad ‘todo’ puede servir de inspiración ya que como él afirma: “La belleza e interés, uno lo puede encontrar en cualquier rincón de este mundo”.

Por su parte, Charis cree que en cuanto al arte respecta; el término ‘estilo’ no es el más adecuado, sino más bien ‘formas de arte’. Sus formas de arte se basan en; la complejidad visual y en su relación con la simplicidad, a través de la técnica del mosaico. Es por ello que le gusta construir composiciones de diversos elementos. Esta pasión la ha mantenido ya durante 20 años y ésta se hace cada vez más fuerte.

Su principal referencia es el movimiento futurista de principios del siglo XX. “No sólo por el aspecto artístico y el lenguaje visual que querían expresar el movimiento, la energía, el ruido y el progreso”, señala Tsevis.

Así mismo; “Al igual que los futuristas, veo que la belleza de las  máquinas está al mismo nivel que otros temas de arte”, agrega el ilustrador.

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A pesar de su talento y conocimientos, Tsevis no deja de seguir aprendiendo. Ha pasado muchos años estudiando la Ciber Cultura y la historia de la computación. Esto debido a que su principal trasfondo es el arte informático.

Considera que el Arte es la actividad más agradable y pacífica que ha podido hacer y ésta lo hace sumamente feliz.

Charis aconseja a todos aquellos a los que les gusta el arte: “Ama lo que haces y respeta lo que amas”. Él cree que amar el arte es suficiente para que puedas dedicarte a ello.

A continuación, algunas otras ilustraciones de Charis Tsevis.

 Si quieres ver más del artista, entra a este link.

Imágenes: Behance

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 El ilustrador Inglés; Mattias Adolfsson, luego de trabajar durante muchos años en la Industria de los juegos para computadora; decide retirarse para seguir su vida profesional a través de su vocación: el dibujo.

Aunque el ilustrador asegura que trabajar como artista independiente; no es del todo perfecto, ya que uno no puede vivir del amor por el arte. Una de las principales desventajas es que tienes que estar esperando constantemente que las comisiones lleguen. Sin embargo, cuando esta metodología de trabajo funciona, es genial.

Adolfsson comenta que el arte tradicional nunca fue su mayor interés. Él se la pasaba dibujando y nunca renunció a ello con el paso de los años. Considera que su gran amor es el dibujo y la ilustración.

Por otro lado; la música, sus viajes, los libros y películas siempre han sido sus fuentes de inspiración. Así también señala que es en los momentos de relajación en los que su talento e ideas fluyen mejor.

Aunque no está seguro de saber si hay algo que defina exactamente su estilo; lo suyo son los trazos simples y los colores acuarelados.

El trabajo del detalle en sus ilustraciones es simplemente maravilloso. El armonioso ‘caos’ que se puede observar en sus trabajos nos demuestra la constancia, paciencia, creatividad y perseverancia que Mattias le dedica a cada ilustración que realiza.

Ha trabajado para el New York Times, ha realizado las ilustraciones para un videoclip musical animado, así también ha trabajado para empresas de accesorios para bebés, realizando  dibujos para manteles de bebé. Fue contratado también para hacer una ilustración que sería puesta en un rompecabezas y demás.

Mattias comenta que le fascina trabajar en escenas muy ‘ocupadas’ (llenas de detalle), ya que al inicio él no tiene un gran plan establecido, simplemente deja fluir su creatividad mientras va dibujando. El resultado final, siempre termina siendo increíble. Muestra de ello es uno de sus últimos trabajos; el cual, se basa en su espacio de trabajo pero con cierto toque de fantasía.

Su consejo para aquellos a los que les guste el arte es simplemente que nunca dejen de esforzarse por completo. “Muchos artistas probablemente nacen con el talento, pero hay otros artistas a los que nos cuesta años de duro trabajo para poder ser considerados buenos artistas”, señala Adolfsson.

“La perfección a través del detalle, el juego de sombras y colores acuarelados es lo que nos ofrecen las ilustraciones de Mattias Adolfsson”

Conoce las ilustraciones en su esplendor máximo en los siguientes artículos:

• Trazos delicados y colores vibrantes en las ilustraciones de Tavo Montañez
• Trazos, movimiento y sensaciones en el arte de Ana De Sena
• Arte en tonos pastel y trazos delicados: Ilustraciones de David Pavon

A continuación, te presentamos algunas otras ilustraciones de Mattias Adolfsson.

Si quieres ver más del artista, entra a este link.

Imágenes: Behance

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 El ilustrador y artista digital, Cihan Engin, desarrolló su interés por el dibujo clásico, la pintura y el arte en general desde que era muy niño. Sus primeros pasos como artista los dio dibujando personajes de Walt Disney como Duck Donald y los Caza Fantasmas.

Uno de sus más grandes referentes fue su padre, quien como el artista asegura: “Tenía mucho talento y un buen sentido de la perspectiva”. Ello motivó al ilustrador a tratar de seguir sus pasos y sumergirse en el arte. Tras descubrir un libro sobre Miguel Ángel, quedó tan fascinado con el arte que optó por recibir educación artística profesional.

Sus dos grandes inspiraciones son la mitología y la arquitectura. Eso es lo que podemos ver reflejado de manera óptima a través de sus ilustraciones. Una de las características más interesantes de Cihan es que él aprovecha; a través de su trabajo, el entorno contemporáneo e histórico de su país; Turquía, pero desde una perspectiva futurista.

“Después de terminar mis estudios académicos en arte, decidí dejar la pintura clásica con el pincel y abrazar el arte digital con una tableta gráfica, convirtiendo mi computadora en un lienzo”, comenta Cihan.

Su gran referente es Rembrandt Harmenszoon quien gracias a su juego de iluminación y sombras, plasmado en sus pinturas, influye mucho en el estilo de Engin.

En cuanto a su experiencia como artista, Luego de graduarse de la facultad de Bellas Artes, comenzó a trabajar en una agencia de gráficos como Director de Arte durante dos años. Después, empezó su taller enseñando a estudiantes de arte mientras él seguía trabajando en sus proyectos. Tiempo después, empezó a trabajar diseñando gráficos para una empresa de juegos móviles para IOS y Android. Es ahí donde trabaja por cinco años y sus ilustraciones empiezan a ganar reconocimiento a nivel nacional. Participó en numerosas exposiciones, mixtas e individuales.

Se le otorgó un premio a la exposición nacional por un trabajo temático sobre el calentamiento global y el cambio climático. Actualmente trabaja como freelancer en su propio espacio, en donde ha podido desarrollar nuevas habilidades como: pintura digital y efectos especiales de video en After Effects.

Para Cihan es esencial que quienes estén interesados en seguir este camino como artistas, reciban la educación requerida. Por otro lado, recomienda que se debe estar dispuesto a probar nuevos estilos. Pero sobre todo, lo más importante, según Engin es: Saber de dónde venimos y conocer nuestras raíces culturales ya que para él, muchas veces los artistas sacan la mejor inspiración de los lugares a los que pertenecen.

Cihan Engin; artista digital, nos enseña que podemos aprovechar nuestro entorno como fuente de inspiración para crear un universo de arte y fantasía como el que él nos muestra a través de sus ilustraciones.

Si quieres ver más de Cihan Engin, puedes entrar a este link.

Imágenes: Behance

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Amr Adel dice que no podría recordar un momento exacto en que nació su interés por el arte, siempre estuvo ahí. “Mi padre era un artista también y yo lo observaba todos los días mientras pintaba, sentí que tenía que ser un artista también porque es grandioso crear cosas”, dice. “Intentaba copiarlo todos días”.

Ilustraciones de Amr Adel

Para Adel, las canciones son una gran fuente de inspiración.

Asimismo, Amr Adel considera que su trabajo se define como “ilustraciones digitales sólidas”. Su estilo está marcado por el uso de colores pastel y escenarios surrealistas. Además, en ocasiones, opta por diseños minimalistas en que no usa líneas para separar, simplemente colores.

“No tengo personas específicas como referentes”, dice. “Aprendo de todos”. Además, dice que, como artista, su mente siempre está activa, pensando en cada cosa, contemplando y viendo todo a sus alrededor. Hace esto, le permite ver todo de diferente manera.

Como ilustrador y artista conceptual, Amr Adel ha trabajado diseñando portadas de álbumes musicales para Chrysés, Daydreams, Mind y otros. Así como en creación y desarrollo de personajes. Actualmente, trabaja como freelance.

Por último, Amr Adel recomienda a quienes anhelan incursionar en el arte es: “No dejes de creer en ti mismo”. Además, agrega que es importante trabajar en uno mismo hasta la muerte, que la edad ni el estado anímico son excusas. “El arte viene del amor y el dolor”, dice.

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El escultor puede modelar en barro, tallar en piedra, madera u otros materiales para crear volúmenes, los cuales serán exhibidos en un espacio; público o privado.

La finalidad de una escultura puede variar, ya que ésta; al igual que las otras ramas del arte, se desarrolla primordialmente bajo la subjetividad del artista. Algunas obras poseen un trasfondo más filosófico, psicológico y/o emocional, mientras que otras obras son hechas en homenaje a personajes y/o sucesos históricos.

Belleza, historia y perfección a través de una de las bellas artes, la escultura…

Las  mejores esculturas y escultores del mundo

Escultores

1. Bruno Walpoth – Soledad

Reconocido escultor italiano. Realiza sus esculturas tallando en madera bajo la influencia del: ‘Gótico Tardío’ y el ‘Renacimiento temprano’.

Fue aprendiz del escultor Vincenzo Mussner – Ortisei. Posteriormente fue profesor de escultura en la academia “Der Bildende Künste” en Munich. Por otro lado, es uno de los fundadores del grupo escultórico “Trisma” junto a Willy y Walter Moroder.

¿Su gran inspiración?, el cuerpo y los gestos humanos. Los ‘meditabundos’ personajes de sus esculturas, a través de sus poses y mirada taciturna, denotan cierta introspección, soledad, fragilidad y nostalgia.

 Youtube | Bruno Walpoth | Why not?

Ignant.com | Bruno Walpoth

2. Matteo Pugliese / Dimensiones

Escultor oriundo de Milán. Desde los 12 años desarrolló y fortaleció su amor y pasión por el dibujo, escultura y el arte en general. Profesional en Literatura Moderna. Su primera obra fue expuesta de manera individual en Milán en el año 2001.

Hoy en día, sus obras son expuestas en diversas galerías en: Hong Kong, Londres, Nueva York, Roma, etc.

Sus esculturas son hechas en bronce y los protagonistas de sus esculturas son hombres que parecen estar atrapados en las paredes. Tal vez buscan escapar, ocultarse, investigar o espiar. No se sabe con certeza qué es lo que el artista quiere expresar, pero sin duda alguna, el resultado es increíble.

A continuación una muestra de su trabajo.

Matteo Pugliese pag Oficial | Matteo Pugliese

3. Peter Jansen / Movimientos

Peter Jansen estudió Física y Filosofía. Al descubrir su pasión por el arte y la escultura, decidió dedicarse a ello.

Sus obras se basan primordialmente en capturar los movimientos que hacen las personas en un determinado tiempo y lugar.

Paciencia, perfección y dinamismo son sinónimos de esta obra de arte.

Taringa | Peter Jansen

4. Ron Mueck / Hiperrealismo

Escultor Australiano que desde muy niño sentía atracción por el arte de darle vida a muñecos inertes. Sin necesidad de una formación artística, moldeaba figuras desde pequeño.

Este arte de moldear; la escultura, es lo que se convirtió en su vocación con el paso del tiempo. Vocación que ha desempeñado de manera profesional, tanto en el cine como en la televisión y la publicidad.

Ron, al igual que los anteriormente mencionados escultores, se siente inspirado por el cuerpo humano; sin embargo, su valor agregado es que se especializa en el hiperrealismo.

Sus obras, las cuales también poseen una gran escala, generan gran impacto en cualquier persona que las ve. Esto gracias a la esencia del ser humano: Sucio, fuerte, frágil, solitario, temeroso y demás, que capturó el artista.

Youtube |BlogdoMarcondes | Ron Mueck

Esculturas

5. Expansión / Escultura / Paige Bradley 

Escultora estadounidense, fascinada por el mundo del arte, la naturaleza y su relación con el ser humano. Comenzó su carrera artística dibujando desnudos a la edad de diez años. A los quince ya estaba estudiando en los campus universitarios mientras que a los diecisiete años realizó su primer tallado en bronce.

Su fuente de inspiración es ella misma desde una perspectiva espiritual y social. Su relación con el mundo, con los demás y con ella misma. “No necesito viajar por el planeta ni contratar bailarines para encontrar una musa. Mi viaje individual es la inspiración suficiente”, señala Paige.

Esta es increíble escultura de una mujer desnuda, sentada en posición de flor de loto y con grietas en el cuerpo de las que emana una poderosa luz desde sus ‘entrañas. Esta obra no sólo es una de las más famosas del mundo, sino que también marcó un antes y un después en el trabajo de Paige. Representa el renacer de su arte por un arte contemporáneo.

Play & Tour | Expansión | Paige Bradley

6. Los zapatos en el Paseo del Danubio / Escultura / Gyula Pauer 

Escultor, artista escénico y conceptual, es un destacado escultor húngaro de la ‘Neo-Avantgarde’. 

Graduado de la academia de Bellas Artes de Budapest. Realiza sus obras a través de las técnicas del collage, el plástico espacial, entre otras. Ha ganado diversos premios y es aclamado por el ‘minimal art’, ‘pop art’ y el ‘arte conceptual’.

Esta escultura es un homenaje a los judíos que fueron asesinados durante la segunda Guerra Mundial. Como mencionamos al inicio, la escultura sirve también para homenajes y representaciones históricas. Esto se ve reflejado a través de la obra de Gyula, la cual hace referencia al momento en el que se les pedía a los judíos que se retiren los zapatos para ser fusilados posteriormente.

Escultura Pública | Zapatos en el paseo del Danubio

7. Los Kelpies / Escultura / Andrew Scott 

Escultor escocés cuyo trabajo lo realiza en acero galvanizado, fibra de vidrio y bronce fundido.

Sus trabajos representan una fusión de las técnicas clásicas como el dibuja con la fabricación contemporánea. Scott busca que sus esculturas tengan un sentido y aporten narrativamente al espacio en el que se encuentran.

Tal es el caso de esta obra; ‘Los Kelpies’, construidas con acero laminado e inoxidable. Esta maravillosa escultura cuenta con una escala de 30 metros de altura y 300 toneladas de peso.

Dicha escultura hace alusión a los seres mitológicos de la cultura celta. Según Scott, éstos son seres malignos que ocultan su verdadero espíritu a través de la imagen de 2 inofensivos caballos.

PxHere | Les Kalpies | Andrew Scott

8. Les Voyageurs / Escultura / Bruno Catalano

Bruno Catalano es un escultor Marroquí que empezó trabajando con arcilla. Después pasó a estudiar en un taller de modelado y dibujo en Marcella.

Actualmente posee una excelente reputación, tanto a nivel nacional como internacional, pues sus esculturas son exhibidas en Francia, China, Suiza, Estados Unidos, Bélgica y demás. 

Experto en el arte surrealista. Sus esculturas hechas con bronce muestran a personas que se encuentran incompletas, esto genera una ilusión óptica haciendo parecer que las figuras se encuentran levitando.

El nombre de las esculturas, ‘Les Voyageurs’ / ‘Los viajeros’, se debe a que los personajes se sostienen sólo por una maleta.

Pinterest | Les Voyageurs | Bruno Catalano

9. Non Violence  / Escultura /  Fredrik Reuterswärd 

Pintor y escultor sueco. Estudió con Fernand Léger en París y fue docente de pintura en la Academia de Bellas Artes de Estocolmo.

Reconocido por su escultura ‘Non Violence’ expuesta en los exteriores de la sede de las Naciones Unidas en Nueva York.

El revólver Magnum 357 con un barril anudado y el hocico apuntando hacia arriba que representa esta escultura, simboliza la muerte de John Lennon en 1978, cuando un joven lo asesinó de un disparo. Este homenaje forma parte de un proyecto llamado “No Violencia” que promueve el cambio social a través de programas sin fines de lucro.

Public Installation Art | Non Violence | Fredrik Reuterswärd

10. La Araña Maman / Escultura / Louise Bourgeois 

Innovador escultor con influencias de Vanguardia, Surrealismo, Expresionismo Abstracto y el Posminimalismo. Pero además de sus influencias, este artista posee una esencia única que se ve reflejada a través de sus esculturas.

Realiza desde dibujo, pintura, grabado y performance pero se hizo conocido por sus esculturas. Esculturas que usualmente aluden a su tortuosa infancia, la cual fue marcada por las infidelidades de su padre hacia su cariñosa y frágil madre. Y es justamente a su madre a quien representa esta, poco convencional, escultura.

‘Mamá’ es una escultura con forma de una araña de casi 9 metros de altura. ¿Por qué una araña representa a su madre?, la respuesta es: La naturaleza de la maternidad. Una madre protectora y depredadora al mismo tiempo, pues con la misma seda que fabrica un capullo, atrapa una presa. Fortaleza y fragilidad s lo que encarna la maternidad según Bourgeois y esto se ve perfectamente reflejado en esta extravagante y preciosa obra.

Info7 | ‘Mamá’ | Louise Bourgeois

Estos fueron sólo algunos de los grandes escultores que existen alrededor del mundo.

Como podemos ver, la escultura y el arte en toda su expresión son esenciales para el ser humano ya que nos ayuda a transmitir y/o recibir y compartir sensaciones, sentimientos, historia, reflexión y demás.

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Créditos: Elena Belokrinitski/ Flickr

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La mayoría de sus diseños son florales, y siempre está capturando fotos de flores tropicales para luego ilustrarlas. Además, recopila diseños étnicos, antiguos y de textiles orientales. También tiene un tablero en Pinterest con una colección de sus ilustraciones y diseños.

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Para Elena, el estilo que más la define es el diseño floral tropical. “Por lo menos, es por eso que la mayoría de mis clientes de acercan a mí. Mis amigos reconocen mi estilo de diseño de ropa, y me envían fotos, preguntando si es mío.”, señala. Además, tiene un estilo muy sutil y moderno en sus diseños de ropa.

Actualmente, se está actualizando sobre el diseño textil, y mira el ejemplo de otros diseñadores textiles. Por ejemplo, uno de sus favoritos es Philips Designs, Karolina York Print y Helen Dealtry.

Créditos: Elena Belokrinitski/ Behance

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Su experiencia como diseñadora está siendo increíble. Pues, crear diseños visualmente atractivos es un placer para ella. “Me encanta dibujar, crear composiciones. Además, me gusta trabajar con materiales como acuarelas, marcadores, lápices, tintas, cortes de lino, sellos, etc.”, comenta. Al trabajar en Photoshop, le  ayuda a mejorar sus diseños. Sus clientes aprecian su estilo, pero, ella está dispuesta a ampliar sus horizontes. “Cuando era una diseñadora contratada, me encantaba mis lugares de trabajo, y ahora que trabajo sola, también disfruta mi soledad y puedo concentrarme.”, explica.

Créditos: Elena Belokrinitski/ Flickr

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Para las personas que le gustan el arte como ella, Elena recomienda que hay que ir practicando y tener un enfoque universal del arte. “La debilidad de la persona es la fuerza de los demás”, por lo tanto, ella sugiere  que no se den por vencido cuando algo no les va bien en la primera oportunidad.

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Los primeros dibujos se remonta en el Paleolítico Superior, aproximadamente hace 35,000 años, cuando el Homo Sapiens plasmaba sobre las piedras o paredes rocosas de las cuevas o sobre la piel de animales que cazaban. En el mundo han encontrado estas pinturas rupestres, que hoy es símbolo del arte desde los inicios de la humanidad.

Se puede considerar que el dibujo es el origen de todas las artes. A través de los años, se ha pasado de ser un importante recurso de comunicación, a ser considerado y valorado también como un arte en el que se han producido gran cantidad de obras a lo largo del mundo, cada una de ellas con características particulares y con un estilo único que fue mejorando conforme el hombre evolucionaba.

Reconocemos la importancia del dibujo en la historia del ser humano, por eso te contaremos cuál es el origen del dibujo, dónde surgió, cómo se ha ido manifestando este arte a través de cada etapa y cultura y también cómo se ve reflejado hoy en día, sumado a los particulares cambios que se fueron introduciendo gracias a sus técnicas.

Primeros registros de dibujos humanos. Fuente: Agenda Menuda

1. El origen del Dibujo:

El origen artístico del hombre es casi tan antiguo como la humanidad, pues siempre el hombre buscó expresarse. En un papel instrumental y subordinado, se desarrolló junto con las otras artes en la antigüedad y la Edad Media. Ya fueran bocetos preliminares para mosaicos y murales, o dibujos y diseños arquitectónicos para estatuas y relieves, dentro de la variada producción artística de los edificios góticos medievales y los talleres artístico de la época, el dibujo como habilidad auxiliar no autónoma estaba subordinado a las otras artes. Limitadamente se puede hablar de centros de dibujo en la Alta Edad Media; es decir, los scriptorium de los monasterios de Corbie y Reims en Francia, así como los de Canterbury y Winchester en Inglaterra, y también algunos lugares en el sur de Alemania, donde se cultivaron varios estilos de iluminación de libros fuertemente delineatorios (ilustrados gráficamente).

En Occidente, la historia del dibujo como documento artístico independiente se inició a finales del siglo XIV. Sin embargo, si su desarrollo fue independiente, no fue insular, es decir los dibujantes no solo se dedicaban a ello.  pintores, ilustradores, escultores o arquitectos distinguidos han sido los más grandes dibujantes, así los centros y los momentos culminantes del dibujo han coincidido generalmente con las localidades principales y las épocas principales de las otras artes. Es importante conocer que en el dibujo se han expresado los mismos fenómenos estilísticos que en otras formas de arte. De hecho, el dibujo comparte con otras formas de arte las características del estilo individual, el estilo de época y las características regionales. Lo que diferencia al dibujo de otras expresiones es su individualidad y forma de representar utilizando sus propios medios únicos.

2. Los primeros dibujos

Por muchos años se atribuyó el origen de los primeros dibujos al Paleolítico Superior, aproximadamente hace 35,000 años, cuando el Homo Sapiens plasmaba sus registros sobre las piedras o paredes rocosas de las cuevas o sobre la piel de los animales que cazaban. Pero recientemente, un grupo de arqueólogos hizo un hallazgo importante. En una cueva de Blombos en Sudáfrica, se encontró lo que se considera el primer dibujo de la humanidad. Esta pieza de roca silícea tiene una extraña inscripción de líneas cruzadas hechas con ocre. Su antigüedad data de hace 73.000 años, lo que significa que es 38.000 años más antigua que los otros ejemplares de dibujo que se habían encontrado hasta la fecha.

Entre los otros primeros registros de dibujos en la antigüedad, uno de los más conocidos y estudiados es el que se encontró en la Cueva de Altamira en España, descubierta en el año 1875 y cuya existencia data de hace unos 35.600 años aproximadamente. Este lugar es un enorme vestigio de pinturas rupestres, en colores rojo y negro, plasmadas en el techo y paredes. La mayoría de los dibujos representan escenas cotidianas de hombres junto a animales como ciervos, bisontes y caballos. También se aprecian dibujos de manos y algunos símbolos abstractos.

3. El Arte y el Dibujo: El dibujo es el padre de todas las bellas artes

Hasta entonces, el dibujo era considerado una herramienta narrativa muy funcional, pero durante el renacimiento, el dibujo empieza a ser tratado como un arte en sí mismo. Como dijo Giorgio Vasari, famoso pintor italiano e historiador de arte, desde el renacimiento se sostiene que “el dibujo es el padre de todas las bellas artes”, afirmación que tiene fuerza considerando que toda expresión artística, ya sea la pintura, escultura, música, danza, literatura y cine, empiezan con un dibujo, boceto, esquema o como desee describirlo para luego transformase en el arte en sí.

3.1. Pintura

La pintura es una expresión de ideas y emociones, creadas a partir de un dibujo, con determinadas cualidades estéticas,  con un lenguaje visual bidimensional. Los elementos de este lenguaje —sus formas, líneas, colores, tonos y texturas— se utilizan de diversas formas para producir sensaciones de volumen, espacio, movimiento y luz en una superficie plana. Estos elementos se combinan en patrones expresivos para representar fenómenos reales o sobrenaturales, interpretar un tema narrativo o crear relaciones visuales totalmente abstractas.

El artista puede utilizar un medio en particular, como témpera, fresco, óleo, acrílico, acuarela u otras pinturas a base de agua, tinta, gouache, encáustica o caseína, así como la elección de una forma particular, como mural, caballete, panel, miniatura, iluminación manuscrita, pergamino, pantalla o abanico, panorama o cualquiera de una variedad de formas o plataforma modernas, tales como un sitio web, redes sociales, aplicaciones, entre otros.

3.2. Escultura

La escultura es una forma artística en la que materiales duros o plásticos se transforman en objetos de arte tridimensionales. Los diseños pueden plasmarse, partiendo desde un boceto o dibujo en objetos independientes, en relieves en superficies o en entornos que van desde cuadros hasta contextos que envuelven al espectador. Se puede utilizar una enorme variedad de medios, que incluyen arcilla, cera, piedra, metal, tela, vidrio, madera, yeso, caucho y objetos “encontrados” al azar. Los materiales pueden ser tallados, modelados, moldeados, fundidos, forjados, soldados, cosidos, ensamblados o moldeados y combinados de otra manera.

3.3. Música

La Música es el arte relacionado con la combinación de sonidos vocales o instrumentales para la belleza de la forma o expresión emocional, el dibujo ayudó mucho en el crecimiento de este arte, tanto en la creación de sus instrumentos como la composición de las obras, pues generalmente componer requiere de un trabajo mental que se debe registrar, el cual se imaginaban mediante bocetos o dibujos, obviamente, esto sucedió mucho antes de lo que hoy conocemos como partituras.

Dichas composiciones iban de acuerdo con los estándares culturales de ritmo, melodía y, en la mayoría de la música occidental, armonía. Tanto la canción popular simple como la composición electrónica compleja pertenecen a la misma actividad artística, la música. Ambas acciones, el dibujo y la música fueron diseñados por humanos; ambos son conceptuales, pero la música es auditiva, y este factor siempre ha estado presentes en la música de todos los estilos y en todos los períodos de la historia, en todo el mundo.

3.4. Danza

La Danza como arte, es el movimiento del cuerpo de forma rítmica, generalmente con música y dentro de un espacio determinado, con el propósito de expresar una idea o emoción, liberar energía o simplemente deleitarse con el movimiento en sí. El dibujo en la danza forma parte estructural y explicativo, pues más allá de poder hacer los movimientos con el cuerpo, se necesita idealizar el movimiento para poder llevar la danza a un nivel de perfección único, el cual solo con un dibujo o boceto se podría explicar o imaginar.

3.5. Literatura

La literatura como expresión de arte, se ha aplicado tradicionalmente a aquellas obras imaginativas de poesía y prosa que se distinguen por las intenciones de sus autores y la excelencia estética percibida de su ejecución. La literatura puede clasificarse según una variedad de sistemas, incluido el idioma, el origen nacional, el período histórico, el género y el tema. El dibujo ayudó a que estas obras tuviesen un entendimiento específico, pues el autor puede ser más explicativo si acompaña su prosa con una ilustración que represente el sentimiento o significado que desea comunicar. 

3.6. Cine

En los años previos a la Primera Guerra Mundial, pocas personas pensaban que el cine era o podría convertirse en una forma de arte, esto empezó aproximadamente 1910, sin embargo, surgieron indicios de que el cine estaba en camino de adquirir algún tipo de legitimidad como expresión artística, pero la fusión de muchas artes, entre ellas el dibujo, permitieron que se convertirían en el cine tal como lo conocemos hoy.

“El cine como forma de arte” considerando cómo se ha desarrollado este arte a través de la evolución, tanto las técnicas de edición y narrativa y la sincronización del sonido, y luego analiza los diferentes tipos de géneros cinematográficos, el movimiento neorrealista y las diversas variedades del cine moderno que hoy existen. ¿Qué hubiera sido de la Guerra de las Galaxias sin los bocetos que hizo George Lucas para poder explicar cómo serían las escenas? Lo ve, imposible de imaginar el cine sin el dibujo, ya sea a mano alzada o digitalizado.

4. La era Egipcia y los dibujos en los jeroglíficos

La cultura egipcia también supo reconocer el dibujo como una expresión de arte. Habían pasado miles de años para que el dibujo revolucione en esta parte del mundo. Pasaron una composición de un elemento, a dibujos más complejos, que tenían muchos detalles y donde el color resaltaba cada representación teológica de templos y santuarios. Además, detallaban la figura de los dioses como una manera de agradecer el esplendor del imperio egipcio.

La técnica de dibujo en Egipto consistía en el uso de pigmentos naturales que extraían de tierras de diferentes colores. Con ellas elaboraban una pasta de color que les servía para aplicar en las superficies deseadas. Eran principalmente usados para la decoración de sus edificaciones y también para realizar ilustraciones en papiro y utensilios.

Debido a la majestuosidad y elegancia de sus obras, se podría considerar que el trabajo de dibujo ejecutado por los egipcios, es el punto de partida para el desarrollo de otras técnicas artísticas como la pintura, la escultura, las artes decorativas y la arquitectura.

Fuente: Banco de Imágenes

Uno de los registros gráficos más antiguos de esta cultura, tiene una antigüedad de cinco mil años y fue hallado en una zona cercana al Cairo. Es una roca tallada en la que se distingue una serie de jeroglíficos sobre una celebración de barcas dirigida por un faraón. En estos dibujos, el personaje central lleva una corona y es escoltado por un grupo de personas e incluso es seguido por un perro.

5. La cultura griega y el dibujo

Los griegos fueron los máximos representantes del dibujo, pues se preocupaban por tener la máxima expresión perfecta del ser humano, que la despoje de toda connotación sobrenatural, para centrarse y obtener armonía en sus obras. La mayoría de sus dibujos quedaron plasmados en murales, en cerámica, lienzos y tablas.

De estos se destaca el dibujo realizado en cerámicas. El dibujante griego se encargaba de elaborar los mas finos gráficos. Sus diseños partieron de formas geométricas elementales hasta desarrollar una mayor precisión en el dibujo de figuras humanas y animales. Tal fue la belleza de estos trabajos, que fueron destinados a la comercialización, convirtiéndose en un negocio muy productivo en aquella época.

Su estilo se centraba en los detalles y en la expresión de los rasgos humanos. En los primeros períodos dibujaban a dioses y héroes, y también se ilustraban grandes escenas de guerra y representaciones de la vida cotidiana. Los colores predominantes eran el rojo, amarillo, negro, blanco, verde, azul, púrpura y marrón. La técnica griega enfatiza las líneas y curvas, hasta que más adelante van perfeccionando sus trazos para lograr dibujos con mayor realismo y énfasis en las formas.

Fuente: El blog de griego

6. Edad Media y los dibujos religiosos (S.VIII- S.XV)

Durante esta etapa, entre el s.VIII y s.XV, predominan las representaciones vivaces, donde los dibujos son trazos que resaltan el detalle. En los primeros años, su función principal fue difundir la religión y exaltar a Dios, por ello el dibujo fue muy usado para la ilustración de libros religiosos producidos por monjes, quienes tenían exclusividad en el uso de los insumos para dibujar.

Los primeros materiales usados para los dibujos eran los pergaminos de piel de animal o las tablas. Posteriormente, con la invasión árabe se introdujo una revolución en el dibujo y la pintura, pues se crea el papel. Con esta invención china, se facilita que la ilustración deje de ser una actividad exclusiva para los monjes, y se vuelve más accesible para todos. Desde ese momento, ya se manifiesta el dibujo a color.

Es posible diferenciar dos estilos de dibujo en la edad media: un grupo de dibujos que consistían en la elaboración de pinturas en miniatura adornadas con oro, destinados a la realeza. Por otro lado, un grupo de obras más sencillas, que estaban decoradas con dibujos realizados con pluma y tinta, destinadas a las personas menos ricas.

6.2. ¿Cuándo el dibujo se Transforma en Arte Independiente?

El dibujo se transforma en arte independiente en el norte de Italia, claro que al principio dentro del marco de la actividad ordinaria de un estudio, siendo una prioridad el estudio de la naturaleza como tal, como quedó registrado en copias de antigüedades y borradores en los distintos cuadernos de dibujo (los de Giovannino de’Grassi, Antonio Pisanello y Jacopo Bellini, por ejemplo). Quizás lo más representativo de este momento se encuentra en el taller de Bauhütten, donde se cambió al trabajo individual: conocido como el lugar de “exempla”, pues los modelos, reproducidos de manera formalizada, ahora estaban siendo tomados por dibujos subjetivos y parcialmente creativos.

A principios del siglo XV, el estilo de la época todavía predominaba en gran medida sobre la “caligrafía” individual del dibujante. A mediados de siglo, sin embargo, se establece la diferenciación del estilo de dibujo según la región y la personalidad del artista. Los criterios esenciales, destinados a seguir siendo característicos durante generaciones, comienzan a llamar la atención.

En los dibujos realizados al norte de los Alpes, los rasgos característicos residen en la tendencia a la compacidad pictórica y la ejecución precisa de los detalles. Muchos pintores produjeron dibujos individuales, pero los dibujantes más notables son el maestro alemán del Housebook del siglo XV, no identificado, y su contemporáneo Martin Schongauer. Ambos artistas fueron también importantes grabadores de placas de cobre, por lo que no siempre es fácil determinar si la obra es un boceto preliminar o un dibujo independiente.

7. El Renacimiento y el dibujo

En los dibujos del Renacimiento italiano, de los que abundan, las características estilísticas divergentes de las diversas regiones artísticas fueron particularmente evidentes. Lo que tenían en común era la importancia abrumadora del boceto y el estudio, en contraste con los dibujos terminados mucho más raros.

La conexión formal y temática con la pintura es muy estrecha incluso cuando no se trata de dibujos preliminares. Los dibujantes de Venecia y del norte de Italia prefirieron una forma abierta con delineación suelta e interrumpida para lograr incluso en el dibujo el efecto pictórico que correspondía a la imaginación de sus pintores.

En el centro de Italia, en cambio, y sobre todo en Florencia, predominaba el contorno claro, la forma cerrada y firmemente circunscrita, el carácter estático y plástico. En correspondencia con el propósito funcional del dibujo, los estudios de los artistas individuales (que, como fue el caso de la Academia de San Marcos de los Médicis, también tuvieron que dedicarse a investigaciones educativas y humanísticas generales) formaron los centros más importantes del dibujo artístico.

Fuente: Mindomo

En estos grandes estudios, el dibujo no solo sirvió para la realización inquisitiva de ideas creativas. Tampoco, estuvo ligado solo al estudio y mediador entre la concepción y el trabajo terminado del maestro; sino funcionó como material didáctico para los asistentes que trabajaban con el maestro y como vehículo para la formación y conservación de una tradición de taller individual. Aunque los intereses científicos de Leonardo Da Vince se expresaron en un gran número de dibujos, su concepto ideal de la figura humana se conserva con mucha más frecuencia en los dibujos de sus colaboradores y sucesores que en los suyos propios.

Rafael y Miguel Ángel también fueron dibujantes destacados. Cada uno de ellos utilizó el dibujo para dejar madurar sus pensamientos sobre las obras individuales; cada uno tenía un estilo de dibujo muy personal, uno de trazo suave y redondeado, el otro de trazo intermitente y poderoso de escultor.

Ilustraciones sobre el cuerpo humano de Leonardo Da Vinci. Foto: BBC

Probablemente se hizo mucho dibujo en el estudio de Raphael, especialmente aunque solo sea para la preparación de los grabados según las composiciones de Raphael. De la mano de Miguel Ángel surgieron los primeros dibujos de los llamados conocedores que se estiman como un documento personal. Son los precursores de los dibujos de coleccionista que se iniciaron a finales del siglo XVI (obras autónomas, destinadas a colecciones).

Al norte de los Alpes, la autonomía del dibujo fue defendida en primera instancia por Alberto Durero, un dibujante infatigable que dominó todas las técnicas y ejerció una influencia duradera y generalizada. El constituyente delineatorio predomina claramente incluso en sus pinturas. Esto corresponde al carácter estilístico general del arte alemán del siglo XVI, dentro del cual Matthias Grünewald, con su estilo de dibujo más libre, más amplio y por lo tanto más pictórico, y los pintores de la escuela del Danubio, con su trazo ornamental y agitado, representan una significativa excepción. En su metamorfosis de la realidad percibida en dibujos, los paisajes de Albrecht Altdorfer y Wolf Huber son documentos asombrosos de un sentimiento por la naturaleza que casi podría llamarse romántico.

Soberer, increíblemente compacto en su concepto pictórico y, sin embargo, similar al Renacimiento en su visión objetiva, fueron los dibujos de retratos de Hans Holbein, el Joven, cuyas estancias en la Inglaterra del siglo XVI resultaron estimulantes también para otros artistas. Similares, aunque menos personales que Holbein debido a la linealidad más estricta de su trabajo, fueron los dibujos de los retratistas franceses Jean y François Clouet. En los Países Bajos, donde se combinaron con la imagen idealizada de Italia (como en los dibujos de Lucas van Leyden), los métodos de Durero ganaron popularidad duradera en los dibujos y estudios de paisajes “después de la vida” de Pieter Bruegel el Viejo.

A partir del siglo XIX, se difunden nuevos estilos como el romanticismo, el realismo, el impresionismo, el cubismo, el surrealismo, entre otros. Estos estilos del arte, en especial, del dibujo, han aportado algunas técnicas para expresar nuevos enfoques de la sociedad en la que vivían e incluso nos ayudan a expresar cómo se está viviendo ahora.

8. La era moderna y el dibujo

Desde los inicios de la humanidad hasta la edad media, el dibujo ha ido evolucionando, pero ya en inicios del Renacimiento, y con las nuevas técnicas de Leonardo Da Vinci, el dibujo otra perspectiva, y ya es más especializada. Ahora, existen dos tipos de dibujo, el artístico y el técnico. El primero clasificaba los dibujos para expresar ideas estéticas, filósofas y abstractas. El segundo es para representar la tipografía, la arquitectura, edificios, entre otros.  Además, las técnicas hacían uso de medios tradicionales como la tinta, el grafito, el carbón, el lápiz de color, acuarela, etc.

Fuente: ArkipediA

Ahora, el dibujo ya no sólo se dibuja en hojas de papel, o lienzos, sino que se convierte en dibujos digitales, es decir, puede ser plasmados en los dispositivos digitales como computadoras. El primer pintor neoimpresionista fue Seurat, quien creó una nueva técnica, que sería a lo que conocemos como píxeles. Él hizo que el color sea más definido en la era digital.

En la década de los 90’s, estos dibujos podían editarse en dispositivos o aparatos digitales, e incluso se podía imprimir miles de copias. Desde la fecha, ya se puede conocer la ilustración y el dibujo digital. Además, conocemos las animaciones 3D, que pueden ser editados en diferentes programas de diseño. Las técnicas de las que hacen uso en esta etapa moderna, dependen mucho de la particularidad del artista y la corriente a la que pertenece. A inicios del siglo XX surgen los movimientos de las vanguardias y cada una de ellas impone una ruptura con el movimiento anterior, renovando el estilo del arte mediante nuevas formas de expresión y puntos de vista:

Los movimientos más importantes son:

8.1. El Futurismo:

Es el movimiento italiano que surge el 20 de febrero de 1909, en la publicación del Manifiesto futurista, escrito por el poeta Filippo Tommaso Marinetti. Nace como un movimiento literario, pero luego se expande a las diversas artes, entre ellas el dibujo. Como su nombre lo dice, el futurismo es el ‘movimiento orientado hacia el futuro’. Hay un intento por expresar los valores y experiencias de la era de la máquina como son la velocidad, energía y fuerza. Por ello sus dibujos rompen con la tradición estética al enfocarse en la mecánica y el funcionamiento técnico de los objetos. El elemento protagónico fue el tiempo y la exaltación de la velocidad como Belleza.

Algunos artistas de este movimiento son: Giacomo Balla, pintor y escultor italiano; Umberto Boccioni, pintor y escultor italiano; Carlo Carrà, pintor, Gino Severini, pintor francés, Luigi Russolo pintor y compositor italiano y Antonio Sant’Elia, arquitecto italiano, Escritor del Manifiesto de la arquitectura futurista.

8.2. El Cubismo:

Fue el primer movimiento artístico de vanguardia del siglo XX. Se le considera precursor de la abstracción y de la subjetividad artística en su sentido contemporáneo. Este movimiento establece, por primera vez en la historia, una auténtica ruptura con el arte occidental que se basaba en la imitación de la naturaleza y en la idea de belleza. Mientras que el cubismo consiste en la representación de la realidad mediante el empleo dominante de elementos geométricos, resultados del análisis y la síntesis. Los objetos se representan como han sido concebidos por la mente, que los deconstruye en sus formas geométricas esenciales, orientando la atención al lenguaje plástico, la observación y el análisis.

Algunos artistas de este movimiento son: Pablo Picasso, famoso pintor italiano; Juan Gris, pintor e ilustrador español; André Derain, Pintor, ilustrador y escenógrafo francés; Albert Gleizes; Fernand Léger y Georges Braque, todos ellos importantes pintores franceses del siglo XX.

8.3. El Expresionismo:

Fue un movimiento artístico, cinematográfico, musical y literario. Inició como estilo pictórico en Alemania a inicios del siglo XX, luego se expandió a otras disciplinas hasta alcanzar su auge entre 1905 y 1933. A diferencia de las “vanguardias históricas”, el expresionismo no tuvo un estilo unificado, sino un espíritu crítico frente al nuevo orden occidental. El desengaño y la crítica de la época provocaron que el expresionismo pusiera énfasis en la percepción pesimista de la vida y el individuo contemporáneo, el rechazo a la composición premeditada y el cuestionamiento de la belleza escultural. Por ello producen piezas que ensalzan los rasgos y emociones humanas para impresionar al público.

Algunos artistas de este movimiento son: Edvard Munch, pintor noruego; James Ensor pintor nacido en Bélgica; Emil Nolde, pintor alemán; Ernst Barlach, escultor alemán; Fritz Lang, cineasta nacido en Austria; Ernst Krenek músico austriaco; Ígor Stravinski músico ruso y Georg Heym, escritor alemán.

8.4. El Surrealismo:

Surge en París, en el año 1924, cuando André Breton escritor y poeta francés, escribió un manifiesto después de enemistarse con Tristan Tzara, líder del movimiento dadaísta. El Surrealismo es considerado la última de las grandes vanguardias. Este movimiento pretendía superar la limitación del inconsciente, permitiendo que el subconsciente se exprese a través del arte, por lo cual, algunos artistas llegaron a elaborar obras en estados de trance e hipnosis, su objetivo era representar nuevos mundos posibles de manera original y disruptiva. Usaron la técnica del frottage, que consistía en pasar un lápiz sobre una superficie rugosa, dando formas y texturas en el soporte para crear una obra nueva.

Algunos artistas de este movimiento son: Max Ernst pintor y poeta nacido en Alemania; René Magritte pintor nacido en Bélgica; Salvador Dalí, famoso pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español y Joan Miró, uno de los influyentes artistas españoles, fue pintor, escultor, diseñador, ceramista.

Fuente: Emi Haze

9. El arte digital

En la era contemporánea, el dibujo ya no sólo se plasma en hojas de papel, o lienzos, ni se realiza sólo con lápices y grafitos sino que se convierte en dibujos digitales, es decir, puede ser plasmados en los dispositivos digitales como computadoras. El primer pintor neoimpresionista fue Seurat, quien en el siglo XIX creó una nueva técnica, que sería a lo que conocemos como píxeles. Él hizo que el color sea más definido en la era digital.

Desde la década de los 90 ‘s, estos dibujos pueden ser editados en dispositivos o aparatos digitales, e incluso se pueden imprimir miles de copias. Las técnicas que sobresalen son la ilustración y el dibujo digital, además de las animaciones 3D. Todos estos proyectos pueden ser editados en diferentes programas de diseño como Adobe Photoshop, Adobe Illustrator, Indesing, Corel Draw, entre otros. Solo basta ver un tutorial o haber tomado un curso de diseño digital.

Gracias a estos métodos y programas es posible realizar correcciones y mejoras constantes de los dibujos, algo que resultaba imposible en las obras tradicionales. También permiten la exploración de miles de técnicas y efectos que hacen que el proceso creativo de trabajo sea siempre único. Otro gran beneficio es que puede agilizarse el tiempo de trabajo, generando veloces resultados que pueden ser apreciados masivamente. Este factor de tiempo ha hecho que profesionales consideren llevar como parte de la formación en marketing digital, curso de diseño para la gestión de contenido en redes sociales, y así poder ser un experto community manager o especialista en marketing digital en general.

10. Elementos básicos del dibujo

Realizar un dibujo es todo un trabajo completo que requiere de ciertas nociones básicas y elementos que deben tenerse en cuenta para poder representar las figuras y formas deseadas. Los elementos del dibujo son:

10.1. Línea y punto:

Son los elementos principales para dar vida a los dibujos. El punto es el elemento más sencillo y la línea está conformada por una sucesión de puntos, puede ser recta o curva. De ambos, parte toda imagen. Pueden elaborarse con cualquier herramienta como lápiz, pincel, crayon, plumón, lápiz digital y otros.

10.2. Forma:

En su creación influyen las líneas y puntos ya que con ellos se pueden configurar toda clase de formas, entendidos también como contornos, superficies, planos. Existen cuatro grandes tipos de forma que se clasifican en grupos: regulares e irregulares y artificiales y naturales.

10.3. Luz y sombra:

Son elementos utilizados para crear profundidad y agregar dimensión al dibujo. Para que un dibujo parezca “realista” se necesita sombra porque en el mundo real todo tiene una sombra, al agregarlo suma un poco de perspectiva al dibujo porque la sombra indica que algo está delante y/o detrás del objeto que causaría una sombra.

10.4. Volumen:

Haciendo uso de las diversas formas de línea se crean volúmenes y se construyen espacios. El volumen permite nombrar el espacio que ocupa un objeto en el espacio. Comprende las dimensiones y magnitudes físicas de largo, ancho y alto en los objetos del dibujo.

10.5. Proporción:

Este elemento se refiere al tamaño de un objeto de la imagen en relación con el tamaño de otro objeto de la imagen. Si una proporción es incorrecta en un dibujo “no se ve bien”, pierde realismo ya que los juzgamos según lo que se conoce de ellos en particular. También ayuda a darle equilibrio a los dibujos.

10.6. Perspectiva:

Sirve para generar la ilusión o efectos de que las cosas más lejanas parecen más pequeñas y los objetos cercanos más grandes. Para hacer que algo parezca estar más alejado del espectador que el plano de la imagen debe ser dibujado más pequeño que el objeto que está más cerca del plano de la imagen.

10.7. Textura:

Es parte de las características de cada superficie real, cuando la podemos tocar o sugerida, cuando la podemos imaginar. Las texturas son: lisas, blandas, rugosas, duras, ásperas, entre otras. Le agregan una sensación de realismo a los dibujos a partir de diversos tipos de trazos.

10.8. Color:

Es un componente importante que puede o no estar presente, según las formas y objetivos del dibujo. Este es uno de los elementos más importantes de las artes plásticas y visuales. Su aplicación puede cambiar radicalmente la perspectiva de un dibujo, influyendo en la psicología del observador.

11. Clasificación de los dibujos

Como te mencionamos antes, desde la edad moderna se dio un proceso de profesionalización del dibujo en el que empezaron a distinguirse distintos tipos. Según cuales son los objetivos de lo que se intenta representar o enfocar, el dibujo puede ser clasificado en los siguientes:

11.1. Dibujo artístico.

Los dibujos artísticos son usados para expresar ideas estéticas, filosóficas y abstractas. Mediante este tipo de dibujo, es posible representar las formas y el volumen de los objetos y personas según la mirada del artista que los realiza. Los dibujos pueden ser completamente realistas como los retratos, o también pueden representar ciertas figuras imaginarias como las caricaturas.

11.2. Dibujo técnico:

Los dibujos técnicos se destinan a representar diversos objetos que ayuden a facilitar información muy descriptiva sobre su diseño y que resulten útil para su materialización. Parte de ellos son los dibujos utilizados en la topografía, la arquitectura, edificios, entre otros. Estos dibujos suelen realizarse en planos u otros soportes que permitan tener un cálculo preciso de sus dimensiones. Para ello se recurre a conocimientos sobre cálculos, proyecciones y perspectiva.

11.3. Dibujo geométrico:

Con este tipo de dibujo es posible realizar trabajos que requieren total precisión y conocimiento en el uso de reglas para graficar objetos. El dibujo exige gran exactitud y por ello recurre a conceptos de la geometría y el uso de la regla y el compás, herramientas usadas para elaborar proyectos requeridos en arquitectura, ingeniería, diseño.

11.4. Dibujo mecánico:

El objetivo de este dibujo es representar a los elementos que son parte de una máquina o de algunos aparatos. El dibujo mecánico se emplea generalmente en planos de trabajo con la finalidad de detallar los componentes de máquinas industriales o artefactos. Tiene un fin descriptivo y por ello recurre a la réplica para poder alcanzar una ilustración precisa y lo más realista posible de los componentes.

11.5. Dibujo arquitectónico:

Se enfoca en representar las obras de arquitectura. Es un tipo de dibujo importante ya que debe tener en cuenta la medición y medios que puedan ayudar a la posterior elaboración de las obras que representa. Quien realiza un dibujo arquitectónico debe disponer de una clara visión de los espacios, la infraestructura, la ubicación y los detalles. Para ello se recurre a la técnica de la escala, con la cual representa los objetos en reducción para que luego sean producidos en su escala real.

12.6. Dibujo animado:

Principalmente, son dibujos realizados como secuencias visuales en dos dimensiones. Su realización requiere un delicado proceso en el que se dibuja escenas en fotogramas con los que se va componiendo una animación final en movimiento. En los inicios de este tipo de dibujo, se desarrolló la técnica de 2D (dos dimensiones), pero actualmente podemos encontrar obras en 3D, 4D y 5D, posibles gracias a los avances en digitalización.

12.7. Dibujo a mano alzada:

Ese tipo de dibujo hace referencia a su técnica de elaboración. Como herramientas solo suele requerir lápiz y papel, con los que se pueden realizar diversos efectos de luminosidad, claridad, profundidad. Sin embargo, aunque parece sencillo, al no hacer uso de otros elementos como reglas o compás, requiere de un gran dominio de algunas técnicas: saber dibujar correctamente las líneas sin perder el pulso, hacer figuras en formas de círculos y arcos, aplicar la técnica de curvas ovaladas, entre otras.

13. La importancia del dibujo para el ser humano

Vemos como toda la larga historia del dibujo es también una parte crucial de la historia de la modernidad. En su desarrollo se ha ido recurriendo a diversas técnicas y formatos que van desde los medios tradicionales como el lienzo o el papel, hasta los actuales dispositivos digitales. Hablar del dibujo y sus transformaciones, es hablar de la historia del ser humano.

El dibujo es un arte adaptativo, que ha ido cambiando según las épocas, culturas y el estilo que cada artista impregna en sus obras. Es también una forma especial de expresar los sentimientos e ideas del artista. Eso implica que pasó de tener un uso netamente funcional, de comunicación, a tener un significado más estético y profundo, por ello ahora el dibujo sigue siendo una manera de expresar lo que sentimos, lo que deseamos y es una muestra de la gran capacidad de creación humana.

Por eso podemos resaltar que el gran impacto que el dibujo ha tenido en nuestras vidas se sigue manifestando y se puede reflejar en algunos aspectos principales:

13.1. La libertad de pensamiento y expresión.

El ser humano tiene libertad de pensamiento y de expresión, es un derecho indiscutible. Sin embargo, todo esto se mantiene en abstracto sin un soporte que refleje cuan necesario es para nosotros el sentir y darle una existencia a lo que sentimos y pensamos. En ese sentido el dibujo nos ha abierto la puerta a una serie de artes que, en cada distinta época, nos permitieron y permiten trascender el tiempo. Sin ese sustento, gran parte de nuestra forma de vida, nuestras ideas y nuestra razón de ser quedarían en el olvido. Sin el dibujo no hubiese sido posible conocer parte del pasado, resguardar el presente y proyectar un futuro posible

13.2. Tener claridad en la comunicación.

Como dijimos, sabemos que el ser humano tiene la capacidad de pensar y sentir. Pero es necesario construir un modo común y entendible de expresión que nos permita darnos a entender y entender a otros. En ese intento de crear un lenguaje común, el dibujo se convierte en una de las primeras formas de expresión palpable del pensamiento y la imaginación. La representación gráfica y codificación del arte en trazos, se convierte en una realidad, en un objeto transmisible que permite la permanencia.

13.3. Impulsa la sensibilidad artística.

El dibujo puede ser considerado el punto de partida de toda expresión artística y sobre todo del lado artístico del ser humano. Con el paso del tiempo, ha sido posible desarrollar una gran sensibilidad artística para poder interpretar o reinterpretar antiguas obras de la historia humana. Desde los primeros registros pictóricos, hasta los más modernos proyectos digitales, el dibujo ha capturado y es el fiel reflejo de una parte esencial. Es por ello por lo que es posible conmoverse profundamente al ver alguna obra o distinguir entre aquellas que tienen un impacto profundo.

13.4. Promueve la invención y la imaginación.

El dibujo es una de esas bellas artes que inspira profundamente a las personas. Gracias a este arte, el ser humano ha podido imaginar algo increíble y dejar un registro de aquello que podía parecer imposible. Muchas de estas obras que comenzaron en la mente de algún artista, luego han inspirado a su materialización en las obras más increíbles e importantes de la historia. El ser humano es capaz de imaginar cosas inimaginables, por eso el dibujo es una fuente de inspiración inagotable. Se podría decir que el mundo que tenemos ahora fue producto del dibujo de artista que imagino que esto era posible.

Por ejemplo, algunos artistas han plasmado en sus lienzos lo que ellos viven. Una de ellas es Frida Kahlo, quien plasmaba sus dolores físicos y emociones en sus pinturas. Así como ella, hay varios ilustradores que plasman su vida, sus emociones, y su manera de ver el mundo.

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Isabelle empezó a apreciar el arte desde muy joven pues su madre es pintora. “Ella nos dio pinceles y brochas cuando mi hermana y yo éramos muy jóvenes”, cuenta. “Y nos enseñó cómo dibujar y pintar. ¡Lecciones privadas!”

Para Isabelle, las fotografías constituyen una importante fuente de inspiración. Tanto sus fotografías propias como las que ve en revistas o en Internet. “Especialmente cuando se trata de retratos de mujeres, naturaleza, placeres de la vida, plantas y cosas simples”. De hecho, las pinturas de Isabelle siempre empiezan con una emoción al ver una foto. Y el papel es su mayor fuente de inspiración.

El color también es una inspiración para ella. “Estoy más interesada en los colores que en el dibujo es por eso que uso la técnica del collage. Mis personajes están en papel para poder concentrarme en los colores”, comenta.

Joubert considera que el estilo que la define es la neofiguración. “Mis trabajos de arte son como sueños, inspirados por la realidad pero no exactamente como en el mundo real. La elección de colores es completamente instintiva y depende de mi temperamento o del clima”, dice.

Algunas de las referencias de Isabelle incluyen a David Hockney o Gustave Klimt “por su paleta colorida”. Sin embargo, sus más grandes referentes son artistas contemporáneos como Jill Ricci, “por su estilo de collage”, Titouan Lamazou “por sus retratos de mujeres alrededor del mundo” y Paolo Roversi como fotógrafo.

Joubert siempre pintó como un pasatiempo. No obstante, hace seis años,  empezó a vender sus pinturas y ha tenido exhibiciones en Francia, Suiza y Londres. “Después del nacimiento de mi hijo, quería cambiar de trabajo y encontrar algo más conveniente con mi nueva maternidad”, comenta.

Aunque Joubert ama la pintura y el arte, considera que es un trabajo duro. “Tienes que ser valiente para demostrar, a través de tu trabajo, tu profunda personalidad, tus sentimientos y emociones”, dice “Debes enfrentarte al ojo del otro y correr el riesgo de disgustar. Tienes que vivir con la incertidumbre sobre los ingresos y el éxito. Y convencer a tu familia de que es exactamente lo que quieres para tu vida y no eres completamente loco”.

 Finalmente, el consejo que Isabelle compartiría con quienes gustan del arte es: “Mira tantas exhibiciones como puedas, para alimentarte. Puedes ver exhibiciones en museos famosos, pero también en lugares pequeños cerca de ti.”, comenta. “Y todos los estilos”.

Puedes ver más de la artista en: Web | Behance

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En su reciente viaje por Asia, el fotógrafo padeció una “gran dosis de insomnio” inducido por el desajuste temporal de su viaje. En lugar de intentar dormir; el fotógrafo decidido dejar fluir su espíritu creativo, salió a las calles para ver su entorno con una nueva “luz”; literalmente.

Agarró su cámara y se dispuso a recorrer las calles de Hong Kong, Shenzhen y Seúl en donde capturó su cautivante colección de fotografías de neón. Cabe resaltar que algunas de las fotografías no muestran luces de neón sino más bien edificios vacíos o mercados extensos, la manera con la que el fotógrafo capturó los encuadres, nos trasladan mágicamente a la estética de las películas y videojuegos cibernéticos de inicios de los noventa.

Creativa y artísticamente está presentada la colección del fotógrafo Marcus Wendt. Estas fotografías muestran cómo la naturaleza ha sido transformada por paisajes urbanos llenos de vida y color. Por otro lado, se enfatiza la capacidad del fotógrafo para abrazar dicha naturaleza transformada y capturarla. En la página de Wendt, él comenta: “Sumido en una oscuridad ajena encontré una nueva forma de ver, extraña y ajena”, dice.

A continuación, una muestra del trabajo del fotógrafo.

“the air thick with colours shifting and angles unbending” / “El aire grueso con los colores que cambian y los ángulos imparables…”

(Vera-Maria Glahn)

“In the midst of the night a new day begins” / “En medio de la noche comienza un nuevo día”

(Vera-Maria Glahn)

En su exposición online “Ultravioleta Break of Day”, Marcus Wendt, presenta Hong Kong, Seúl y Shenzen después del anochecer. Es en este momento del día en el que estas ciudades ofrecen una mirada fascinante a las conocidas metrópolis asiáticas.

Imágenes: Marcus Wendt 

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Cosas de fotografía que siempre debes tener en tu mochila

1. Lentes

Son un elemento esencial para todo fotógrafo. Aunque no es necesario que lleves tu equipo de 10 lentes profesionales, bastan sólo 3 de ellos que serán más que suficiente para crear hermosos encuadres. Se puede utilizar el lente que viene en la mayoría de cámaras, que es de 18-55mm, con este podrás adecuarte para tomar una fotografía al lugar que vayas. El lente Ojo de pez, llega a los 180 grados y es uno de los lentes más solicitados debido al efecto de deformación que le proporciona a tus fotografías. El lente 50mm, si eres amante de las fotografías estilo retrato, este lente es perfecto para ti; además, no habría nada mejor que capturar alguna emoción a través del rostro de alguien a quien ni siquiera conoces.

Si eres aficionado, no cuentas con ninguno de estos lentes y las fotografías que tomas son con la cámara de tu celular, tienes la opción de comprar un juego de lentes para celular; estos además de ser económicos, te darán un resultado muy similar al de los lentes profesionales.

2. Filtros de fotografía, entre las cosas de fotografía que siempre debes tener en tu mochila

Para crear sensaciones a través de la temperatura y colores de tu imagen, puedes usar filtros de fotografía. En el caso de no contar con estos, puedes adquirir papel celofán de los colores básicos; rojo, azul y amarillo, para colocarlos en el lente de tu cámara con la ayuda de una liga.

En el caso de los aficionados, basta con utilizar papel celofán como filtro en el lente de su celular, si bien el efecto no será exactamente igual al de una cámara profesional, el resultado será increíble. Del mismo modo, tanto en un lente profesional como en el del celular, también se puede usar papel manteca para recrear un efecto soft y papel celofán negro como filtro ND (Densidad Neutra).

3. Trípode o soporte

Si quieres fotografiar un paisaje, un objeto o persona que no está en movimiento, lo ideal es utilizar un trípode de cámara. No hay necesidad de llevar el más profesional de todos, lo único que necesita es contar con buen soporte.

Hoy en día, existen trípodes también para el celular, por ello es una de las cosas de fotografía que puedes conseguir con facilidad. En caso de no tener alguno, puedes utilizar un soporte común de celular o incluso un selfie stick, para tener más estabilidad en la imagen.

4. Disparador remoto para fotografía, cosas de fotografía que siempre debes tener en tu mochila

Gracias al disparador remoto podemos hacer una toma sin necesidad de tocar la cámara, algo muy importante si se está trabajando con baja velocidad, pues este accesorio evitará cualquier tipo de vibración en la imagen debido al movimiento. Por otro lado, nos permitirá tomar fotografías a larga distancia.

5. Rociador de agua

El rociador de agua se utiliza para crear un efecto de lluvia o lente empañado. Lo único que debes hacer es rociar un poco de agua en tu lente y listo, sea de cámara o de celular. También, puedes echar una sola gota en el lente para conseguir otro efecto. Lo mejor de todo, es que este truco no dañará tu equipo. En el caso de no querer mojar tu lente, puedes rociar gotas de agua en plantas, objetos, pista y demás para lograr un efecto “lluvia”.

6. Bolsas de plástico, cosas de fotografía que siempre debes tener en tu mochila

Colocar una bolsa de plástico alrededor de tu lente, te permitirá lograr un efecto “neblina” el cual genera sensación de fantasía en tus fotografías. Además, este es uno de los trucos de fotografía más sencillos que puedes implementar.

7. Marco para lente

Puedes cortar cartulina con la forma que desees y colocarla en el lente de tu cámara para que tus fotografías tengan un marco personalizado. De esa forma lograrás fotografías únicas y muy originales que no sean las típicas fotos que siempre sacamos.

8. Flash o Luz Led, cosas de fotografía que siempre debes tener en tu mochila

Importante elemento a la hora de tomar fotografías de noche o en entornos con poca luz. Si no te gusta la magnitud de luz que brinda el Flash o la luz led, puedes colocarle tu filtro casero hecho con papel manteca para suavizar el reflejo de la luz.

9. Celulares y aplicaciones para fotografía

Actualmente, existen aplicaciones especiales para fotógrafos profesionales y aficionados, una de estas aplicaciones es PhotoPills, la cual te permite saber cuándo, dónde y cómo tomar una fotografía de la Vía Láctea, ¿increíble no? Esa es una de las tantas aplicaciones que existen para fotógrafos hoy en día, por lo tanto, tu celular es una de las cosas que todo amante de la fotografía debe llevar en su mochila.

10. Baterías de repuesto, cosas de fotografía que siempre debes tener en tu mochila

Si amas la fotografía y estás dispuesto a dedicarte un día entero a tomar fotos, sin duda alguna necesitarás llevar baterías extras, no querrás que mientras detallas el encuadre perfecto, se te apague la cámara. Asegúrate de cargarlas bien antes de salir de casa y así tendrás más capacidad para seguir tomando fotos por varias horas.

11. Correa para la cámara

Probablemente, seas alguien que deja fluir su espíritu aventurero a la hora de tomar fotografías, o tal vez tomes fotos desde ángulos muy extraños o desde mucha altura. Si es así, lo último que desearás es que tu cámara se caiga, es por eso que siempre debes llevar la correa para sujetar la cámara. Esto te dará mayor comodidad y movilidad al momento de hacer recorridos para sacar fotos.

12. Fundas para lente, cosas de fotografía que siempre debes tener en tu mochila

Es un objeto necesario para que tus lentes no se ensucien ni estropeen con facilidad. Del mismo modo, recuerda llevar un esparadrapo y un limpiador de lente para así mantenerlos bien cuidados en todo momento.

13. Vaselina

Esta es una de las cosas de fotografía que te ayudará a crear un efecto increíble. Lo que debes hacer es esparcir un poco de vaselina alrededor de tu lente, ya sea profesional o del celular y podrás conseguir fotos con un desenfoque interesante. También puedes jugar con el sentido en el que has esparcido la vaselina para crear varios efectos. Como valor agregado, la vaselina no ocupa casi nada de espacio en la mochila.

14. Parasol cosas de fotografía que siempre debes tener en tu mochila

Es importante tener en cuenta llevar el parasol del objetivo que utilizaremos, ya que este nos ayudará a eliminar molestos reflejos. Por ello es una de las cosas de fotografía que te servirá para sacar foto más profesional.

15. Tarjetas de memoria extra

Sabes que te dejarás llevar por tu pasión y amor hacia la fotografía y probablemente termines tomando muchísimas fotos, por eso es necesario que lleves tarjetas de memoria extra y en el caso de los que utilicen la cámara de su celular. También puedes procurar liberar la memoria del celular antes de salir a tomar fotografías.

Conclusión sobre cosas de fotografía que siempre llevar

Estas fueron 15 cosas que todo amante de la fotografía debe llevar en su mochila para realizar sesiones de fotos exitosas. Recuerda que lo más importante es que tengas tu mente libre de estrés y observes los pequeños detalles que te rodean. Esto te ayudará a ver cosas que los demás no y podrás capturarlas con tu cámara, ya que cada fotógrafo busca expresarse a través de sus fotos de manera muy subjetiva. También podría resultar favorable que realices cursos de fotografía o edición de fotos con Photoshop para mejorar los resultados.

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Five Came Back

Ideal para quien tiene interés en el cine y la historia. En tres episodios, el documental relata el recorrido de los directores John Ford, William Wyler, Frank Capra, John Huston y George Stevens desde la cima de Hollywood hasta el frente de batalla durante la Segunda Guerra Mundial. Además, el documental presenta entrevistas a cinco cineastas contemporáneos a modo paralelo de los héroes del cuento. Ellos son Steven Spielberg, Guillermo del Toro, Paul Greengrass, Lawrence Kasdan, Francis Ford Coppola.

Escúchame  Marlon

Reconocido por diversos medios como “una obra de arte” y “uno de los mejores documentales”. Trata sobre Marlon Brando, el actor, director y activista político a quien atribuyen el realismo a la actuación cinematográfica. Su papel más famoso sería el de ‘El padrino’. El documental compila audios privados que el actor grabó en su casa, en reuniones de negocio, durante hipnosis, terapia.

Salida por la tienda de regalos

Banksy es el artista urbano y grafitero más famoso del mundo. Su trabajo está, literalmente, en todas partes. Desde Nueva Orleans, hasta la franja de Gaza. El documental tiene detalles minuciosos sobre el ritual del famoso grafittero que se ha mantenido en el anonimato por tanto tiempo: Banksy. Finalmente se centra en Thierry Ghetta, un artista francés que vive en Los Ángeles.

Marina Abramovic: La artista está presente

Presenta la carrera de Marina Abramovic, la artista conceptual serbia. Además, brinda una mirada a su exhibición retrospectiva “La artista está presente” que se llevó a cabo en el MoMa. De hecho, fue la más grande exhibición en la historia y  presentó a la artista en una ‘pieza estática’ por 736 horas y 30 minutos. El documental la mira preparándose para la exhibición, entrevistas y todo su trabajo.

Resumen: El arte del diseño

Cada episodio sigue a un diseñador mientras trabaja en un proyecto. Puedes ver qué pasa en su cabeza cuando diseñan, qué los inspira y más. Incluso dónde nacieron y cómo llegaron a ser quienes son.

Without Gorky

Un cineasta entrena a la cámara en su propia familia y examina el impacto que abuelo, el problemático artista, Arshile Gorky tuvo en tres generaciones. El centro del filme muestra conversaciones en el director, Cosima y su abuela, Mougouch, El suicidio de Gorky, pintor expresionista aún retumba en las relaciones de la familia.

Raiders!: La historia de la película de fans más grande más hecha

 Trata sobre un grupo de niños en los años 80 que intentan hacer un remake de Los cazadores del Arca Perdida (1981). Se sumergen en el proyecto y, finalmente, les tomaría siete años completar todo, excepto una escena: la del avión. Treinta años más tarde, se disponen a terminar su película de fans y realizar su sueño de infancia.

Sinatra: To Be Frank

Una retrospectiva exclusiva del intérprete legendario. Presenta una colección de cosas contadas por las personas que lo conocían bien y se inspiraron con su música. Además, el documental va desde la niñez de Sinatra, su adolescencia y lealtad con amigos, alianzas políticas e incluso los altibajos de su carrera como cantante y actor. 

Floyd Norman: Una vida animada

En 1956, Floyd Norman hizo historia al convertirse en el primer animador afroamericano en ser contratado por Disney. El documental “Floyd Norman: Una vida animada” presenta una mezcla de secuencias animadas originales, entrevistas y grabaciones de archivos para conocer a Norman. Tras su importante rol en la creación de películas como “La bella durmiente” y “101 dálmatas”, aún trabaja como mentor y artista, aunque se jubiló en 2000. A sus 80 años, sigue impactando en la animación.

La exposición de los 100 años

Un documental sobre la artista cubano-americana, Carmen Herrera, quien ha estado pintando desde su juventud en Cuba. Pero no logró éxito comercial  (como muchos artistas durante ese tiempo) por su raza, género o nacionalidad. Filmado poco antes de que Carmen cumpliera 100 años, el documental presenta la extraordinaria vida y obra de la pionera en el movimiento abstracto-minimalista. 

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“De niña, nunca me negaron recorrer libros de arte, pintar con lápices en las paredes, ni dejar mi imaginación fluir con los dedos empapados de tinta”. Por ello, creció gustando del arte.

Como artista, ella encuentra inspiración en, básicamente, todo. Desde organismos unicelulares, multicelulares, órganos, sistemas mecánicos, gestos, pensamientos y encuentros. De hecho dice: “Todas las formas que se expanden, fluyen y vibran”.

Por otra parte, Ana no definiría su trabajo con un estilo en específico. “Soy una artista visual contemporánea, que desarrolla trabajos de dibujo, pintura, instalación y rendimiento”. Además, ella considera a Joseph Beuys, Bruce Nauman, On Kawara, Edith Derdyk, Monika Weiss, Julie Mehretu, Matthew Ritchie y otros como algunos de sus refentes.

Ana tiene el título de artista visual de la Universidad Federal de Espíritu Santo y una maestría en Artes en la misma institución. Ha tenido diversas exhibiciones en Vitória, Brasil. Entre ellas “Cadaver Esdrúxilo Exhibition”, “Graduartes Exhibition”, “Elementares”, “Ars Mirabilis Prize Exhibition”, “Exposição Ocupa 2014”, entre otras.

Actualmente, se desarrolla su segunda exhibición individual “Entre Corpos” en Casa Porto das Artes Plásticas. “Esta es la continuación de mi investigación, que inició con la exhibición “Elementares” presentada en 2014”, indica Ana. Además, cuenta que el dibujo está construido sobre largas tiras de papel blanco. Las cintas atraviesan las paredes y el techo del espacio, forman cortinas, capas, columnas. “Dentro de un espacio temporal de experimentación, ‘Entre Corpos’ presenta una experiencia  entre el dibujo, la instalación y el rendimiento, que debe ser experimentada durante la exposición”. indica. 

Con todo lo que De Sena ha experimentado y aprendido, su consejo para quienes gustan del arte es: “Estudien. Reflexionen en lo que quieren del arte y desarrollen lo que creen”.

Para más información puedes visitar: Behance| Entre Corpos

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Aptitudes artísticas

Lo más básico para todo ilustrador es desarrollar competencias en el mundo del arte, tales como saber dibujar y pintar de forma clara y precisa. Esto va de la mano, asimismo, con tener conocimientos sobre la anatomía humana y animal, ya que es importante poder plasmar la perspectiva de sus movimientos y así lograr que los dibujos sean más dinámicos. Muchos ilustradores empiezan pintando de forma manual, es en el proceso posterior cuando pasan sus obras a plataformas digitales.

Dominio de la Teoría del color

Conocer la teoría del color, es decir, el círculo cromático, los colores opuestos y complementarios, y la psicología que hay detrás de cada tonalidad, es algo primordial para transmitir ideas, conceptos o sentimientos a cada ilustración o diseño, al igual que las diferentes texturas, formas y volúmenes que vayan de acuerdo a una determinada estética o método artístico.  Por ejemplo, según la teoría del color, el azul es un color melancólico, entonces si una ilustración debe transmitir sentimientos tristes, la paleta de colores tiene que contener tonos azules.

Manejo del Lenguaje visual

Esto se refiere a la composición de una imagen: La forma en la que los elementos que componen el espacio deben estar distribuidos en base a jerarquías, las cuales permiten que el ojo humano vea primero el punto de mayor interés de la imagen, y los secundarios de forma sucesiva y en un orden determinado. En este punto, se podría utilizar lo que en fotografía se llama “la regla de tercios”, que consiste en poner dos líneas imaginarias de manera horizontal y vertical, y colocar los elementos importantes en los puntos de intersección. Según esta regla, los objetos en estos puntos de interés será lo primero que vea el ojos humano al ver la imagen. 

Nivel Avanzado Photoshop e Illustrator / Corel Draw

Saber utilizar los programas por excelencia de ilustración, tales como Adobe Photoshop, Illustrator y Corel Draw en un nivel avanzado. Para poder desarrollar diseños que implican de más exigencia, el profesional debe saber cómo aplicar las herramientas que ofrecen estos problemas. En el caso de Illustrator, saber sobre vectorización y colorización. Mientras que en Photoshop, es necesario que sepa sobre el uso de pinceles, máscaras y control de la iluminación. Es ideal para todo ilustrador, también, conocer sobre fotografía: modificación, composición y retoque de imágenes.

Atención al detalle

Un ilustrador siempre debe cuidar el mínimo detalle en su diseño que el ojo humano sea capaz de percibir, sobre todo cuando se trata de dibujos de grandes dimensiones que serán impresos. Es por ello que, al trabajar en programas como Illustrator, donde se realizan dibujos mediante el uso de vectores, es ideal utilizar, de cuando en cuando, la herramienta de zoom al máximo para asegurar que cada detalle esté perfecto. El uso de una wacom también aporta para que el dibujo sea realizado con mejor precisión, ya que es como si el diseñador estuviera dibujando a mano alzada.

Creatividad Infinita

Este punto es básico para todo aquel que se dedique al campo de la ilustración, que, si bien es una cualidad casi innata en todo artista, no hay que dejar de tener en cuenta que las ideas que funcionan con mayor frecuencia y logran sorprender al cliente son las que diferenciadas e innovadoras. Ser creativo supone también que el artista vaya desarrollando un estilo único y original.

Manejo de la Psicología de imagen

Es decir, saber discernir entre los aspectos cognitivos, socioculturales y tecnológicos que envuelven los diferentes contextos en los que vivimos, ya que es de acuerdo a esto que cada público interpreta una imagen de un determinado modo. Por ejemplo, para personas que están gestando o que ya están cumpliendo el rol de madre, se sentirán más afines a diseños de maternidad, a comparación de personas que aún no han pasado por esta experiencia.

Habilidades de negociación

El mundo del diseño está asociado al mundo del marketing: Al trabajar un diseñador para diferentes clientes, este debe tener la capacidad de persuadir y vender su producto, asegurándoles que sus necesidades estarán cubiertas. Además es en esta parte en donde el profesional puede negociar el costo de su proyecto, ya que si aplica bien los argumentos que respaldan su cotización, entonces podrá cerrar fácilmente con clientes y al precio que merece recibir.

Saber trabajar con plazos de entrega

En el campo de la ilustración y el diseño, si bien es lo común tener un concepto del trabajo más flexible, ya que muchas veces se trabaja para determinados clientes, estos suelen pedir el producto listo para una determinada fecha, a la cual el ilustrador debe ceñirse. Saber lidiar con aquellos consumidores que piden muchos cambios, a pesar de tener ya el producto final, es otro aspecto primordial para todo aquel que se dedique a este campo.

No dejes de investigar y aprender sobre cada uno de estos aspectos para que puedas seguir desarrollándote en este fabuloso campo artístico: Siempre busca perfeccionar tus competencias practicando con los programas de ilustración y desarrollando nuevos conceptos y estilos en tu trabajo, los cuales comuniquen y generen impactos positivos en todo aquel que lo vea.

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A inicios de la década de 1980, Thorsten compró su primera cámara analógica, con la que salía a la calle a fotografiar cada cosa que aparecía frente a su lente. Fue así como, casi jugando, empezó a hacer arte. Fue recién en 1990, sin embargo, cuando asistió por primera vez a una exhibición fotográfica, que surgió en él un profundo interés por el arte, por el cual decidió que tenía que dedicarse profesionalmente a ello.

Thorsten se deja inspirar por todo aquello que ve en su día a día cuando sale a la calle para realizar su trabajo: la gente en su vida cotidiana, aquellos detalles que suelen pasar desapercibidos en cada acción o situación, como también, cada escena que genere contraste entre los diferentes elementos que la componen.

El hecho de hacer fotografía callejera, de por sí, significa un gran reto para él, pues realizar esto implica muchas veces retratar personas en la calle a las que no conoce: acercarse a ellas con su lente e incluso invadir, parcialmente, sus espacios para lograr las fotos deseadas. Sin embargo, el resultado final es algo totalmente fascinante para él, y es aquello que lo motiva a seguir haciéndolo siempre.

Si bien, la mayor parte de su trabajo es en blanco y negro, Thurston también captura geniales imágenes a color, que siguen el mismo estilo:

Para hacer sus trabajos, Thorsten Koch utiliza un lente zoom de 17-55mm f/2.8. Los lentes angulares son muy útiles para realizar fotografía callejera, pues además de darle dinamismo a las fotos, debido a las deformaciones del espacio obtenidas por el objetivo, exige también al fotógrafo a acercarse más a su escena a fotografiar, debido a la focal corta del lente.

“¡Sigue tu corazón y dile a todo el mundo lo bello que es el arte!” es lo que aconseja Thorsten a todos los que quieran ser profesionales en fotografía.

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Diego se inició en este campo hace 10 años, en 2007. Su interés por la fotografía no era reciente: para entonces, contaba con una cámara compacta de alta gama y con ciertos ajustes manuales con la que fue instruyéndose poco a poco en este arte, de forma autodidacta. Fue su esposa quien le regaló su primera DSLR, al ver su profundo interés por capturar mágicas escenas cuando él cumplió 30 años. “Aquí es cuando empieza en serio mi recorrido, realizando un curso sobre fotografía básica para entender la técnica y las funcionalidades de la cámara”, nos cuenta.

Al principio, se dedicaba a estudiar la técnica fotográfica, y ya posteriormente, la composición del encuadre y la construcción del mensaje a través de la imagen. “Esta es la parte complicada, ya que es un recorrido muy largo, cuya evolución está directamente relacionada con las vivencias, cultura, momento y lugar del autor”.

Su mayor fuente de inspiración son los fotógrafos de naturaleza: Actualmente, sigue a varios de su país que publican de forma activa en medios internacionales. También se deja inspirar por muchos fotógrafos clásicos al leer sus biografías y conocer su obra, pues le resulta increíble lo que algunos de estos hacían con la tecnología de la época, prolongando exposiciones o utilizando filtros de gran volumen, como Ansel Adams y su sistema de zonas. “La inspiración igual que está ausente, llega de forma inesperada. Hay que estar atentos y con los ojos bien abiertos a todo lo que nos rodea. Cuando no hay inspiración, ejercitarse es un buen método para descubrir nuevos retos fotográficos”.

Hoy, Diego se encuentra trabajando en la pre-producción de un proyecto que significará un gran reto para él: estudia, por el momento, las alternativas más viables antes de ponerse manos a la obra, pues muchas veces sucede que, por tratarse de temas de bajo interés o por motivos de dificultad para obtener ciertos permisos, este tipo de ideas se abandonan. Sin embargo, Diego tiene ya ideas sólidas, de las cuales nos habla un poco: “Puedo adelantar que está ligado con la naturaleza y los distintos estados del agua. En ellos pienso reflejar, también mediante abstracciones, la esencia en la naturaleza, buscando por ejemplo en el movimiento que produce un río, el viento, los fenómenos meteorológicos, etc.”

Las fotografías que más le gustan son las que muestran la naturaleza en su estado puro: Desde un bonito paisaje con un momento de luz único que crea toda una atmósfera especial, hasta algún acontecimiento impactante, como la erupción de un volcán. “Me asombran las fotografías de animales en acción, porque entiendo la gran dificultad no tan solo de estar en el lugar, sino en la técnica que conlleva realizarlas. Admiro mucho a quien consigue ese tipo de tomas. No dejo de lado los aspectos más transcendentales que se pueden reflejar a través del ser humano”, explica.

La cámara que utiliza es una Nikon D800 con lentes 14-24, 24-70 y 70-200mm, pero ahora anda en busca de un objetivo macro para realizar tomas de seres pequeños y abstracciones, los cuales están entre sus más recientes intereses. Para sus tomas, también usa un Trípode Manfrotto, una rótula Gitzo, un Sistema de portafiltros 165 de Lucroit con filtros ND, degradados e inversos, flashes y disparador remoto.

Por último, Diego considera que para llegar a ser un gran fotógrafo, hay que sentir verdadera pasión: “Somos muchos y no es fácil hacer algo diferente que haga que tu trabajo pueda ser valorado. Evolucionar requiere estudio continuo y mucha constancia y dedicación”, aconseja a todos los que aspiren a este arte.

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Su primer contacto con la fotografía fue gracias a su mejor amiga: “Cuando nos conocimos, ella ya tenía una experiencia de dos años tomando fotos. Yo me sentí inspirada por su afición, por lo que comencé a hacer mis propias fotos también. Simplemente me encantó, y ahora ya no puedo imaginarme mi vida sin una cámara“, precisa.

Pese a que no se considera aún una artista, Daniela siempre trata de seguir lo que siente, buscando inspiración en aquello que la rodea, especialmente de elementos de la naturaleza. Muchas de sus ideas, también, nacen de observar el trabajo de sus fotógrafos favoritos, tales como Marta Bevacqua, quien es uno de sus principales referentes.

Para Daniela, cada proyecto es un reto, ya que no considera que haya encontrado su propio estilo aún: “La mayor parte del tiempo no me siento convencida por mis resultados finales, es bastante extraño tener esa sensación al terminar con mis trabajos. De todos modos, creo que lo más importante a la hora de fotografiar es ser yo misma y dar lo mejor de mí para mejorar mi técnica”, nos dice.

Lo suyo son los retratos, pues para ella, este es el tipo de fotografía más expresivo. “También me encantan los paisajes y la fotografía de viajes, pero no me considero tan buena para ello”, comenta.

Por ahora, ella utiliza una cámara Canon 6d y un lente Canon 50mm 1.4.

Para todo el que quiera seguir este fascinante arte, Daniela aconseja lo siguiente: “Sigue disparando, una y otra vez. Nunca pares, incluso si no sientes que has logrado hacer la fotografía que querías. La mayoría de veces tal vez tu trabajo no te satisfaga, pero debes seguir siempre tratando de hacer algo nuevo. Observa a tu alrededor y deja que ello te inspire”.

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