Qué son las técnicas de dibujo 

Las técnicas de dibujo son consideradas herramientas esenciales para empezar a dibujar. Con el tiempo, se han desarrollado varias técnicas que se basan en el manejo de diversos materiales, tales como: el carboncillo, lápiz, grafito, bolígrafo, óleos, entre otros. Sin embargo, no solo se caracterizan por el tipo de material usado. También pueden diferenciarse por el estilo y el lienzo empleado. 

Aprender a manejar estas técnicas de dibujo te ayudará a conseguir buenos resultados a la hora de dibujar. Ya que, son útiles para saber cómo plasmar los trazos y las líneas que conforman un dibujo. Solo necesitas practicarlas continuamente para volverte todo un experto. 

Cuáles son las técnicas del dibujo

Las técnicas de dibujo son muy diversas. Cada una de ellas experimenta con distintos materiales y superficies. Por eso, no todas pueden aplicarse en un mismo dibujo. Sin embargo, todas expandirán tus posibilidades de crear increíbles obras. A continuación, las técnicas de dibujo más usadas: 

Dibujo a lápiz, una de las técnicas de dibujo ideal para principiantes

Esta técnica es aplicada en dos etapas. En la primera, se dibujan las líneas guías o figuras básicas que formarán el esqueleto del dibujo. En la segunda, se realiza el sombreado del esquema del dibujo realizado inicialmente. 

Para llevar a cabo el dibujo a lápiz, existen distintas graduaciones de lápices. Estas volverán el trazo más o menos duro, influyendo directamente en el sombreado. De allí que, en algunos elementos, el sombreado otorgue mayor profundidad.  

Los sombreados se pueden realizar a través de un zigzagueo abierto con el lápiz, realizando líneas paralelas o líneas dispares. Otras formas de sombreado, casi nunca usadas, se realizan con el circulismo y el suavizado. Estas maneras de hacer sombras consisten en pasar un papel o una tela sobre el grafito del dibujo. El efecto de ambas le brindará otra apariencia a tus dibujos.

Conocer sobre los lápices especiales para dibujo también te ayudará a llevar a cabo, de manera profesional, la técnica de dibujo a lápiz. Los de formato estándar se utilizan a menudo para dibujar. Debido a que, estos vienen en una variedad de estilos y tamaños; y contienen minas blandas o duras. Cuanto menor sea el número del lápiz, más suave será la mina. Cabe señalar que las blandas son utilizadas para añadir matices y tonos, mientras que las más duras se utilizan para trazar los contornos.

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Actualmente, existen 5 principales tipos de ilustración digital, las cuales se diferencian por su estilo o por la mezcla que aún tienen con el dibujos tradicional. En esta nota te mostraremos cuáles son y qué características tienen cada una.

1. Las ilustraciones realistas, une la ilustración tradicional y digital

Es una técnica que mezcla lo tradicional y digital . Las ilustraciones realistas, tienden a ser una de las preferidas por los diseñadores, por el efecto que logra en los espectadores. Además, suele ser uno de los dibujos en el cual se necesita más tiempo, por el acabado en detalles . 

En esta técnica algunos comienzan el bosquejo a mano y terminan pasando su creación al programa digital. Para poder realizar estos proyectos, se utilizan las herramientas de programas como: Abode Illustrator y Adobe Photoshop. 

Fuente: Paintable

2. La ilustración digital vectorial, exclusivamente digital

Es el estilo más utilizado a la hora de diseñar flyers, banners, publicidades, caricaturas, logos, etc. En la ilustración digital vectorial, se crean dibujos mediante trazos y figuras. Además es una de las técnicas más fáciles de aprender, y si están interesados en dominarla, pueden llevar cursos de diseño. Un punto a favor de este estilo, es que es exclusivamente realizado en programas digitales. Se puede vectorizar en Illustrator, aunque hay otros, que en la actualidad, utilizan Corel Draw. 

3. La ilustración al estilo de un cómic, une lo vectorial con lo tradicional

La ilustración al estilo de un cómic son las que vemos en las historietas de compañías como Marvel y DC, para realizarla, se necesita hacer un boceto, diseño, pintado, impresión, etc. Uno de los métodos más utilizados es el tinteo, lo que vendría a ser las rayas marcadas en los dibujos, creando la ilusión que éste se vea más real.

Este tipo de dibujo digital une gran parte de las técnicas tradicionales y vectoriales. Así mismo se puede llegar a diseñarla solo digitalmente; aunque algunos prefieren dar sus últimos retoques a mano. Para poder hacer el cómic se utiliza herramientas de Adobe Photoshop y Abode Illustrator.

Fuente: Publimetro

4. La ilustración en Pixel Art, el más utilizado en los videojuegos

El estilo de la ilustración en pixel art es mayormente utilizando en los videjuegos y nos hace retroceder a los 90’s y comienzos del 2000, época en que éstos tomaron mayor protagonismo. Básicamente, consiste en realizar dibujos formados por cuadrados uniformes, de tal modo que esté pixeleado intencionalmente. También, se pueden diseñar algunas imágenes, dando una apariencia retro y vintage al finalizar el proyecto. Para realizar este tipo de diseño, Adobe Illustrator es nuestra mejor aliado.

Fuente: Pinterest

5. La Ilustración collage mixed media, une las fotografías con los vectores

Gracias a las herramientas de Adobe, los diseñadores tienen el poder de dejar fluir su creatividad en la ilustración collage mixed media. Tanto Illustrator como Photoshop, agregan nuevas técnicas a la hora de diseñar. Es así que en cada actualización del programa salen nuevas opciones que se puede utilizar al momento de diseñar.

Se centra básicamente en crear collage y llegar a mezclar varios estilos. Por lo cual se crea una gran variedad de proyectos. Incluyendo fotografías, vectores, y dibujos a la vez. Por lo general, tienden a ser proyectos abstractos, y se suele utilizar más para las revistas y publicidades de arte. 

Fuente: Deviart

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Dónde pintar una imagen 

Las aplicaciones para dibujar y colorear son una gran opción para los amantes del dibujo. Actualmente, dibujar y pintar una imagen es muy práctico desde un dispositivo electrónico. Por eso, si te gusta pintar y dibujar ilustraciones, cómics y animaciones es momento de que incursiones en el mundo del arte digital. Ya sea desde tu PC, tablet u otro dispositivo electrónico, podrás explotar todo tu talento con las aplicaciones para pintar. 

Cuál es la mejor aplicación para pintar 

Las aplicaciones para pintar y dibujar son muy diversas. Pues, existen aplicaciones tanto profesionales como básicas. Todo niño, joven o adulto puede hacer uso de estas herramientas. Solo necesitas pasión por el dibujo. A continuación, te mencionaremos las 30 mejores aplicaciones para pintar que te ayudarán a desarrollar tu talento de la manera más práctica.

Autodesk SketchBook, una de las aplicaciones para pintar más recomendada 

Cualquier persona que guste de dibujar y pintar puede usar Autodesk SketchBook. Es una de las mejores aplicaciones para pintar por su conjunto de funciones de nivel profesional y sus herramientas personalizables. Con esta app podrás dibujar, pintar y crear bocetos de manera gratuita desde tu PC y teléfono inteligente.

En Autodesk encontrarás una interfaz apropiada para realizar tus primeros trazos, utilizando los más de 130 pinceles. Una ventaja de esta aplicación es que cuenta con reglas, guías y herramientas de trazo que te brindarán precisión al pintar. También, podrás dibujar en capas y lienzos de diversos tamaños para agregar distintas paletas de colores a tu diseño. 

Para personalizar más herramientas, obtener mayores beneficios y descargar tus dibujos en PDF puedes suscribirte a su plan Premium. Autodesk SketchBook cuenta con una puntuación de 4.1 en Google Play y de 4.8 en App Store.

• Web/Android/iOS

Tux Paint, un software para amateurs 

Tux es una herramienta que surgió del mundo del software libre y las distribuciones GNU/Linux. Pero, también está disponible para Windows y macOS. Esta es una de las aplicaciones para pintar más sencillas que encontrarás en internet. Pues, fue desarrollado para niños de 3 a 12 años. Si quieres empezar a dibujar y pintar digitalmente, esta es una buena herramienta. 

A pesar de que posee una interfaz no muy moderna, es muy sencilla de utilizar. Y cuenta con herramientas suficientes para pintar y dibujar. Incluye también una colección de efectos y plantillas que puedes utilizar en tus dibujos. 

• Web

Corel Painter, aplicación para colorear creada por artistas para artistas 

Esta aplicación es una herramienta profesional. Suele ser la favorita de los profesionales de la fotografía y diseño por sus variadas funciones y compatibilidad de archivos. Corel Painter te ayudará a dar el salto de la pintura tradicional a la digital. Ya que, puedes aprender sobre la marcha con las ayudas de la aplicación. 

Los cientos de pinceles realistas de Corel Painter te harán sentir como si estuvieras pintando en papel. Con esta aplicación para pintar, tus piezas artísticas tendrán estilos originales con texturas de papel, funciones de arte fotográfico, pinceles personalizables y mucho más. Adicionalmente, podrás guardar tus archivos en PSD y exportar a JPEG, PNG, TIFF, GIF, EPS. La app cuenta con un puntaje de 4.2 en App Store. 

• Web/iOS

Paint Tool SAI, una de las aplicaciones para pintar y dibujar digitalmente

Paint Tool SAI es una herramienta ideal para empezar a dibujar y pintar digitalmente. Pues, posee una función de estabilizador de trazo. Solo necesitarás calibrar tu tableta gráfica para que tus dibujos sean más fluidos. Esta aplicación te ayudará a recrear y pintar tus ilustraciones de una forma sencilla, debido al espacio de trabajo que tiene. Aunque a simple vista su interfaz parece un poco desfasada, los resultados dan mucha satisfacción.

• Web

Clip Studio Paint, aplicación para dibujar y pintar cómics y manga

Para los amantes del manga y de los cómics, esta aplicación para dibujar y pintar anime es una de las más recomendadas. Clip Studio Paint es usada por muchos usuarios, debido a sus más de 1000 herramientas actualizadas de dibujo. Estas logran que la creación de historietas, manga y animaciones sea profesional. Además, posee más de 40 000 pinceles gratuitos y premium de la comunidad de usuarios. 

Esta es una de las aplicaciones para pintar que brinda apoyo a la formación de los artistas. Ya que, ofrece cursos gratuitos en su página web y canal oficial de YouTube. También puedes descargar más de 100 000 materiales creados por la comunidad. Clip Studio Paint cuenta con una puntuación de 3.6 en Google Play y de 2.7 en App Store.

• Web/Android/iOS

Zen, una de las aplicaciones para pintar gratuitas 

Esta aplicación es perfecta para los amantes de las mandalas. Ya que, puedes encontrar varias plantillas de mandalas y pintarlas a modo de ejercicio de relajación. Sabemos que colorear este tipo de dibujos con el ratón no ofrece la misma sensación que hacerlo en un cuaderno. Sin embargo, puede ser una manera rápida y barata de iniciar en la pintura de mandalas.

La aplicación ofrece alrededor de 250 diseños para colorear. Cuenta con una interfaz sencilla, en la que solo debes seleccionar los colores y aplicarlos. También tienes goma de borrar por si te equivocas. Incluso te brinda la función de zoom. Cuando termines de pintar, podrás compartir las mandalas con tus amigos desde la aplicación. 

• Microsoft Store/iOS

Krita art, una de las aplicaciones para pintar ilustraciones 

Esta aplicación para dibujar y pintar fue desarrollada principalmente para la pintura digital y las ilustraciones. Sin embargo, también permite realizar retoques en imágenes vectoriales y utilizar sus variados efectos y pinceles. Lo mejor es que podrás trabajar cómodamente con su interfaz completa. Es una herramienta bastante sencilla y fácil de usar, por lo que es considerada una buena opción para dibujar y pintar a través de la PC, laptop u otros aparatos electrónicos. También cuenta con estabilizadores de pincel, paleta emergente, modo de envoltura y administrador de recursos.

Krita es una aplicación de software libre y totalmente gratuita, teniendo versiones para Windows, Linux y macOS. La app cuenta con más de 500 mil descargas en Google Play.

• Web/Android

Gimp, un programa muy versátil 

Si usaste Photoshop y tuviste complicaciones, este editor de dibujos y fotos hará todo más sencillo. Gimp posee las mismas funciones que tienen los grandes programas de diseño. Pues, con él puedes crear logos, retocar y componer imágenes, hacer dibujos en formas libres y fotomontajes. Esta es una de las aplicaciones para pintar más completas. Incluso, te permite trabajar gráficos en diferentes formatos como XCF, BMP, GIF, HTML, JPEG, PNG, EPS, PSD, TIFF, entre otros. 

Este editor de imágenes de código abierto y gratuito está disponible para su descarga en sistemas operativos GNU – Linux, OS X, Windows y macOS. La app cuenta con un puntaje de 2.6 en Google Play y de 2.4 en App Store.

• Web/Android/iOS

Pinta, herramienta de dibujo y pintura 

Pinta es una aplicación centrada en dibujar y colorear. Tiene una interfaz bastante parecida a Paint, pero con algunas opciones extra. Un gran beneficio de usar el programa es que podrás ver tu historial completo de acciones. La aplicación guarda cada paso que has dado en tu dibujo. Incluso brinda la posibilidad de añadir múltiples capas. También hay que resaltar su colección de 35 ajustes y efectos para modificar tus imágenes.

• Web

ArtWeaver, una de las aplicaciones para pintar que debes probar 

ArtWeaver es una aplicación que te permitirá pintar rápidamente tus dibujos. Aunque no cuenta con una amplia gama de pinceles, es un óptimo programa de dibujo. Tendrás acabados únicos porque sus 19 pinceles realistas logran estilos caligráficos, artísticos, efecto tiza, acrílico y carboncillo. Esta es una de las aplicaciones para pintar que te ofrece diversos efectos de texturas para tus dibujos. Además, te permite modificar imágenes degradando sus colores y más.

Esta herramienta parece estar enfocada para trabajos profesionales. Sin embargo, es fácil de utilizar aún si no posees conocimientos tan avanzados. Tiene una modalidad de pago con funciones avanzadas, pero también una gratuita con lo básico. Podrás dibujar con tu ratón o con la pantalla táctil de tu dispositivo electrónico cuando quieras. 

• Web

Inkscape, editor de gráficos vectoriales

Con este editor de gráficos vectoriales, podrás pasar tus dibujos a vectores en pocos minutos. Su interfaz es fácil de entender y ofrece herramientas flexibles de dibujo, compatibles con varios formatos de archivos. Puedes utilizar Inkscape para crear y editar diagramas, logotipos, gráficos e ilustraciones. Además, puedes usar los marcadores en el trazado y cualquier tipo de fuente para generar texto. 

Inkscape ha sido un programa libre por mucho tiempo, por eso tiene una enorme comunidad de usuarios. Esta comunidad brinda diversos materiales para ayudarte a empezar y perfeccionar tus habilidades.

• Web

Procreate, app para dibujar digitalmente

Es una de las mejores aplicaciones para pintar y dibujar en iPad o iPad Pro.  Sin embargo, su licencia tiene un costo. Procreate posee cientos de pinceles, una colección de herramientas artísticas innovadoras, un sistema profesional de capas, entre otras características. 

Su interfaz es fluida y asegura una buena experiencia al momento de dibujar y pintar. Permite personalizar pinceles, reglas de perspectiva, herramientas de texto, entre otros. Incluso, puedes hacer bocetos, pinturas, ilustraciones y animaciones de gran resolución. Es una aplicación profesional, pero cualquier amante del dibujo digital puede usarla. Solo hay un aspecto negativo: no se puede insertar texto. Por lo tanto, esta no es una app para dibujar un cómic. 

• Web/iOS

Affinity Designer, una de las aplicaciones para pintar dibujos en vectores

Si quieres probar un programa para vectores parecido a illustrator, es momento de usar Affinity Designer. Esta aplicación ofrece un paquete de herramientas adecuado para la pc y los ipads. Su funcionamiento es más ágil que otros software y posee un diseño elegante. Además, puedes escoger el tipo de interfaz a tu gusto y ordenar los paneles para tu comodidad. Para pintar tus dibujos, Affinity Designer te brinda pinceles, texturas, superposiciones y plantillas.

• Web

Fresh Paint, una de las aplicaciones para pintar y dibujar de Microsoft

El resultado de tus pinturas se verán muy reales con este programa. Gracias a Fresh Paint podrás generar pinturas en acuarelas, lápiz, óleo y pluma. Además, tú decides si empezar con un dibujo desde cero o importar una fotografía y convertirla en un hermoso cuadro. Pintar con esta aplicación es muy sencillo. Lo bueno es que es compatible con Windows 10 y 8. Su descarga es gratuita aunque incluye algunas compras en el sitio web.

• Microsoft Store 

Sketchable, aplicación para hacer dibujos rápidos y borradores

Sketchable es una aplicación muy funcional. Permite escribir una nota, tomar y editar una foto e importar y aumentar una imagen. Incluso te deja pintar un dibujo para compartirlo con tus amigos y familiares. Además, posee una función para organizar tus dibujos en diferentes libretas. De ese modo, podrás generar dibujos para diversos proyectos y con diferentes temáticas organizadamente.

La versión gratuita de la aplicación te permite utilizar sus herramientas esenciales. Estas son suficientes para quienes quieran pintar un dibujo. Sin embargo, puedes pagar para obtener herramientas más avanzadas como la edición por capas. Una de sus principales ventajas es que podrás exportar los archivos como PSD. De este modo, les podrás dar un acabado final en programas como Adobe Photoshop.

• Microsoft Store 

Ibis Paint X, una aplicación para compartir 

IbisPaint X te permite compartir el proceso de tus creaciones para conocer la opinión de otros usuarios. Esta aplicación de dibujo es muy sólida, debido a su gran cantidad de herramientas. Además, te permite elegir el tamaño del lienzo en el que vas a dibujar y pintar.

La aplicación cuenta con 142 tipos de pinceles personalizables, capas, filtros, entre otras herramientas. También, tiene plantillas con dibujos específicos, como manga. E incluye un pequeño vídeo del proceso de tu dibujo en cámara rápida. Sus reglas de simetría te ayudarán a tener mayor precisión en tus trazos. 

• Web/Android/iOS

Graphiter, dibujos a grafito

Con esta aplicación de Microsoft podrás crear dibujos a grafito en formato digital. Graphiter te brinda diferentes tipos de lápices, desde 2H hasta 8B. Gracias a eso, mejorarás el uso de los tonos claros y oscuros para un acabado realista. También, tiene una herramienta que simula la goma de borrar para corregir cualquier área del dibujo. 

Lo mejor de Graphiter es que te permite organizar tus creaciones en diferentes libros virtuales. De ese modo,  tendrás todos tus dibujos ordenados a tu gusto. También podrás exportarlos en JPG o PNG.

• Microsoft Store 

Tracing, otra de las aplicaciones para pintar y dibujar de Microsoft

Si quieres empezar con trazos sencillos, esta aplicación es ideal. Tracing te brinda una regla digital para que tus trazos sean más precisos. Además, posee un deslizador de transparencia que te permite escoger hasta donde quieres ver la imagen que estás trazando. Posee un zoom de 800% para lograr mejores detalles en tus dibujos. Incluso, ofrece una variedad de bolígrafos y plantillas.

• Microsoft Store 

MedibangPaint, una útil herramienta para aprender a crear historietas 

Puedes aprender a dibujar cómics con MedibangPaint. Esta es una de las aplicaciones para pintar que te permitirá dibujar cuando quieras. Se puede instalar en android, iPhone, tablets y PC. Además, tendrás un espacio en la nube, así que todo lo que realices se guardará. También podrás colaborar en las historietas de otros artistas. Incluso, puedes permitir que colaboren en las tuyas. MedibangPaint cuenta con diferentes fondos, tonos, pinceles y tipos de letra personalizables. Todo lo que cualquiera necesita para crear historietas está en esta aplicación.

• Web/Android/iOS

FireAlpaca, otra de las aplicaciones para pintar más funcionales 

Este programa gratuito es muy liviano y posee una interfaz intuitiva. Con FireAlpaca tendrás a tu disposición varias herramientas que en otras aplicaciones solo están disponibles en versión premium. No obstante, tiene una desventaja. No tiene opción de autoguardado. Dejando de lado ese aspecto, los bocetos con estilo de acuarelas, tinta y pluma se verán fabulosos con esta aplicación.

• Web

SmoothDraw, programa básico de dibujo y pintura digital

SmoothDraw posee una interfaz simple de usar. Es perfecto para realizar dibujos a mano alzada y pintarlos a tu gusto. Pues, este programa te ofrece diversos pinceles, acuarelas, aerógrafos, rotuladores, entre otras herramientas. También puedes crear texturas, añadir filtros y efectos y hacer retoques a tus imágenes. Lo mejor de esta aplicación básica es que podrás trabajar en capas. Así tendrás una mayor comodidad, precisión y calidad en tus dibujos.

• Web

Skencil, otro de los programas que vectoriza tus imágenes

Utilizar Skencil es muy sencillo, ya que su interfaz es bastante comprensible. Además, este programa tiene lo esencial para que realices y pintes tus dibujos vectoriales. No es muy pesado de instalar en tu ordenador y tiene las mismas funciones que otras aplicaciones. Algunas de sus herramientas para dibujar y pintar incluyen: las curvas de Bézier, texto, curvas, rectángulos y elipses, rellenos degradados, grupos de mezcla y otros más. Después de vectorizar tus imágenes y pintarlas, podrás importarlas en diferentes formatos de archivo.

• Web

Paint 3D, una de las aplicaciones para pintar dibujos más sencillas de usar 

Este programa para dibujar ofrece diversos pinceles para que pintes tus dibujos de manera detallada. Su interfaz permite editar tus obras desde distintos lados y ángulos, utilizando diversas herramientas y texturas. Lo mejor de todo es que incluye un autoguardado para que conserves cada avance que realices. No te intimides por el dibujo 3D, ya que puedes empezar desde cero gracias a su doodle. Con Paint 3D querrás enseñarle a otros usuarios cómo realizas tus obras. Por eso, la aplicación te permite exportar un vídeo de tu proceso creativo.

• Android/Microsoft Store

ArtRage, una de las aplicaciones para pintar que se ajusta a tu dispositivo 

ArtRage ajusta la configuración de su lienzo a las características de tu dispositivo. Por eso, es una de las perfectas aplicaciones para pintar en tu tablet cómodamente. Además, los paneles de herramientas pueden ocultarse si lo deseas. De ese modo, tendrás una mejor visión de tu dibujo.

Los pinceles de este programa son muy realistas y ofrecen desde acuarelas hasta rotuladores. El acabado puede ser súper profesional, como si se tratara de un óleo a mano. También puedes obtener poderosas utilidades digitales. Algunas de ellas son: capas y Modos de Fusión, Trazado e Imágenes de Referencia que actúan como guías mientras pintas. 

Esta aplicación presenta una configuración que le permite saber cuánta pintura has usado para que pueda esparcirla por el lienzo. Incluso sabe qué tan húmeda está su pintura para que pueda mezclarse con otras. Por eso, es conocido como una app de simulación en vivo de las propiedades de los medios artísticos reales. Sin duda, podrás ser tan creativo como desees con este programa. 

• Web/Android/iOS

Photoshop, una de las aplicaciones para pintar más profesionales y completas 

Photoshop es el software más conocido por los diseñadores y fotógrafos profesionales. Pues, forma parte de la gran familia de Adobe Master Collection. Con este programa puedes realizar dibujos, crear banners asombrosos y composiciones fotográficas. También, podrás retocar los colores de una imagen. Incluso encontrarás efectos para hacer dibujos, pintar bocetos y mucho más. 

Lo mejor de todo es que te permite personalizar las herramientas. Con Photoshop puedes instalar tus propios pinceles y aplicar los filtros que más te gusten. Manejar este programa puede ser un poco complicado si no tienes conocimientos básicos de edición. Sin embargo, es una herramienta muy útil que brinda acabados profesionales. 

• Web

Mischief, programa para pintar bocetos digitales

Con este programa puedes realizar tus bocetos digitales en las tabletas y pantallas táctiles. Cuenta con 6 pinceles principales, texturas y más herramientas. Mischief brinda una experiencia similar a cuando dibujas y pintas con lápiz y papel. Sin embargo, te ofrece trabajar también con capas transparentes y vectores. Al finalizar, podrás exportar tus dibujos en formatos conocidos como JPG, entre otros. 

• Mac/Windows 

CorelDRAW Graphics Suite, programa para crear gráficos y pintar dibujos

Este programa lleva bastante tiempo en el mercado, por lo que es muy conocido. A pesar de su antigüedad, se ha mantenido en constante actualización por la demanda de muchos usuarios. Actualmente, posee herramientas muy innovadoras para crear gráficos y dibujos. Incluso podrás agregarle tu propio estilo y personalizar la interfaz a tu medida.

Al igual que Photoshop, es una de las aplicaciones para pintar, dibujar y retocar más elegidas por profesionales del diseño gráfico. Sin embargo, también es usada por amateurs. Esto debido a su fácil uso y variedad de opciones de ilustración con las que puedes realizar grandes obras.

• Web

Adobe Illustrator, una de las aplicaciones para pintar y vectorizar dibujos

Este es uno de los programas más completos para muchos expertos en diseño. Illustrator es perfecto para vectorizar imágenes y dibujos. Además, es una de las aplicaciones para pintar y dibujar más versátiles. Ya que, también podrás crear logotipos e ilustraciones vectoriales, como covers y fanarts, a tu propio estilo. 

Gracias a que se ha mantenido constantemente actualizado, posee varias de las mejores herramientas de diseño. Incluso este software posee una función de autoguardado para que tus ilustraciones estén a salvo en todo momento. Es una buena forma de asegurar el trabajo que pudo costarte horas. Y si no tienes conexión, igualmente podrás continuar trabajando. Todo lo que realizas se almacena en la nube.

• Web

Sandbox Coloring Pixel Art, aplicación para colorear y dibujar al estilo Pixel Art

La aplicación es muy modesta y pequeña. Sin embargo, brinda la posibilidad de incursionar en un estilo diferente. Además, es fácil de manejar tanto para mayores como para pequeños. Sandbox ofrece un lienzo en blanco en el que podrás dibujar mediante Pixel Art. Solo debes ir colocando cuadrados de colores en el orden en que desees para componer un dibujo. Esta es una de las aplicaciones para pintar que te ayuda a trabajar la motricidad de los más pequeños.

Sandbox posee un modo de dibujo libre, pero también puedes seguir una plantilla. Además, te permite convertir tus fotos en Pixel Art. La aplicación cuenta con un puntaje de 4.6 en Google Play y de 4.7 en App Store.

• Web/Android/iOS

Dotpict, una de las aplicaciones para pintar muy divertidas 

Dotpict es una aplicación para móviles, tanto Android como iOS. Tiene un tiempo siendo conocida como una de las mejores aplicaciones de Pixel Art. Esto debido a que funciona de manera muy simple. Toda persona que quiera incursionar en este estilo de dibujo, puede usarla. 

La aplicación posee un fondo cuadriculado y solo tienes que elegir un color para ir pintando cuadraditos en él. Las herramientas que te ofrece su interfaz te permite rellenar con pintura, deshacer y demás. Incluso, es muy efectiva para crear animaciones. Las plumas de malla, los bordes y las vistas previas te facilitarán el coloreado del Pixel. También podrás participar en eventos diarios con otros usuarios.

• Web/Android/iOS

Anímate a probar las aplicaciones para pintar

Todos llevamos un artista dentro. Pero, debemos escoger el estilo que mejor nos defina y la aplicación que se nos acomode mejor para dibujar y pintar. Si eres un amante del dibujo debes aprovechar las numerosas aplicaciones para pintar disponibles. Pues, con ellas podrás mejorar tus dibujos y compartirlos con sus comunidades de dibujantes. Elige la que mejor se acomode a tus necesidades y explora un nuevo modo de pintar y dibujar. 

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¿Cuáles son los atajos útiles para editar fotos en Lightroom?

Los atajos para editar fotos en Lightroom son un regalo extremadamente bueno, pues realmente nos ahorramos tiempo cuando ya sabemos qué combinación de teclas nos va servir.

Con esta increíble serie de rutinas, podrás ganar tiempo para centrarte en lo que realmente importa: conseguir que las fotografías queden perfectas.

Atajos generales de Lightroom más usados para editar fotos

• G: vista de cuadrícula en el módulo biblioteca
• F: ver en pantalla completa, tanto en la biblioteca como en revelar
• CTRL/CMD + SHIFT + I: abrir la ventana para importar imágenes
• D: se activa el módulo revelar desde cualquier otro módulo
• E: activas la lupa en biblioteca
• CTRL/CMD + SHIFT + E: desplegar la ventana para exportar fotografías
• C: acceder a la vista de comparación de la biblioteca
• N: ingresar a la vista de encuesta de la biblioteca
• CTRL/CMD + Mayús + L: alternar el modo de luz atenuada

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Teclas para trabajar con los paneles

• T: mostrar/ocultar la barra de herramientas
• F5: te da la opción mostrar-ocultar el selector de módulos
• CTRL/CMD + Mayús + 0-5: abrir/cerrar panales de la izquierda, de arriba abajo
• F6: mostrar/ocultar tira de diapositivas
• F7: muestra u oculta los paneles de la izquierda
• CTRL/CMD + 0-9: iniciar/terminar panales derechos, módulos Biblioteca y Revelar, de arriba abajo
• F8: revela o esconde los paneles de la derecha
• CTRL/CMD + clic en un panel: abrir/cerrar todos los paneles
• Mayús + Tab: mostrar/ocultar los paneles
• Mayús + clic en un panel: cambiar al modo panel solitario
• CTRL/CMD + 1-7: abrir/cerrar paneles de la derecha, módulos Proyección de diapositivas, Imprimir y Web, de arriba a abajo

Atajos de Lightroom en el módulo revelar

Antes de pasar a los trucos del módulo revelar, te daremos un vistazo para que te vayas familiarizando con estas opciones para editar fotos en Lightroom.

Las partes que la componen son:

1. Paneles Ajustes preestablecidos, instantáneas, historial y colecciones
2. Barra de herramientas
3. Histograma
4. Información de la fotografía
5. Estado de previsualización inteligente
6. Tira de herramientas
7. Paneles de ajuste

Además debemos recordarte que puedes editar archivos RAW, DNG, JPEG, TIFF, PSD y PNG.

Ahora sí, estos son los atajos útiles de Lightroom para editar fotos:

Durante el proceso de revelado de las imágenes, puedes recurrir a ciertos trucos que te ayuden a terminar de editar rápidamente tus fotos en Lightroom.

• V: convertir a escala de grises
• W: selecciona la herramienta ‘Equilibrio de blancos’
• CTRL/CMD + U: tono automático
• R: recortar
• J: sirve para mostrar el recorte
• ENTER: sirve para desactivar cualquier herramienta que tengas seleccionada
• Mayús + Y: esta combinación sirve para ver el antes y después en una pantalla dividida
• K: activa el pincel de ajustes
• Q: impulsa la herramienta para eliminar manchas de la imagen
• Y: esta tecla sirve para mostrar el antes y después a la izquierda/derecha
• \ : ver solo antes
• M: activa el filtro guardado
• CTRL/Mayús + M: gira automáticamente la imagen hacia la derecha
• SHIFT + Z: impulsa el filtro radial
• CTRL/CMD + J: abrir opciones de la vista revelar
• CTRL/Mayús + J: rotar la foto hacia la izquierda

¿Qué trucos debo aplicar si soy nuevo editando fotos en Lightroom?

• L: esta tecla te ayudará para ver la foto aisladamente
• Copia la configuración de edición de fotos haciendo clic con el botón derecho en las fotos para pegarlas en otra imagen.
• Retira los paneles de módulos de desarrollo que no necesites, haciendo clic derecho y desmarcándolo.

Conclusión

Como ya habrás podido observar, Lightroom está repleto de funciones que pueden hacerte la vida mucho más simple al editar fotos, una vez que los conoces. Parecen cosas obvias ¿verdad?, pero te aseguro que son muy importantes para conseguir aprovechar el tiempo al máximo de este programa.

Y como la práctica hace al maestro, te dejo en este enlace con TODOS los métodos abreviados del teclado para usar en Photoshop Lightroom Classic CC. Asimismo, te recomendamos llevar un curso de fotografía y manejo de cámara.

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Lo peor que puedes hacer para salir del apuro es colocar las palabras junto a la imagen sin ningún criterio.

Sin embargo, sabes que con tu diseño debes comunicar de una manera eficiente, legible y sobre todo atractiva.

Debes considerar que la descripción no se pierda, tener en cuenta el espacio, el tamaño y color de las palabras a usar.

Ahora vamos a brindarte consejos sobre cómo impresionar a tu cliente con un diseño que agregue texto a las imágenes.

Agregar texto a imágenes amigablemente usando formas

Las formas de por sí transmiten un significado y no cabe duda que si se agrega unas cuantas letras a la imagen ayudan al receptor a enfocarse en las palabras.

Una forma bastante simple es utilizar figuras geométricas e introducir la descripción dentro, de tal manera se logra un buen contraste, sin recurrir a la exageración.

Fuente: Shutterstock

TAMBIÉN VEA: La geometría minimalista aplicada al diseño gráfico por Petros Afshar

Usando el espacio negativo sin opacar la composición fotográfica

Si decides utilizar una fotografía, lo más correcto es que trates de buscar ‘huecos’ o espacios libres y mucho mejor si están al centro para que puedas agregar texto a imágenes.

Así existiría un beneficio doble: tú resaltas el texto, y la imagen se luce como un gran complemento para tu composición.

Fuente: Shutterstock

Superposición de texto funciona de maravilla con un buen contraste

Puede parecer un poco aburrido utilizar el efecto de una superposición simple en el diseño de una pieza gráfica, pero todo es cuestión de tener un ojo crítico.

El tip para superponer un escrito de manera segura está en buscar suficiente contraste entre las palabras y la imagen de fondo para lucirlo al máximo.

Mucho cuidado con los fondos ruidosos o que te desconcentre cuando apliques esta técnica. Deberás apoyarte además de un buen color de fuente que se resalte sin que sea fastidioso de leer.

Hay múltiples maneras de lograr una excelente superposición de palabras y aquí te contamos algunas:

• Desenfocar la imagen de fondo

Aquí definitivamente la descripción engañará la atención, dejando en segundo plano a la imagen.

Fuente: Shutterstock

• Ajustar las saturaciones del fondo

Para conseguir este tipo de efecto, se ha colocado una capa translúcida superpuesta entre la palabra y la foto.

La capa es de tono negro casi transparente, por lo que tendrás que ajustar el porcentaje de opacidad según lo que necesite la imagen que estás utilizando.

En este ejemplo se ha aplicado 32%, y es más que suficiente.

Fuente: Shutterstock

Jugar con las fuentes y tamaños sin ser exagerados

Es una técnica bastante usada en la actualidad, hace resaltar a las letras gracias a la buena decisión de fuentes y tamaños, de forma tal que se complementan.

Por ejemplo, podrías apilar las letras para que las palabras más pequeñas estén arriba y abajo la palabra grande, o simplemente tener el escrito en una línea horizontal.

Está de más decir que este tipo de técnica es más que suficiente para captar la atención del espectador.

Fuente: Shutterstock

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Usar la paleta de colores de manera adecuada

En esta parte es importante resaltar que cada color tiene un propio estado de ánimo y transmite un significado en particular.

Podríamos decir que el rojo derrocha pasión pero que también es un tono impulsivo, a comparación del azul que transmite calma.

Recuerda que para exponer calma en la pieza gráfica debes usar un color suave con un fondo suave. O podrías optar por el blanco como fuente sobre un fondo oscuro.

Sea la tonalidad que elijas, asegúrate de que sea fácil de mirar y leer.

Fuente: Shutterstock

Por último, ya debes tener bien en claro que tu objetivo es atraer la atención del espectador a como dé lugar, así que mejor trata de ordenar bien tus ideas antes de poner en marcha tu composición gráfica.

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Esta técnica le da a las empresas más facilidades de utilizar estos diseños, no solo para su web o redes sociales, sino también, para tarjetas de presentación, publicidad digital y física, así como para los elementos de envoltura y embalaje.

Si aún no estás convencido o no entiendes mucho de qué va, nosotros te damos algunos consejos de lo que es esta tendencia del diseño gráfico minimalista.

Pero antes recuerda que los diseños minimalistas tienen que:

• Tener en cuenta el uso del espacio.
• Utilizar colores simples o representativos para la marca.
• Interacción simple y óptima.
• Solo se pueden utilizar uno o dos tipos de letras.
• Tiene que ir de la mano con el concepto de la marca.
• Cada elemento o gráfico dentro del diseño tiene que tener una función o dar algún tipo de información relevante.

Además, tienes que tener en cuenta que cada diseño tiene que cumplir con 5 categorías, para que sea un buen trabajo. Y es el espacio, el título, la interacción, la imagen y la marca.

MTV Networks: Black Ribbon Michael Jackson / Agencia de publicidad: BBDO Düsseldorf, Alemania

El uso correcto de la nueva tendencia del diseño gráfico minimalista

1. Evaluar la función de las categorías

Heinz: Kétchup – “Nadie cultiva Ketchup como Heinz” / Agencia de publicidad: McCann Erickson, Londres, Reino Unido

Al momento de empezar el Diseño gráfico minimalista, se tiene que tener muy en cuenta el espacio que se utilizará, ya que minimalista es sinónimo de no recargar la página. Sin embargo tienes que colocar toda la información necesaria que el cliente tiene que ver en el diseño.

El título, así como la imagen y la marca, tienen que reflejar la esencia de la empresa, pues el título y la imagen o logo, tienen que ser pegadizo y con colores y formas llamativas, para el rápido reconocimiento del cliente; mientras que la marca es todo lo que representa la empresa.

Y finalmente, pero no menos importante, la interacción; el cómo los usuarios se identifican con la empresa y sienten que ella les da lo que necesitan y quieren.

2. El diseño siempre tiene que innovar

Con el paso del tiempo, los modelos que se hicieron se vuelven monótonos y aburridos, por eso cada cierto tiempo se tienen que innovar y hacer uno que otro cambio al gráfico para que se actualice, en la misma forma en que todo a su alrededor cambia.

Por eso se dice que un diseñador minimalista, siempre edita y re diseña, pero eso sí, nunca debe de perder el enfoque de la empresa, ni tampoco hacer cambios radicales.

3. Tomarse el tiempo necesario para realizar los diseños

Hut Weber: Hitler vs. Chaplin – “Es el sombrero” / Agencia de publicidad: Serviceplan Hamburg, München, Alemania

Los diseños minimalistas a simple vista parecen sencillos y muy rápidos de hacer, pero definitivamente no es así, ya que los diseñadores tienen que pensar qué puntos estratégicos utilizarán, colores, imágenes, elementos, letra y cuales será la información necesaria a resaltar. Así que de hecho hacer este tipo de bocetos o gráficos, no es para nada sencillo.

4. El contenido e información tiene que ser simple y claro

Liga peruana contra el cáncer – “Una simple Mamografía puede detectar el cáncer de mama” / Agencia de publicidad: Young & Rubicam, Perú

Las personas se abruman al ver demasiada información, pues los atrofiaras y al final decidirán dejar de ver tu publicidad.

El contenido tiene que ir directo al grano y darle lo que el público necesita, sin dar tantos rodeos. Eso sí, sin perder el sentido del Diseño gráfico minimalista.

5. Mostrar detalles importantes dentro del gráfico minimalista

Quiere decir que cada detalle o elemento debe tener una función, de tal manera que el público vea que no está por las puras, ni de adorno. Recuerda que realizar este tipo de gráficos minimalistas es más difícil de lo que parece, ya que se necesita tener mucho tino para ver lo que funciona y lo que no, y además poder hacer combinaciones perfectas sin caer en la saturación.

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Actualmente existen muchos profesionales dedicados al diseño y la animación 3D. Ya sea desde el diseño de objetos y/o estructuras arquitectónicas, hasta la animación surrealista y de personajes.

Sea cual sea el caso, estos profesionales se dedican a generar gráficos tridimensionales por el ordenador, con el fin de crear escenas con una mayor proyección visual llena de diversas texturas y volúmenes para un mejor atractivo; en cuanto a la estética respecta, además del dinamismo que caracteriza al diseño y la animación 3D.

Es por ello que diversos artistas digitales han decidido especializarse en el mundo tridimensional. Tal es el caso de Jaime Álvarez, más conocido en Behance; la plataforma para artistas, como Mr. Kat & Friends. Quien nos comenta un poco acerca de su experiencia como artista digital.

Cosmic Panda

Mr. Kat & Friends | Colaboración con Le Cube | Música por David Kamp

Jaime Álvarez: Experto en el diseño y animación 3D

El artista recuerda haberse sentido muy atraído por el arte desde muy pequeño, puesto que, le gustaba pasar sus días dibujando como resultado de la inspiración que sus cuadros familiares; hechos a lápiz, óleo, acrílico y demás, le generaba. Es desde ese momento en el que su interés por el arte en general, empezó a crecer.

Cosmic Panda | Mr. Kat & Friends

Jaime comenta que existen algunos factores clave que son parte de su inspiración. Entre ellos se encuentran el diseño y su vida cotidiana; en especial, quienes forman parte de ella como su esposa y sus 3 gatas.

Cosmic Panda | Mr. Kat & Friends

El artista considera que esos factores juntos, son los que logran que él pueda crear tan divertidas y coloridas animaciones de animales; y así, cumplir sus metas a corto plazo.  Pero sobre todo, poder desarrollar una peculiaridad personal, la cual caracteriza a cada uno de sus diseños y animaciones 3D.

Mr. Kat & Friends: El estilo escultórico y Kawaii en la animación 3D de animales

Con respecto a la personalidad que caracteriza a sus trabajos, él lo define de la siguiente manera: “Me gusta pensar que es un estilo kawaii sofisticado. Al menos, ese es mi objetivo…como si fuera una fusión entre Hello Kitty y Apple (risas)”

Por otro lado, con respecto a Mr. Kat & Friends, “Tiendo a centrarme especialmente en animales, diseñándolos con un estilo escultórico y unos rasgos faciales representativos, aunque también hago todo tipo de objetos, comida y pronto… ¡humanos!”, añade.

Y es que las animaciones de animales del artista logran generar en quien las ve; una mezcla entre ternura y fascinación por las texturas y vibrantes colores pastel utilizados en cada uno de sus proyectos. Vainilla, Robo Kat, Moshi Moshi y Cosmic Panda, son algunos de sus simpáticos personajes.

Vainilla VR | Mr. Kat & Friends

Jaime asegura que entre sus referencias se encuentran aquellos que son exitosos y que constantemente buscan formas de reinventarse. Algunos de ellos son: David OReilly, Gmunk y Matt Pyke. Según Álvarez, todos ellos destacan por su versatilidad y por aprovechar la tecnología y las tendencias; logrando así, deslumbrar a todos aquellos amantes del arte.

Así mismo, quienes; a pesar de los años, siguen en la cima con la misma pasión y dedicación de siempre, también son considerados como sus referencias, tal es el como Gary Baseman. Algo que Jaime rescata es lo siguiente: “Es alentador saber que tus referentes son personas genuinas y sencillas”, “Destaco por último que estos referentes son artistas multi-disciplinares”, añade.

Cosmic Panda | Mr. Kat & Friends

El elegir este camino, le abrió infinidad de puertas. Probablemente; para muchos, tomar una decisión como esta no debió haber sido del todo fácil. Sin embargo, esto no es del todo cierto, sino mas bien al contrario, puesto que el hecho de ser independiente, le permitió ser más organizado con el fin de conseguir que el tiempo dedicado en sus proyectos personales rebote; logrando así, una retroalimentación en sus proyectos profesionales y finalmente, desarrollar un sello que lo defina. Además, de lo que no hay duda, es que no existe nada mejor que dedicarte a lo que te apasiona y conseguir el éxito haciendo ello.

Vanilla’s Cupcake Quest | Mr. Kat & Friends

Tal como él, quien gracias a su talento y pasión pudo sacar adelante a Mr. Kat & Friends, conociendo así diversos artistas, visitando galerías, festivales y demás, lo cual le permitió aprender cada vez algo nuevo y pulir su trabajo. Por su parte, asegura que más allá de la calidad o el valor de lo que hace, crear es sumamente esencial para él.

Vanilla’s Cupcake Quest | Mr. Kat & Friends

“Empecé dibujando a lápiz, más tarde probé graffiti y luego pasé al entorno digital. En los últimos años he incorporado esculturas, un medio que me encanta especialmente por su tangibilidad”, comenta.

Finalmente, sus recomendaciones para aquellos que aman el arte en general, es que siempre sean agradecidos con las oportunidades que llegan. Ser paciente y constante, pues si elegiste ese camino; según el artista, están en donde deben estar.

Si quieres ver más de Jaime Álvarez, entra a: Behance | Mr. Kat & Friends

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Muchas veces, aquellas habilidades que consideras que te hacen ‘peculiar’, pueden convertirse en un gran talento si aprendes a explotarlas con pasión y creatividad.

Reto: 30 días, 30 personajes | N.R

Tal es el caso del diseñador peruano; Nathaniel Rueda, quien nos da a conocer el mágico mundo que habita en su imaginación, por medio del diseño gráfico de sus personajes de características humanoides.

Reto: 30 días, 30 personajes | N.R

Nathaniel Rueda, artista digital peruano, egresado de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Actualmente trabaja como ilustrador. Es a través de sus proyectos que el artista digital demuestra con éxito, todo aquello que aprendió en su carrera. Participó en Pictoplasma Academy de Berlín en el año 2015, una clase maestra en la que pudo desarrollar uno de sus mayores intereses, el diseño de personajes.

Reto: 30 días, 30 personajes | N. Rueda

Uno de sus trabajos más resaltantes es el de una serie de 4 ilustraciones enfocadas en 4 personajes humanoides que están inspirados en la danza de ‘La Diablada’.

Ilustraciones inspiradas en ‘La Diablada’ | El Diablo | Nathaniel Rueda

El artista digital comenta que desde siempre se sintió atraído por el arte. Le gustaba pasar sus días dibujando cuando era pequeño. “Quizá es un tanto raro, pero de pequeño prefería entretenerme dibujando, pintando o modelando con plastilina más que con juguetes o deportes”, señala el diseñador.

Reto: 30 días, 30 personajes | N. Rueda

Debido a su introvertida personalidad; a diferencia de otros niños, buscó refugiarse en el arte. Y, desde ese momento, gracias su inclinación por la animación y los videojuegos, descubrió que su gusto por el arte y la ilustración, podría convertirse en su profesión.

Reto: 30 días, 30 personajes | N. Rueda

Una de las cosas que más le gusta del arte, es la versatilidad que ésta posee; sobre todo en el caso de la ilustración, ya que más allá de ser su profesión, ésta le sirve también para descubrirse a sí mismo.

Reto: 30 días, 30 personajes | Nathaniel R.

Porque como sabemos, el arte, al ser un medio de expresión artística, uno puede descubrir qué le gusta o disgusta, del mismo modo, existen emociones, sentimientos e incluso formas de pensar que no podemos comunicar fácilmente con las palabras, es entonces cuando el arte hace su labor.

Reto: 30 días, 30 personajes | Nathaniel R.

Por otro lado, no hay nada mejor para un artista que plasmar su manera de ver el mundo que lo rodea desde una auténtica subjetividad; tal como le sucede al talentoso Nathaniel.

Reto: 30 días, 30 personajes | Nathaniel R.

Rueda encuentra inspiración a través de todo lo que descubre en Internet. Considera que tiene fuentes de inspiración muy distintas entre ellas, algo que en realidad, podría ser óptimo para cualquier artista, debido a que ello te ayuda a abrir más tu mente; y así, no negarle el paso a otros tipos de estilo.

Reto: 30 días, 30 personajes | Nathaniel R.

Una de las cosas que más inspira a Nathaniel, es la música. Entre los géneros que impulsan su creatividad se encuentran: el Hip Hop, Indie, J-Pop, electrónica, entre otros. Incluso algunos soundtracks de videojuegos. En cuanto a lo audiovisual respecta, las series, cortometrajes y las películas animadas son otras de sus fuentes de inspiración.

Reto: 30 días, 30 personajes | N.R

Algunas de sus favoritas son: Perfect Blue, Akira, las animaciones de Félix Colgrave y algunos cortos de Tatsuyuki Tanaka. Del mismo modo, su creatividad aflora gracias a los videojuegos y algunos cómics.

Reto: 30 días, 30 personajes | N.R

Una de las características más resaltantes del trabajo del artista peruano es: el uso del diseño gráfico y la ilustración para crear personajes humanoides. Entre colores vibrantes, cuernos, tatuajes, ojos saltones y demás, las creaciones de Nathaniel, son una auténtica obra de arte.

Reto: 30 días, 30 personajes | N.R

Rueda señala que, siempre ha buscado que sus creaciones no pierdan la apariencia humana. Ello ha ido cambiando últimamente, ya que ahora presenta personajes humanoides surreales de fantasía, inclinado hacia el sci-fi.

Reto: 30 días, 30 personajes | N.R

Esto se debe a que él desea explorar nuevas ideas, pero, recalca que siempre alrededor de un personaje central.  Así mismo, afirma que cuando inició en esta profesión, sus trabajos solían ser más desaturados, algo que; como podemos ver, ha cambiado radicalmente.

Reto: 30 días, 30 personajes | N.R

Sin embargo, algo en lo que se ha mantenido firme con el paso de los años, es su fijación por los detalles. “ya sea en elementos pequeños que acompañen la ropa del personaje o que le rodeen, o sean detalles realizados por medio del color”, afirma el diseñador.

30 días, 30 personajes | N. Rueda

Entre sus más grandes referentes se encuentran: Tatsuyuki Tanaka, McBess, BoneFace, Asano Inio, Gastón Pacheco, Candie Bolton y James Jean. Asegura que todos ellos poseen estilos bastante únicos, algo que hasta el día de hoy le sirve como motivación. Lo que el artista espera es que su estilo pueda diferenciarse fácilmente al instante, que se sienta auténtico y original.

30 días, 30 personajes | N. Rueda

El ilustrador ha trabajado tanto de freelancer como en una agencia en tiempo completo. En ambos casos, ha logrado aprender nuevas cosas. Por un lado, el trato con los clientes, el cómo presentar y sustentar  un proyecto de manera adecuada; y sobre todo, cómo venderlo.

30 días, 30 personajes | N. Rueda

Por su parte, como freelancer, comenta que si bien extraña los horarios fijos y “la paz mental de saber que el sueldo del siguiente mes, estará ahí”, trabajar de manera independiente puede recompensarte ya que cada proyecto completado para  un cliente te llena de orgullo y seguridad de que estás yendo por el camino correcto para lograr tus metas.

Reto: 30 días, 30 personajes | N.R

Gracias a que cuando decidió ser ilustrador freelance, lo contrataron para realizar una gráfica; cuyos principales referentes, eran sus propios trabajos, él descubrió que sus ilustraciones; aquellas que solía hacer por diversión, tenían potencial. Es así como decidió empezar una carrera de lo que para él, era un hobby.

Reto: 30 días, 30 personajes | N.R

Uno de los principales consejos que le da a quienes deseen incursionar en este mundo, es que deben estar sumamente seguros de que ésto es lo que desean. “Sobre todo en el Perú, ya que cualquier carrera relacionada al arte, no te dará dinero de sobra al instante ni te dará la sensación de recompensa desde un primer momento”, asegura Rueda.

Reto: 30 días, 30 personajes | N.R

Del mismo modo, considera que; al igual que en cualquier carrera, es necesario esforzarse lo más que uno pueda. Jamás estar conforme con la situación actual y; siempre apuntar más alto, teniendo en cuenta la meta que se haya escogido.

Reto: 30 días, 30 personajes | N.R

Por último, recomienda que; antes de incursionar en el arte de manera independiente, inviertan uno o dos años en alguna agencia o trabajo relevante. Para así, ganar experiencia de cómo se deben manejar los proyectos, los tiempos y clientes en un ámbito profesional, antes de lanzarse al vacío.

Reto: 30 días, 30 personajes | N.R

“Muchas veces, aquellas habilidades que consideras que te hacen ‘peculiar’, pueden convertirse en un gran talento si aprendes a explotarlas con pasión y creatividad”, si deseas conocer más de este talentoso artista digital puedes entrar a: Behance | Nathaniel Rueda

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Algunas veces, las personas podemos encontrar; nuestra profesión y vocación, a través de la experiencia. Tal es el caso del artista digital oriundo de Egipto; Mohamed Cahin, quien descubrió lo que realmente le apasiona por medio de tutoriales de internet. En este artículo conocerás un poco acerca del creativo uso de los polígonos y color en el diseño, animación y arte digital por Mohamed Cahin.

Vintage Living Room | M.C

Mohamed recuerda haberse sentido atraído por el arte desde siempre, uno de sus hobbies favoritos era el dibujo. Comenta que se la pasaba todos los días dibujando, sin embargo, fue recién hace sólo unos 3 o 4 años que empezó a ver el arte como algo serio.

Mientras cursaba el segundo año de Universidad, notó que no estaba aprendiendo; tanto como él quería, sobre diseño lleno de color, arte y Storytelling. Por tanto, decidió aprender por Internet.

Empezó viendo tutoriales de diferentes tipos de trabajos como: ‘You Name It’, ilustración, arte conceptual, modelado 3D, entre otros. Le gustaba ver estos tutoriales durante todo el día; a medida que iba practicando, hasta quedarse dormido.

Fue justamente en ese momento en el que descubrió que si hacía algo durante 24/7 sin aburrirse, eso quería decir que estaba haciendo algo que realmente ama.

Vintage Living Room | M.C

A diferencia de algunos otros artistas, Cahin considera que es casi imposible tener sólo una fuente de inspiración si eres un artista. Puesto que para él, la inspiración puede llegar a través de diferentes cosas y/o sucesos como por ejemplo: Las películas, libros, canciones, juegos y demás.

Random Renders #2 | Cahin, Mohamed

Si bien no cuenta con una sola fuente de inspiración, comenta que aquello que más lo inspira son las historias, ¿por qué?, porque según Mohamed, en el momento en el que una persona le cuenta una historia, automáticamente empiezan a aparecer una serie de imágenes e ideas creativas en su cabeza.

Blender Low Poly Timelapse | Mohamed Cahin

Lo mejor de todo, es que muchas veces esas ideas se presentan de forma abstracta; permitiendo así, que el diseñador experimente más con su propia creatividad.

Abandoned | Cahin, Mohamed

Con respecto al estilo que lo define, éste es aquel caracterizado por el uso continuo de polígonos en sus diseños tridimensionales, llenos de color. Una de las razones por las cuales prefiere ese estilo es debido a que puede ser utilizado para diferentes rubros.

Abandoned | Cahin, Mohamed

Algunos de esos rubros son: La ilustración 3D, libros infantiles, videojuegos, logos, animaciones e incluso páginas web con aplicaciones en 3D. En caso de inclinarse por otro estilo, comenta que ese sería el diseño minimalista, ya que para Mohamed, muchas veces ‘Menos es más’.

Alto’s adventure fan art timelapse | M. Cahin

Cahin disfruta de poder observar el trabajo de diferentes artistas de todo el mundo, puesto que te permite abrir tu mente a nuevas opciones con las cuales experimentar.

Broken | M.C 

Algunos de sus máximos referentes, quienes según Mohamed “logran que él deje de hacer su trabajo para observar los proyectos de los mismos” son: Jona Dinges, Timothy J. Reynolds, Paul McMahon, Chris Guyot, Andrew Price, Gleb Alexandrou, Reynante Martinez, entre otros.

En cuanto a su experiencia como artista, afirma que realmente ama lo que hace, ya sea desde una escena 3D, un concepto dibujado a mano, personajes, diseño a color, hasta videos, no se puede quejar. Incluso comenta que si de trabajos sin paga se trata, él disfruta del mismo modo.

Usualmente se sienta a ver una película o a leer un libro de cualquier género y automáticamente las ideas empiezan a brotar en su mente. Si está libre, empieza a trabajar en ello al instante; caso contrario, lo programa en su lista de cosas por hacer.

Gravity Falls | C.M

Una de las cosas que más le fascina de su experiencia como artista, es cuando los clientes le solicitan un trabajo pero le permiten que él se encargue de toda la dirección de arte y ese es el momento en el que se siente tan feliz como ‘niño en una juguetería’, ya que es ahí cuando la creatividad llega.

Gravity Falls | C.M

“A veces el cliente comienza a asumir la dirección del arte, eso es lo que más odio para ser honesto. Es ahí cuando tengo que encontrar una iteración que el cliente crea que es buena sin arruinar los colores, la composición y otros aspectos de la obra de arte”, comenta Mohamed.

Random Renders #1 | Cahin, Mohamed

El consejo que le da a todos aquellos a quienes les guste el arte; tanto como a él, es que trabajen 24/7, en el caso de no estar trabajando en proyectos pagados, que trabajen en proyectos personales. Si resulta aburrido pensar en ello.

Blender Low Poly Dead Pool | Mohamed Cahin

El diseñador aconseja retarse a sí mismo. Puede ser a través de un reto de diseño a color, bosquejo, animación o lo que fuere, por 30 días. Gracias a ello podrás notar el progreso de tu trabajo desde el primer trabajo hasta el último.

Si deseas ver más del trabajo del artista, entra a: Behance | Mohamed Cahin

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¿Cuántas veces has querido tener productos que tengan a los personajes de tus películas favoritas en ellos? El diseño gráfico en el cine para ‘La vida secreta de tus Mascotas’ por Russ Gray.

Russ Gray; diseñador gráfico e ilustrador, nos habla un poco acerca de su experiencia profesional. Permitiéndonos así, sumergirnos en ‘La Vida secreta de tus Mascotas’ a través de su diseño gráfico en el cine para dicha película.

Gray comenta que le encanta el arte desde que tiene  uso de razón. Según él, desde que cogió un lápiz y papel por primera vez. Russ decidió inclinarse por el mundo de las marcas. Es decir, trabajar con diferentes empresas, primordialmente en la Industria del cine, en cuanto a diseño gráfico respecta.

Pet’s Secret life | R.G

El diseñador nos comenta que para él, no existe una fuente específica de inspiración. Esto debido a que muchas veces las buenas ideas llegan mediante avanza una gran cantidad de trabajo. A medida que él se esfuerza y va creando sus diseños, las grandes ideas surgen y sólo queda pulirlas.

Pet’s Secret life | R.G

Gray es uno de los artistas que no posee un estilo definitivo, puesto que, puede y disfruta desenvolverse en diversos estilos. Él asegura que un día puede dedicarse a realizar dibujos realistas a lápiz, mientras que otro día puede tener ganas de hacer renders o arte abstracto. Para el talentoso diseñador, lo único en lo que él se preocupa es en lograr que cada cosa que él haga; en cuanto a diseño, sea muy buena y logre satisfacer al cliente.

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En cuanto a su experiencia profesional, ha trabajado como Director Creativo, Ilustrador y Diseñador en diferentes empresas como: Mattson Creative, Franklin Mill, Struck, Modern 8 y demás.

R.G |Pet’s Secret life

Fue solicitado para crear una serie de piezas de arte para la película ‘La Vida secreta de tus Mascotas’, éstas consistían en realizar el diseño gráfico en el cine, con el fin de que éstos sean comercializados. Desde polos hasta juegos de mesa, sus diseños  causaron sensación.

R.G | Pet’s Secret life

Universal Studios lo contrató para que realice diseños de carácter estilizado. Éstos fueron pensados en un inicio sólo para ser usados como imágenes; sin embargo, decidió llevarse a ejecución en una variedad de categorías de productos vendidos en todo el mundo. Éstos fueron muy bien recibidos por todos los amantes de esta tierna y divertida película. Así mismo, creó el diseño para una serie de ilustraciones de perros y gatos para Petmoji; una aplicación que te permite crear tu propio animal de compañía. Ello con el fin de promover ‘La Vida secreta de tus Mascotas’

R. G | Pet’s Secret life

Él asegura que es increíble poder trabajar en algo que le gusta, de no ser remunerado por su diseño gráfico en el cine, él igual se sentiría afortunado de realizar lo que de todos modos haría si no fuese su trabajo.

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Su trabajo para todos aquellos que quieren iniciar su carrera profesional como diseñadores, Gray les aconseja que lo más importante es buscar un equilibrio, ya que si bien, trabajar en el arte, el diseño y/o la ilustración puede ser genial, de convertirse en algo rutinario y al llegar la presión, resultaría ser muy estresante. Y como sabemos, no hay nada peor que aquello que te apasione, al mismo tiempo te genere un gran estrés y ansiedad.

R.G | Pet’s Secret life

A continuación de mostramos un poco de su trabajo.

Diseño de productos gráficos en el cine para:

La vida secreta de tus mascotas

Ilustraciones estilizadas para estampado

R.G | Pet’s Secret life

Ilustración de fondo para juguetes

R.G | Pet’s Secret life

Patrones para Merchandising

R.G | Pet’s Secret life

Ilustración para juego de mesa

R.G | Pet’s Secret life

Cliente: Universal

Director Creativo: Ty Mattson

Ilustración y Diseño: Russ Gray

Si quieres conocer más de este diseñador, entra a: Behance | Russ Gray

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“Muchas veces ‘Menos es más’ y eso es lo que nos demuestran estos claros ejemplos de diseño minimalista. Aprende a impactar con tus diseños gracias a estos 15 tips”

El minimalismo es considerado como la ‘ausencia de embellecimiento’. Caracterizado; en su mayoría de veces, por presentar espacios, formas, tipografías, objetos, entre otros, de color blanco, gris o negro.

En cualquier parte del mundo, puede resultar ser sinónimo de atractivo singular. Sin embargo, si del mundo publicitario hablamos, puede resultarnos casi imposible atraer más consumidores cuando éstos; entre tantas marcas, productos, colores y formas, deben elegir una opción.

Con respecto al logo de una marca, el diseño minimalista suele caracterizarse por usar un fondo de color blanco o con una iluminación sutil del mismo color. Acompañado de tipografía, a veces muy delgada, de color blanco o negro; dependiendo del fondo de la misma.

Como se mencionó anteriormente, podríamos pensar que este tipo de diseños no captaría la atención de nuestro público; sin embargo, para aquellos que recién están empezando en el mundo del diseño o que lo realizan como un pasatiempo o por una necesidad.

El diseño minimalista puede ser la opción perfecta ¿por qué?, porque el tener tanta zona libre, permitirá que lo ‘poco que hay’ se destaque más. Para demostrarte aquello, a continuación te damos algunos ejemplos y tips para realizar un eficaz diseño minimalista.

15 Consejos y ejemplos para realizar un diseño minimalista

1. Concéntrate en el espacio

El diseño minimalista no se trata de colocar una simple frase pequeña en cualquier lugar dentro de un fondo en blanco; sino más bien, de saber aprovechar nuestro espacio.

Ejemplo: El adecuado uso de los espacios en cada esquina del recuadro, además de una tipografía correctamente alineada y llevada al centro, seguido por la descripción en una manera armónica genera que tus ojos se dirijan directamente al nombre del restaurante.

2. Todo se trata de las palabras

Si ya tienes un fondo, sólo se debe pensar en una frase o palabra clave y partir desde ese punto para armar un texto completamente legible logrará llamar la atención de tu público.

Ejemplo: La imagen nos demuestra que un mensaje claro y conciso puede ser más efectivo.

3. Haz algo abstracto

Una de las formas de crear un buen diseño minimalista es usando un elementos abstractos, debido a su ‘ambigüedad’ pueden atrapar fácilmente la curiosidad del espectador. La clave del éxito de este tipo de esquemas está en usar; en paralelo, un elemento fácilmente reconocible para las personas como: un enlace, en donde los usuarios podrán conocer más del producto.

Ejemplo: Este ejemplo nos demuestra que una imagen abstracta siempre causará intriga en el espectador; sirviendo así, como gancho para atraer consumidores.

4. Utiliza un ícono

Un ícono simple a base de líneas será el complemento perfecto para tu logo, ya que éste podrá servir como foco para atraer la mirada de la personas.

Ejemplo: En la imagen mostrada a continuación podemos observar que el elemento visual y el ícono que utilizaron, ayudó a crear una composición más armónica.

5. Genera contraste

Sumamente importante para que, quien vea nuestro logo, no se aburra. Puesto que, en un diseño minimalista, no existen muchas entradas visuales. Por ello es necesario buscar un contraste, ya sea a través del color, forma o escala.

Ejemplo: Clara demostración de que el contraste no tiene por qué ser necesariamente tan exagerado. En este logo, un simple subrayado, fue más que suficiente para resaltar la frase.

6. Crea capas

Algo que debemos tener en claro es que; mínimo no tiene por qué ser sinónimo de plano, el jugar con las capas, de una forma sútil resultará muy eficaz para crear impacto.

Ejemplo: Tal como en este logo, se puede realizar sobre un fondo oscuro abstracto con una capa superior en base a simples líneas blancas. Si la superficie fuese clara, se repetiría lo mismo pero con líneas negras en la capa superior.

7. Experimenta con la Tipografía

Basta que ‘juegue’ con la tipografía de una de las frases del logo. Pues, de realizar diferentes formatos, fuentes, tamaños y colores en nuestro logo, éste dejaría de ser mínimo.

Ejemplo: Si quieres experimentar con la tipografía, lo mejor es el uso de menos palabras. Por otro lado, siempre es mejor usar una tipografía fresca como el de este ejemplo.

8. Crear Textura

El uso de texturas en las impresiones, despierta el deseo por parte del usuario de querer interactuar con el diseño. Es importante saber que si se trabajará con texturas, lo mejor es no utilizar fuentes muy gruesas.

Ejemplo: Recurrir a las texturas en este caso, ha logrado generar una percepción de profundidad, relieve y sombras.

9. Experimenta con la Asimetría

Si lo que quieres es probar algo diferente sin necesidad de recargar tu imagen, entonces prueba creando asimetría a través de los textos de tu logo. Pero recuerda que dentro de lo asimétrico, debe haber equilibrio.

Ejemplo: El peso de los elementos en esta imagen no interfiere con la fácil lectura y comprensión de los mismos.

10. Usa color

No te cierres en usar sólo color negro y blanco, no obstante, esto no es una regla. No tengas miedo de experimentar con otro color pues muchas veces éstos ayudan a acentuar el logo.

Ejemplo: El color; en cuanto al minimalismo respecta, debe servir como potencializador y debe colocarse en la superficie a modo de lienzo para que nuestro texto sea el protagonista.

11. Debe ser Sutil

Este tipo de minimalismo es uno de los más difíciles de realizar, puesto que es el que cuenta con más ausencia de detalle. Sin embargo, de lograr el equilibrio entre lo sutil y estético, el resultado será increíble.

Ejemplo: Apple siempre se ha caracterizado por diseño 100% minimalista; tanto en sus productos, como en sus empaques y estrategias de marketing, éste es un ejemplo de ello.

12. Piensa en grande

Elige uno de los elementos y hazlo realmente grande. En estos casos es recomendable que el fondo sea de color negro o blanco.

Ejemplo: Utiliza palabras audaces y atractivas que sean fáciles de leer y entender. Por otro lado, elige letras que sean lo suficientemente grandes como para sentirse un poco incómodas.

13. Piensa en pequeño

Si prefieres optar por algo más discreto, los piezas pequeñas en un espacio de gran escala pueden generar intriga en el comprador.

Ejemplo: La forma de conseguir que ésta técnica tenga éxito es complementando lo pequeño con un espacio amplio ya que así, éstos se sentirán pequeños; no obstante, no serán difíciles de leer; todo lo contrario.

14. Usa un espacio Negativo

 A veces los diseñadores pueden encontrar formas inteligentes para maximizar el fondo negativo al entrelazar objetos y crear un elemento extra fuera del espacio.

Ejemplo: No todos los diseñadores pueden utilizar el espacio negativo como lo hizo Leo Burnett en este caso, aimple e impactante a la vez.

15. Usa una imagen

Elije una imagen con una cantidad consistente de color, por lo que es fácil poner el texto encima y asegurar su legibilidad. Óptimo para su uso en páginas web, anuncios o alguna plataforma social.

Ejemplo: Al utilizar una imagen con un patrón de diseño mínimo, manténte alejado de todos los demás elementos de diseño o trucos para no sobrecargar la estructura.

Estos fueron algunos consejos y ejemplos de un buen uso del diseño minimalista para conseguir óptimos resultados diferenciándote de los demás, sin caer en excesos.

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Ori toor, una muestra de los fabulosos diseños abstractos del ilustrador… Entre figuras onduladas, geométricas, líneas y colores.

El arte abstracto puede ser un medio para conocer las más auténticas emociones de quien lo realiza. Puesto que, por increíble que parezca, cada forma geométrica; según la dirección de arte y la psicología, tiene un por qué. El ilustrador Ori Toor nos permite entrar a su mundo imaginario, en el que las reglas y la simetría no existen. Diseños abstractos repletos de formas circulares, ondulaciones, ‘rostros entre líneas’ y demás.

Muchos artistas se inician en este mundo gracias al ambiente en el que crecieron; tal es el caso de Ori Toor, ilustrador, artista digital y diseñador gráfico, quien recuerda que fue gracias a su madre que él se empieza a interesar en el mundo del arte desde muy pequeño. Por esa época, su mamá se dedicaba a diseñar textiles y alfombras. Es desde ese momento en el que Toor se empieza a percatar con mayor facilidad de las cosas animadas, los colores y los movimientos. Él constantemente buscada plasmar todo ello que captaba su atención, a través de los personajes que creaba en sus diseños abstractos. Una de sus mayores inspiraciones de pequeño era Taz, ‘El Demonio de Tazmania’.

Behance | Ori Toor

Algunas películas y objetos fuera de lo común eran parte de su mayor inspiración en ese entonces. Sin embargo, con el paso de los años, esto cambió. Actualmente Ori asegura encontrar inspiración a través de absolutamente todo lo que lo rodea para crear diseños abstractos. Siendo así, capaz de encontrar la belleza incluso en lo más mundano, banal y aburrido. Prueba de lo anteriormente mencionado, es que en algunos de sus diseños podemos decodificar algunos objetos fácilmente reconocibles como: macetas, herramientas de Photoshop o Illustrator, plantas, platos de comida, postales, platillos voladores y demás.

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Ori Toor define su estilo como libre. Pero sin duda alguna, una de las cosas que más caracteriza su trabajo como ilustrador es la utilización de líneas y formas curvas, además de los colores vibrantes y figuras geométricas; en su mayoría, circulares. Como se mencionó en un principio, las formas geométricas pueden representar características de la personalidad, percepción y estilo de vida que tiene; en este caso, el artista. Un dato interesante por conocer es que según la psicología y dirección de arte, las formas circulares y líneas curvas representan a una persona de carácter sumamente emocional, llenos de pasión, vulnerabilidad, imaginación y creatividad. Algo que no podría ponerse en duda al observar los diseños abstractos de Ori.

Behance | Ori Toor

Toor comenta que sus únicos referentes son sus propios recuerdos almacenados en su mente. “Mi memoria no es muy buena, es por eso que la mayoría de recuerdos están distorsionados”, dice el ilustrador. Por tal motivo, Ori prefiere improvisar una vez que empieza con su diseño. Lo ual simplemente nos demuestra que este ilustrador tiene una bella forma de percibir, procesar y plasmar sus recuerdos.

No fue muy fácil para Toor llegar a donde está está ahora, pues él al igual que muchos otros artistas, empezó trabajando para una Start Up como animador durante un par de años. Sin embargo, esto no lo hacía completamente feliz. Pasó un tiempo en el que estaba ‘estancado’ y deprimido, pero luego de un tiempo decidió dar el primer paso para trabajar como freelancer sin sentir que ello sería una decisión muy arriesgada. Es así como descubrió que puede dedicarse a lo que ama, sin sentirse presionado o preocupado por eso.

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Su consejo para todos aquellos a los que les encanta el diseño, la ilustración o el arte en general, es que siempre vayan en busca; no de lo más fácil, sino de lo que en verdad les interese.

Por otro lado, te presentamos un vídeo en el que podrás acercarte; de manera más dinámica, al trabajo de este talentoso artista.

Diseños abstractos de Ori Toor

Behance | Ori Toor

Behance | Ori Toor

Behance | Ori Toor

Behance | Ori Toor

Behance | Ori Toor

Behance | Ori Toor

Behance | Ori Toor

Behance | Ori Toor

Behance | Ori Toor

Si quieres ver más de Ori toor puedes entrar a: Behance | Ori Toor

Imágenes: Behance

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Es por ello que muchos expertos en marketing, artistas y diseñadores; priorizan los resultados comprobados en lugar de la información recopilada. Algunos de esos resultados confirmaron que una buena utilización de los colores ayuda a impulsar las ventas de nuestro producto y/o servicio. Es por ello que en este artículo explicaremos un poco acerca del color, cómo funciona, cómo se puede controlar y qué emociones genera en el espectador, cada uno de los colores base.

El color

Por más increíble que parezca, los objetos, alimentos, plantas y demás que vemos alrededor,  no poseen color. Lo que sucede en realidad es que, estos objetos, alimentos, entre otros reflejan luz en longitudes de onda. Éstas, ‘dentro de nuestros ojos’ son traducidas como ‘color’ gracias al procesamiento por parte de las células tras recibir las longitudes de ondas. En un mundo lleno de luz artificial, podemos vernos rodeados de objetos coloridos gracias a nuestra percepción alterada por objetos reflectantes.

Aditivo y Sustractivo

Debido a lo anteriormente descrito, es que los diseñadores y artistas necesitan buscar la manera de controlar el color. Es ahí en que se divide principalmente en dos: Color Sustractivo que se basa en la luz blanca ambiental, restándole colores específicos a dicha luz para conseguir el tono deseado.
Por otro lado, el color Aditivo que se basa primordialmente en la famosa rueda de color.

La rueda de Color

Cada tonalidad mostrada en esta rueda, representa una longitud de onda específica dentro del espectro electromagnético; por encima del ultravioleta y por debajo del infrarrojo. Pudiendo formarse así, una escala continua.
Sir Isaac Newton fue quien logró ‘domar’ los colores. ¿Cómo?, interpretó cada tonalidad producida gracias a un prisma. Dichas tonalidades siguen siendo consideradas la base del color en la actualidad.

La rueda está dividida en 12 secciones. Alrededor del círculo podremos encontrar los colores primarios: Rojo, amarillo y azul. Al mezclar dos de estos colores, se formarán los colores secundarios: naranja, verde y violeta. Finalmente, la base de un color primario con uno secundario, produce un color terciario. Naranja rojizo, Amarillo verdoso y azul violáceo. La forma en la que está compuesta la rueda, permite que cada color esté opuesto a un matiz complementario. El verde con el rojo, el naranja con el azul, etc. Aunque la cantidad de matices en una rueda varíe, los fundamentos siguen siendo los mismos.
Durante la época de Newton y algunos siglos después, los colores primarios se mantuvieron como base de la teoría del color. Sin embargo, cuando la impresión se automatizó, apareció un nuevo rango conocido como CMYK: Cian, magenta, amarillo y clave (negro). Actualmente, estos colores componen el sistema estándar utilizado en impresión.

Si de color aditivo se trata, este parte de la oscuridad tonal. En el siguiente ejemplo mostramos cómo al añadir intensidades de rojo, verde y azul; con los tres colores ajustados a su máximo brillo, el matiz resultante es blanco. Este resultado es conocido como RGB desde el año 1996.

Los Tonos

Muchos llamamos a los colores de diferentes maneras: Tonos, sombras, tintes, etc. Sin embargo, cada una de esas terminologías tiene significados completamente distintos.
Matiz: Se refiere directamente a los colores de la rueda de color.
Sombra: Tonos mezclados con negro.
Tinte: Matiz mezclado con blanco.
Saturación: Color intenso en relación con el gris.

Teorías

Aunque para muchos de nosotros, algunas combinaciones de color resulten atractivas; desde una perspectiva muy subjetiva, si hablamos del logo de una marca, ésta combinación podría resultar fatal. Es por ello que se considera muy importante aprender estas reglas básicas.

Armonía del color

Colores complementarios

Una de las primeras cosas que se debe hacer al momento de realizar el diseño de un logo es pensar en la armonía de los colores. Ya que esto también nos ayuda a reforzar la personalidad de la marca y el mensaje y/o sensación que queremos transmitir.

Como mencionamos anteriormente, los colores opuestos en la rueda del color conforman los colores complementarios. Su finalidad es generar un mayor contraste al colocarlos juntos; y así, generar un mayor impacto visual. Aunque se debe tener mucho cuidado con esta combinación y tener muy en claro la intención de la marca, ya que al juntar alguno de estos colores, podría ‘espantar’ a los consumidores.

Colores Monocromáticos

A comparación de los colores complementarios, los monocromáticos comprenden una combinación más sutil y sofisticada.

Para realizar esta combinación simplemente tomamos un color base; como por ejemplo, el azul y podemos ‘jugar’ con la combinación de un azul saturado con un matiz gris azulado. Aunque no genere gran impacto, conseguiremos el contraste suficiente para captar la atención del consumidor.

Colores análogos

Esto se basa en elegir un color de la rueda como color inicial y moverlo alrededor de la misma para poder elegir tres o incluso cuatro colores que funcionen muy bien con dicho color inicial. Estas combinaciones de color son recomendadas para aquellos que recién estén empezando en el mundo del diseño.

Colores Triádicos y Tetrádicos

Los triádicos; como su propio nombre lo dice, consiste en elegir tres colores divididos por la misma cantidad de espacio en la rueda; logrando así, un contraste significativo. Lo único que debemos hacer es procurar que exista un equilibrio entre los 3 colores.

Los colores tetrádicos componen dos pares de colores complementarios; con un espacio de separación, intermedio. Esta combinación suele tener increíbles resultados.

Ejemplos

Logos complementarios

Un clásico ejemplo es el de la combinación Rojo y Verde. Para muchos suele resultar un contraste poco agradable; sin embargo, como hemos podido comprobar, funciona muy bien si de Navidad y/o alimentos se trata.

Por otro lado tenemos como ejemplo: ‘Laker’s Angels’ equipo de baloncesto cuyo logo posee el contraste entre el color amarillo y el morado. En este caso funciona debido a que esos colores hacen alusión al espectáculo.

Por su parte, Mozilla Fox hace uso de colores complementarios mucho más sutiles: Naranja, amarillo y azul. Al igual que Taco Bell con su combinación de: Rosa, púrpura y amarillo en su antiguo logo.

Logos Monocromáticos

Logos Análogos

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Logos Triádicos y Tetrádicos

El logo de Burger King presenta una perfecta armonía triádica. El contraste de estos colores ofrece una armonía mucho más estética.

Otros ejemplos de Armonías triádicas están presentes en logos como Microsoft, eBay y Google; estos le brindan un toque de ‘diversión’ a marcas ligadas con la tecnología.

Psicología del color

Como se mencionó al iniciar el artículo, los colores pueden generar una serie de sensaciones y emociones en el consumidor. Ya sean positivas o negativas, estas pueden generar resultados gracias a la asociación realizada por parte del espectador al captar el color. Incluso pueden provocar efectos fisiológicos en las personas. Es por ello que es muy importante hacer un buen uso y elección del color.

Rojo

Este es el color que genera mayor impacto. Asociado con el deseo, la lujuria y la comida. Fisiológicamente hablando, este color puede ser capaz de aumentar la frecuencia cardíaca y la presión arterial de una persona.

Es por ello que muchas marcas utilizan el rojo para incentivar al cliente en comprar su producto, debido a la ‘excitación’ y adrenalina que este colore le genera. Se ha comprobado que en subastas, las personas ofrecen cantidades más altas si de un producto color rojo se trata, por otro lado, los objetos y/o prendas que poseen una etiqueta color rojo, obtienen mejores resultados.

Sin embargo, la mala utilización o el exceso de este color; debido a sus efectos fisiológicos, puede generar también mucho estrés en el consumidor.

Naranja

Derivado del rojo. Genera sensaciones de energía y fuertes asociaciones positivas en diferentes culturas como la: China, Budista e Hindú.

Uno de los motivos por los que podríamos tener cuidado con este color; si de una marca sobria se trata, es que también puede asociarse a marcas y/o conceptos infantiles.

Amarillo

Al igual que el rojo y el naranja, genera adrenalina en el consumidor, haciendo que nuestro corazón lata más rápido. Por su parte, los amarillos más intensos hacen que el espectador lo asocie con animales depredadores o insectos peligrosos.

Aunque en términos generales, este color suele provocar connotaciones muy positivas en el espectador.

Verde

El color verde siempre ha estado asociado a la naturaleza y esta no es la excepción. Representa cosas orgánicas, frescas y/o florecientes. En comparación con el naranja rojizo, el azul verdoso genera calma, se asocia con el aura espiritual y la paz.

Mientras que, el verde limón recoge características muy similares a las del amarillo.

Azul

El azul; al igual que el amarillo, representa acciones y emociones positivas. Los azules más claros provocan relajación en el espectador. Las marcas suelen elegir este color para parecer marcas confiables y/o profesionales; tales como las aerolíneas, mientras que en el caso de HP y General Electric buscan transmitir un mensaje de fiabilidad usando este matiz.

Púrpura y Violeta

Gracias a la realeza de cultura Occidental y la Japonesa, representa el lujo. Mientras que, según el cristianismo, este color simboliza la piedad. Pero en ambos casos hacen ver al púrpura más valioso que otros colores.

Por otro lado, también transmite sensualidad y extravagancia haciendo alusión a la joyería de amatista y flores púrpuras. Estos colores suelen lograr óptimos resultados al ser utilizados en una marca.

El Blanco y el Negro

El blanco se asocia con la pureza; en cuanto a diseño, se suele usar simplemente como fondo para contrastar con los otros colores.

El negro; por su parte, representa el dolor, la cultura gótica y ‘las nubes negras’. Pero en cuanto a publicidad respecta, este matiz refleja elegancia y profesionalimo. Claros ejemplos de ello son: Gucci y Lexus.

Aunque usualmente no estemos pendientes del color. Hemos podido comprobar que éste si genera un impacto en nosotros. Es por tal motivo que podemos afirmar que es necesario generar una buena y llamativa primera impresión. Estos fueron algunos conceptos del color que todo profesional y/o amateur en diseño debe conocer para lograr una eficaz transmisión de mensaje al consumidor, a través de su logo y/o color representativo de su marca.

Imágenes: Shutterstock

Conclusión

El color desempeña un papel crucial en la percepción y la decisión del consumidor. Desde influir en las emociones hasta generar impacto visual, su importancia es innegable. Comprender cómo funciona y aplicarlo estratégicamente en el diseño de marcas puede ser determinante para el éxito. Con la combinación adecuada, los colores pueden transmitir mensajes poderosos y diferenciar una marca en un mercado competitivo, demostrando así la relevancia de la teoría del color.

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¿Qué podría ser lo mejor de casarte con un ilustrador?… Que éste realice una serie de ilustraciones sobre ti y lo que haces día a día… Ben Pannel, romántico y disciplinado empedernido.

El ‘romántico’ ilustrador; Ben Pannel, decidió darle como regalo de cumpleaños a su esposa; Adrianne, una serie de ilustraciones hechas por él. En estas ilustraciones, Pannel retrata una situación cotidiana; durante un mes, de manera satírica.

Pero no todo gira en torno al romance. Otro de los objetivos de Ben, era mejorar su técnica y buscar superarse a sí mismo. Este significó un gran reto para él ya que nunca antes lo había hecho.

El ilustrador; para realizar su trabajo, hizo uso de los programas de edición y diseño: Clip Studio Paint; que es en el que realizó el bosquejo original, Photoshop; en donde realizó la colorización e Illustrator; programa en el que generó textos y patrones.

Adrianne; su esposa, no se interpuso a este regalo. Este fue un arduo trabajo que le costó algunas veces dos horas; mientras que otras veces, le tomó entre nueve a diez horas para terminar. Pero; sin duda alguna, este reto valió la pena ya que éste lo volvió más hábil y rápido, Por otro lado, el resultado es simplemente increíble.

#1 ‘Loca Gatuna’

#2 Miniatura Mañanera

#3 Vampira chocolate

#4 Bailarina Lujosa

#5 Completamente mala (Día de su cumpleaños)

#6 Próxima a ser una víctima de película de terror

#7 Súper-jardinera

#8 Súper agente secreta

Puedes conocer las ilustraciones de más artistas que reflejan su creatividad, revisando los siguientes artículos: 

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#9 Estereotipo mundial del país

#10 Mujer salvaje del Oeste preocupada por el destino de su pistolero

#11 Jardín Inglés

#12 Movimientos de la ‘Cinturón Blanco’

#13 El temor más grande

#14 Botín pirata

#15 Monstruo de San Valentín

#16 Cazadora de Dragones

Imágenes: My Modern Met

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La proporción áurea desde sus inicios

El concepto de proporción áurea viene desde miles de años. Por ejemplo, si nos damos cuenta de las obras o infraestructuras antiguas, vemos que la Gran Pirámide de Guiza, Egipto o el Circo, uno de los lienzos de Georges Seurat tiene un color predominante que es la proporción áurea. Ahora, vemos que este tono está siendo utilizado para el marketing, logos, sitios web y en más materiales visuales para las marcas.

El circo de Georges Seurat

Otras personas también señalan que la proporción áurea está en el Sacramento de la Última cena, cuadro de Salvador Dalí; la Creación de Adán, un lienzo de Miguel Ángel, entre otros lienzos de la Edad Contemporánea.

Definición de la proporción áurea

La proporción áurea surge de la relación de un segmento A y un segmento B. El segmento A es más largo que el B, mientras que la longitud total de la recta es, al segmento A como el segmento A es al B.

Otros la relacionan con la ecuación o la letra griega conocida como pi, que en número es 1,61803398875. Algunos señalan que tiene una serie interminable de dígitos que no se repiten y no puede expresarse en fracción.

Fuente: Shutterstock

La proporción áurea en la naturaleza

Algo que se relaciona con la proporción áurea es la “espiral dorada”, que se crea dibujando un arco continuo que se mueve a través del rectángulo de oro. Pero, en la naturaleza se puede encontrar que hay objetos con proporción divina como las conchas marinas, pétalos de flores, conos de pino, cabezas de semillas, entre otras.

Fuente: Shutterstock

Estos diseños e ilustraciones han llamado la atención de muchos por estas peculiares cosas. Conoce más sobre esto en los siguientes artículos:

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La proporción áurea en el ser humano

Si la proporción áurea tiene vínculos con la naturaleza, también lo tiene con el ser humano. Por ejemplo, nos damos cuenta que el cuerpo humano tiene algunos tonos de dorados. Por ejemplo, de las proporciones del brazo hasta la cara de la Mona Lisa tiene tonos y secciones dorados.

Muchas personas se han preguntado hasta que nivel se puede percibir la belleza facial de la proporción dorada. Según algunas teorías, se dice que si se calcula el ancho de la longitud del rostro humano y se divide por la longitud del ancho, se obtiene el número más cercano que nos puede indicar que la cara tiene índices áurea, por lo tanto, esa cara es hermosa.

Fuente: Shutterstock

La proporción áurea en el diseño

Como decíamos, la proporción áurea  está siendo utilizada para las páginas web, los anuncios, las portadas de las revistas y las ilustraciones. Esto es un gran ejemplo de que áurea se puede usar para guiar la colección de objetos, la forma de logotipos, entre más objetos.

Contenido y Diseño web

En diseño web, la proporción áurea se puede aplicar a dónde y cómo se coloca las columnas de texto. Es decir, si una página representa un amplio bloque de contenido a la izquierda con una columna más estrecha a la derecha, esto atrae al visitante, y podrás resaltar lo más importante.

Además, puedes crear un ancho de 960 píxeles, la columna izquierda debe tener 593 píxeles mientras que la derecha debe tener 367 píxeles de ancho.

En algunas páginas web, vemos que estas tienen proporciones áureas que ayudaran a navegar al usuario por el contenido audiovisual, fotográfico y textual. Algunos ejemplos de estos sitios web son Fast Company o BuzzFeed, en donde el diseño de dos columnas muestra el contenido relevante.

La proporción áurea en la fotografía

La proporción áurea también tiene un lugar en la fotografía. Cuando se toma una imagen, pensamos en la composición que esta va a tener, dándole un encuadre interesante. Aquí se puede cumplir con la espiral de Oro, enfocando la imagen en la curva del espiral, creando así una composición más atractiva.

Fuente: Shutterstock

Regla de los tercios: Sin embargo, hay otro enfoque de la composición fotográfica que es la Regla de los tercios. Aquí se puede colocar los puntos de interés en las intersecciones de las líneas, y obtendrá una fotografía equilibrada.

Fuente: Arte

Fuente: Sofia Zhuravetc

Según la Dnews de Discovery Communications, señala que con la proporción áurea, hace que las imágenes sean más equilibradas y las hace más naturales. En cambio, con la Regla de los tercios, la fotografía puede notarse forzada y demasiada compuesta.

Fuente de información: Shutterstock

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 El ilustrador y artista digital; Charis Tsevis, estudió publicidad y diseño en Milán y Atenas. Actualmente trabaja con clientes potenciales como Pepsi, Nike, Toyota, Ikea, Time, The Wall Street Journal, entre otros.

Además, contribuye a ‘prominentes publicaciones’ con artículos sobre ‘Teoría del diseño’, ‘Estética’ y ‘Ciber Cultural’.  Tsevis ha sido galardonado por sus ilustraciones en EPICA, NPSA y ED-Awards en los Estados Unidos. Esto es gracias a la dedicación y creatividad que emana de sus trabajos.

El artista digital recuerda que desde siempre le ha encantado el mundo del arte, pues desde muy niño le gustaba pintar y dibujar. Este pasatiempo nunca se detuvo; al contrario, se volvió una profesión.

Tsevis comenta que su mayor fuente de inspiración es la naturaleza y sobre todo, la humanidad. Le gusta ver cómo los seres humanos interactuamos con nuestro mundo. Por otro lado, considera que en realidad ‘todo’ puede servir de inspiración ya que como él afirma: “La belleza e interés, uno lo puede encontrar en cualquier rincón de este mundo”.

Por su parte, Charis cree que en cuanto al arte respecta; el término ‘estilo’ no es el más adecuado, sino más bien ‘formas de arte’. Sus formas de arte se basan en; la complejidad visual y en su relación con la simplicidad, a través de la técnica del mosaico. Es por ello que le gusta construir composiciones de diversos elementos. Esta pasión la ha mantenido ya durante 20 años y ésta se hace cada vez más fuerte.

Su principal referencia es el movimiento futurista de principios del siglo XX. “No sólo por el aspecto artístico y el lenguaje visual que querían expresar el movimiento, la energía, el ruido y el progreso”, señala Tsevis.

Así mismo; “Al igual que los futuristas, veo que la belleza de las  máquinas está al mismo nivel que otros temas de arte”, agrega el ilustrador.

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A pesar de su talento y conocimientos, Tsevis no deja de seguir aprendiendo. Ha pasado muchos años estudiando la Ciber Cultura y la historia de la computación. Esto debido a que su principal trasfondo es el arte informático.

Considera que el Arte es la actividad más agradable y pacífica que ha podido hacer y ésta lo hace sumamente feliz.

Charis aconseja a todos aquellos a los que les gusta el arte: “Ama lo que haces y respeta lo que amas”. Él cree que amar el arte es suficiente para que puedas dedicarte a ello.

A continuación, algunas otras ilustraciones de Charis Tsevis.

 Si quieres ver más del artista, entra a este link.

Imágenes: Behance

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El ilustrador y diseñador gráfico; Christi Du Toit, es requerido por diversos clientes debido a su excelente trabajo entre colores, juego de sombras y siluetas presentadas a través de sus ilustraciones. Actualmente trabaja independientemente buscando plasmar su creatividad e imaginación a través de su pasión; la ilustración.

Du Toit comenta el haberse sentido atraído por el arte desde siempre. El hecho de haber crecido en un ambiente muy artístico: Una madre a la cual le gustaba observar mientras pintaba y un padre que realizaba planos arquitectónicos para casas; hicieron que su amor e interés por sumergirse en una atmósfera creativa, creciera.

Como se sabe, cuando un artista realiza proyectos para otros clientes la única inspiración que puede contar como tal, se basa en la meta de querer satisfacer al cliente logrando plasmar lo que él quiere o incluso más de lo que espera, en nuestro trabajo.

Ese es el caso de Christi, quien constantemente realiza ilustraciones para otras personas y/o marcas. Sin embargo, si de ilustraciones personales se trata; su mayor inspiración es la música, otra de sus más grandes pasiones.

“La letra, el sentimiento y el mensaje general que ciertas bandas y canciones transmiten a menudo se presta a una interpretación visual”, señala Du Toit.

Christi nos presenta una variedad de ilustraciones contrastadas entre sí. Por un lado, sus ilustraciones cuentan con un ‘estilo’ muy colorido, vibrante y divertido; mientras que, por otro lado podemos ver imágenes más oscuras y ‘malhumoradas’.

Así mismo, algunos trabajos son más serios y fieles a la realidad como lo es en el caso de los clientes. Finalmente también desarrolla personajes caricaturescos pertenecientes a un mundo imaginario. Por lo tanto, como asegura Christi, su estilo no podría definirse.

De lo que sí está seguro es que le gusta ver un diseño que parece hecho a  mano y ‘ligeramente imperfecto’, pues considera que eso es lo que le da carácter a la ilustración.

El ilustrador comenta que si debe hacer una ilustración sobre un tema que le es casi desconocido, entonces buscará todas las referencias necesarias, pero de no ser el caso, simplemente empieza a dibujar y deja que la creatividad fluya.

Para Christi, la ilustración es su más grande amor, su pasión. Él está seguro de que si no tuviese que ganarse la vida a través del arte; igual se daría un tiempo para dedicarse a ello. Pues para él no hay nada mejor que tu vocación sea también tu profesión.

Pero como todo artista, o profesional en general, Christi también ha tenido malas experiencias en el mundo del arte; sin embargo, como él comenta: “cada vez que me siento mal por ello, sólo  recuerdo que tengo que hacer dibujos para ganarme la vida en lugar de sentarme en un trabajo de oficina sin salida…” 

Du Toit aconseja a todos aquellos a quienes les interesa seguir este camino: “Nunca dejes de amar el arte”. Pues ese es un factor clave para poder dedicarte a ello y no rendirte. Además, el ilustrador asegura que a través del arte se progresa y aprende constantemente; y eso, es lo que hace esta experiencia más emocionante.

 A continuación te presentamos algunas otras ilustraciones de Christi Du Toit.

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Imágenes: Behance

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 El ilustrador Inglés; Mattias Adolfsson, luego de trabajar durante muchos años en la Industria de los juegos para computadora; decide retirarse para seguir su vida profesional a través de su vocación: el dibujo.

Aunque el ilustrador asegura que trabajar como artista independiente; no es del todo perfecto, ya que uno no puede vivir del amor por el arte. Una de las principales desventajas es que tienes que estar esperando constantemente que las comisiones lleguen. Sin embargo, cuando esta metodología de trabajo funciona, es genial.

Adolfsson comenta que el arte tradicional nunca fue su mayor interés. Él se la pasaba dibujando y nunca renunció a ello con el paso de los años. Considera que su gran amor es el dibujo y la ilustración.

Por otro lado; la música, sus viajes, los libros y películas siempre han sido sus fuentes de inspiración. Así también señala que es en los momentos de relajación en los que su talento e ideas fluyen mejor.

Aunque no está seguro de saber si hay algo que defina exactamente su estilo; lo suyo son los trazos simples y los colores acuarelados.

El trabajo del detalle en sus ilustraciones es simplemente maravilloso. El armonioso ‘caos’ que se puede observar en sus trabajos nos demuestra la constancia, paciencia, creatividad y perseverancia que Mattias le dedica a cada ilustración que realiza.

Ha trabajado para el New York Times, ha realizado las ilustraciones para un videoclip musical animado, así también ha trabajado para empresas de accesorios para bebés, realizando  dibujos para manteles de bebé. Fue contratado también para hacer una ilustración que sería puesta en un rompecabezas y demás.

Mattias comenta que le fascina trabajar en escenas muy ‘ocupadas’ (llenas de detalle), ya que al inicio él no tiene un gran plan establecido, simplemente deja fluir su creatividad mientras va dibujando. El resultado final, siempre termina siendo increíble. Muestra de ello es uno de sus últimos trabajos; el cual, se basa en su espacio de trabajo pero con cierto toque de fantasía.

Su consejo para aquellos a los que les guste el arte es simplemente que nunca dejen de esforzarse por completo. “Muchos artistas probablemente nacen con el talento, pero hay otros artistas a los que nos cuesta años de duro trabajo para poder ser considerados buenos artistas”, señala Adolfsson.

“La perfección a través del detalle, el juego de sombras y colores acuarelados es lo que nos ofrecen las ilustraciones de Mattias Adolfsson”

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El arte de la imaginación y las habilidades de Evgeny Viitman, se juntaron para crear increíbles diseños. En esta serie de animaciones, Viitman nos presenta a: “Musaka, That Bob, Robodude, Alice, Zunn, entre otros de los personajes de ‘Viajeros del Espacio’.

Evgeny Viitman, diseñador de personajes, videojuegos y director de arte con más de 10 años de experiencia desarrollando videojuegos. Considera que su inclinación por el arte se debe a que desde muy pequeño trató de seguir los pasos de sus padre; un par de artistas teatrales. Le gustaba observar cómo sus padres trabajaban creando escenografías, diseñando personajes para obras de teatro, dibujando, pintando y esculpiendo.

Según Viitman, “El arte del juego está muy cerca del arte teatral”. Aunque eso es algo que no nos consta; coincidimos en que el haber vivido rodeado de arte desde su infancia, logró que este artista desarrollase su talento y espíritu creativo.

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En cuanto a sus principales fuentes de inspiración se encuentran: Su esposa, los dibujos animados, el ambiente y la música. Además, “ver cómo mis hijos crecen y van desarrollando más habilidades es algo sumamente inspirador para mí”, comenta Evgeny.

Los famosos dibujos animados: “Rick & Morty”, “Adventure Time” y “Bob Esponja” son también parte de su inspiración. Además describe a las obras de Miyazaki como: “¡El apogeo de la maravilla!”.

Considera que su estilo se basa en la sencillez y la consistencia; no en la perfección, ya que él no cree que algo deba ser perfecto. Viitman considera que es en aquello que no ‘brilla’ en donde aparece la estética.

Entre sus referencias se encuentra la aclamada saga de películas de “Star Wars”, “Firefly”, Dungeon Keeper”, Toulouse Lautrec”, entre otros. Si bien; podemos ver algunas de esas referencias reflejadas en los diseños de Evgeny, rescatamos la originalidad y esencia propia del mismo.

Considera que dentro del mundo del arte; sobre todo, en el de diseño de videojuegos, es factor clave que el artista se muestre versátil a los cambios y peticiones de sus clientes. “Es muy difícil encontrar un alma que sea similar a la tuya dentro de las relaciones de negocios en el desarrollo del juego. Siempre será como: te encanta esto y quieres ir a este estilo, pero nadie te dará dinero para eso, y es por eso que te tienes que ajustar”, comenta el diseñador.

Finalmente, Evgeny aconseja a todos aquellos que aman el diseño y/o el arte en general que: nunca deben rendirse. Por otro lado,  nunca dejar de creer. No importa necesariamente cuál sea el resultado final; será el proceso de creación, lo que nos sirva para seguir aprendiendo y descubrir el camino que nos apasiona.

Imágenes: Behance

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 El ilustrador y artista digital, Cihan Engin, desarrolló su interés por el dibujo clásico, la pintura y el arte en general desde que era muy niño. Sus primeros pasos como artista los dio dibujando personajes de Walt Disney como Duck Donald y los Caza Fantasmas.

Uno de sus más grandes referentes fue su padre, quien como el artista asegura: “Tenía mucho talento y un buen sentido de la perspectiva”. Ello motivó al ilustrador a tratar de seguir sus pasos y sumergirse en el arte. Tras descubrir un libro sobre Miguel Ángel, quedó tan fascinado con el arte que optó por recibir educación artística profesional.

Sus dos grandes inspiraciones son la mitología y la arquitectura. Eso es lo que podemos ver reflejado de manera óptima a través de sus ilustraciones. Una de las características más interesantes de Cihan es que él aprovecha; a través de su trabajo, el entorno contemporáneo e histórico de su país; Turquía, pero desde una perspectiva futurista.

“Después de terminar mis estudios académicos en arte, decidí dejar la pintura clásica con el pincel y abrazar el arte digital con una tableta gráfica, convirtiendo mi computadora en un lienzo”, comenta Cihan.

Su gran referente es Rembrandt Harmenszoon quien gracias a su juego de iluminación y sombras, plasmado en sus pinturas, influye mucho en el estilo de Engin.

En cuanto a su experiencia como artista, Luego de graduarse de la facultad de Bellas Artes, comenzó a trabajar en una agencia de gráficos como Director de Arte durante dos años. Después, empezó su taller enseñando a estudiantes de arte mientras él seguía trabajando en sus proyectos. Tiempo después, empezó a trabajar diseñando gráficos para una empresa de juegos móviles para IOS y Android. Es ahí donde trabaja por cinco años y sus ilustraciones empiezan a ganar reconocimiento a nivel nacional. Participó en numerosas exposiciones, mixtas e individuales.

Se le otorgó un premio a la exposición nacional por un trabajo temático sobre el calentamiento global y el cambio climático. Actualmente trabaja como freelancer en su propio espacio, en donde ha podido desarrollar nuevas habilidades como: pintura digital y efectos especiales de video en After Effects.

Para Cihan es esencial que quienes estén interesados en seguir este camino como artistas, reciban la educación requerida. Por otro lado, recomienda que se debe estar dispuesto a probar nuevos estilos. Pero sobre todo, lo más importante, según Engin es: Saber de dónde venimos y conocer nuestras raíces culturales ya que para él, muchas veces los artistas sacan la mejor inspiración de los lugares a los que pertenecen.

Cihan Engin; artista digital, nos enseña que podemos aprovechar nuestro entorno como fuente de inspiración para crear un universo de arte y fantasía como el que él nos muestra a través de sus ilustraciones.

Si quieres ver más de Cihan Engin, puedes entrar a este link.

Imágenes: Behance

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