Ambas empresas conjuntas planean expandir sus límites fuera de la música. Con el fin de captar un mayor público dentro de los fanáticos de los Toon. De igual manera, HYBE de BTS, ha demostrado que están sobrepasando las fronteras nacionales y culturales. Esto, en conjunto con Ithaca y su sede en Estados Unidos. En unas declaraciones, Braun dijo que el éxito de esa asociación será porque tienen en común la pasión por la música.

¿Cómo será la iniciación de los BTS al mundo de los Toon?

HYBE de los BTS, tiene como objetivo expandir la música a través de las nuevas tecnologías. Por esto, ha involucrado a este grupo de chicos en un nuevo juego animado que se proyecta lanzar en la primera mitad del año 2022. Suga, rapero y productor de los BTS de HYBE, dijo que podrán disfrutar de un juego en el que han puesto todo su esfuerzo.

Igualmente, Jimin, quien es cantante y bailarín de BTS, dijo que espera ver a la gente relajarse jugando este nuevo lanzamiento. Dentro de esta iniciación, se integrarán notificaciones que asombrarán a los fanáticos. De hecho, dijeron que la plataforma dará alertas en vivo cuando se proyecten videos conmovedores de sus artistas preferidos.

La mirada de HYBE de los BTS en otras Boy Bands

Hybe de los BTS, no solo quiere centrarse en una sola banda de chicos con actitud. Por el contrario, tiene en su lista de webtoons a otras boy bands como “The Star Seekers”. También se proyectan en colaboraciones con Tomorrow x Together (TXT) y “Dark Moon: The Blood Altar” que involucra a Enhyphen. Igualmente lanzaron un estreno para el 2022 con “Crimson Heart” sobre una historia clásica de niñas mayores de edad.

Además de ello, dice que los artistas de HYBE de los BTS, estarán dentro de los proyectos en contenido animado sin limitaciones por géneros específicos. También informaron que tendrá disponibilidad en su portal webtoon de Naver para todo el mundo. Se espera que logren todos estos proyectos para lanzarse a principios del 2022.

Conclusión:

Esta asociación viene siendo armada por una gran campaña de marketing para estos artistas. Tanto los HYBE de BTS como Ithaca de Scooter Braun, serán beneficiados de la gran apuesta de sus representantes en el mundo de los Toon. Sin embargo, ambas compañías seguirán buscando expandirse con otros grupos sin exclusión de género. Tal como mencionaron en ese evento una próxima colaboración con un grupo de pop femenino.

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Dicho evento recibió casi 10 mil fotografías procedentes de 70 países distintos. En su decimotercera edición, el pasado 16 de julio anunció a los ganadores de su concurso seleccionando al mejor fotógrafo de perro del año 2018. Las fotografías celebran a los caninos en muchos de sus aspectos, desde sus extravagancias hasta su sentido del deber.

1. Ganador de la categoría “ancianos, de Mónica van der Maden

Mónica van der Maden, ha sido elegida como ganadora general de la competencia con su imagen titulada “Noa el gran danés”. Esta fotografía fue hecha en la mañana en un bosque de los Países Bajos. Quería fotografiarla en una posición donde estaba sentada relajada junto a un árbol. Sin embargo, cuando intentó sacar la instantánea, giró la cabeza hacia la izquierda de su dueño y ese fue el momento en que pude retratarla.

2. Ganador de la categoría “perros jugando”, de Elinor Roizman

‘Esta foto en particular fue tomada en la playa justo antes del atardecer. La protagonista es Lili, un perro Pomerania, es una raza canina de la familia Spitz. El título de la imagen es “Te atraparé”. La fotógrafa Elinor Roizman, había llevado a cuatro caninos para fotografiar, Lili, la perra más pequeña, comenzó a saltar de placer hacia las burbujas de jabón. Momento que no dudó en capturar en ese instante.

3. El segundo ganador de la categoría “Dog at play”, Reino Unido

Esta foto titulada como “volar libre” en particular fue tomada en septiembre en la playa de West Wittering. La fotógrafa aficionada Steffi Cousins estaba junto a sus tres caninos, cuando el más pequeño estaba saltando por todos lados. Por supuesto, no desaprovechó de fotografiar a Heidi, un perrito Chihuahua, quien estaba jugando en el agua. Definitivamente se puede ver su extravagante energía.

4. Tercer lugar en la categoría cachorros, de Robyn Pope, EE.UU

Cachorro cruzado fotografiado para Doodle Rock Rescue. En esta imagen, el autor supo que la fotografía perfecta sería en el momento en que Snickers comenzó a rodar sobre la manta. En la cual podría retratar su entusiasmo por la vida. Una foto que lo ayudaría a encontrar el hogar lúdico perfecto. Al fotógrafo Robyn Pope, le encanta trabajar con perros de todos los orígenes para capturar fotos extraordinarias dignas para los padres de mascotas más exigentes y de clientela comercial exigente.

5. Ganador del 1er lugar de categoría de Cachorros, de Klaus Dyba, Alemania

Titulándola como ‘Little Ceylin’, la retratista de animales Klaus Dyba fotografió al cachorro llamado Ceylin un Lebrel italiano. La misma que significa mucho para autora, pues este vendría ser el segundo cachorro de su mejor amigo. Con 13 semanas de edad, Ceylin tiene toda la vida en frente de ella. Puedes verlo en su expresión.

6. Ganador del 3er lugar de la categoría “Mejor amigo del hombre”, de Cheryl Murphy

Cheryl Murphy, la fotógrafa de Reino Unido título como “Home” a la fotografía realizada a la perra Ruby Roo, un Golden Retriever. La instantánea de Ruby fue tomada mientras descansaba con su amiga después de jugar con su hija Nellie. Su mayor pasión es capturar perros jugando y divirtiéndose en su entorno natural. Considera que la cámara es una excelente forma de grabar lo que a simple vista se perderá.

7. Ganador de la categoría “Me encantan los perros porque”, de Tamara Kedves

Con el título de ‘Un corazón, una familia’, Tamara Kedves fotografió a una cadena de perros, todos collies fronterizos. Una estudiante de 16 años que vive en Hungría. Comenzó a fotografiar hace tres años cuando se dio cuenta de la alegría que sentía al tomar fotos de la naturaleza y los animales. Desde entonces, ha fotografiado innumerables momentos inestimables, siendo sus propios canes su más grande inspiración. Para ella, el objetivo de la fotografía es capturar un recuerdo y hacer que dure para siempre. Esta foto de familia fue tomada en una soleada tarde de primavera como la última de la sesión.

8. Ganador del 3er puesto en la categoría “Retrato”, de Michael M Sweeney

El fotógrafo Michael Sweeney, título la imagen como ‘Tormenta de Winters’, al fotografiar al can llamado Hugo de raza Pomerania. Fotografió a su perro en la ventana de su apartamento en Glasgow. Utilizó la luz natural disponible durante una tormenta invernal de granizo, viento y lluvia.

Mención especial para Alice Loder, Reino Unido

Alice Loder, la retratista animalista nombró su captura como ‘Black Velvet’. Esta imagen fue tomada mientras estaba de paseo con mascota. Raramente la autora toma su cámara con su perro caminando, pero el brezo púrpura era demasiado hermoso para dejarlo atrás. Después de todo, ¿quién no ama el negro y el morado?

Mención especial para Leslie Plesser, EE.UU

La retratista de Minneapolis, Leslie Plesser,  siempre ha sido un amante de los perros. Pero su verdadero amor por la fotografía de mascotas comenzó cuando adoptó a dos cachorros y los fotografió jugando y creciendo juntos. Fue tomada la primera vez que intenté fotografiar algo bajo el agua.

El concurso fotográfico contó con 10 categorías distintas. De esta forma, el ganador general recibió una pintura al óleo original de su imagen, elaborada por la artista Sara Abbott. Mientras que, todos los ganadores de las distintas categorías exhibirán sus imágenes en el Kennel Club de Mayfair y tendrán un espacio en el portal de fotografía SmugMug para exhibir su trabajo en línea. Además, recibirán un trofeo de manos de los organizadores.

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Fuente: Mashable

“Le Voyage dans la Lune” es una película francesa en blanco y negro de 1902 la cual, a pesar de ser de ciencia ficción, es muda. Fue dirigida por Georges Méliès y está basada en dos conocidas novelas: De la Tierra a la Luna, de Julio Verne; y Los primeros hombres en la Luna, de H. G. Wells.

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Viaje a la Luna VR

Pero esta nueva experiencia que Google ha creado, en realidad, coincide con la fecha de lanzamiento de la emblemática obra de 1912 de Méliès, À la conquête du pôle (La conquista del Polo), sin embargo, fue su otra obra la elegida para inmortalizarla de esta manera.

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Este cortometraje interactivo de 360 ​​° convertido en Doodle puede ser visto en dispositivos móviles, de escritorio o mediante lentes VR (incluido el propio Cardboard o Daydream de Google), y también puede ser visto descargando la aplicación Google Spotlight Stories, en Google Play.

De regreso a la Luna

“Back to the Moon”, nos muestra la historia de un ilusionista enamorado, embrujado por una audaz reina de corazones, que es secuestrada por un tipo malvado. En esta singular aventura, los desarrolladores utilizaron referencias directas a los innovadores experimentos cinematográficos de Méliès y, por supuesto, hay un hermoso tributo a la icónica película de Méliès, de 1902. Véanlo a continuación:

Ante esto, Laurent Manonni, director de patrimonio de la Cinémathèque Française, dijo en un comunicado para Google que el trabajo “revolucionario” de Méliès desató el comienzo de los efectos especiales utilizados hoy en el cine: “En una época en que la cinematografía era incipiente y casi exclusivamente documental, Méliès abrió las puertas del sueño, la magia y la ficción”, dijo.

Detrás de cámaras

Si eres fanático de este estilo y temática, vean a continuación el detrás de cámaras de este original Doodle, el cual incluye parte de su desarrollo, muchos bocetos y clips de películas.

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Fuente: Sensacine

Su origen se remonta a 1979, cuando comenzó como The Graphics Group, la división computacional de Lucasfilm. Casi una década después, la empresa fue adquirida por Steve Jobs, quien invirtió en ella para convertirla en una empresa independiente de animación. En 2006, Disney adquirió el estudio y con ello cambiaron por completo el juego.

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Las reglas del juego

Pero este éxito no se dio por pura casualidad ni de la noche a la mañana. A la par del equipo que lo conforma, y al igual que las reglas de Chuck Jones del Coyote y el Correcaminos, una serie de reglas tuvieron que ser creadas para que sus historias sigan una línea que los ayude en su elaboración, y para que las identifique como si de un sueño se tratara.

Esta lista contiene un total de 22 reglas que la casa usa para crear historias exitosas, las cuales sirven de médula espinal para que, según cada film, sepa llegar al corazón del público a través de historias de amor, de superación, diversión y miedo, pero todas con algo que contar.

22 Reglas de Pixar para crear historias

1. Debes admirar más a un personaje por lo que intenta que por lo que conseguirá.

2. Debes tener en mente qué es interesante para el público, no lo que es divertido hacer para ti como escritor. Pueden ser cosas muy distintas.

3. Tener un tema es importante, pero no verás de qué trata realmente la historia hasta que la termines. Cuando lo hagas, reescribe.

4. Sigue esta estructura para contar una historia: Había una vez un __________. Cada día, ________________. Hasta que un día _____________. Entonces, _________________. Hasta que finalmente ______________.

5. Combina personajes. Sáltate los desvíos. Sentirás que pierdes algunas cosas valiosas, pero sentirás libertad de contar la historia.

6. Responde a estas preguntas ¿En qué es bueno tu personaje? ¿Con qué se siente cómodo? Piensa en el polo opuesto y haz que lo desafíe. ¿Qué ocurre entonces?

7. Construye el final antes que la mitad de la historia, en serio. Los finales son difíciles; definir con anticipación el tuyo te dará ventaja.

8. Termina tu historia; déjala ir incluso si no es perfecta. En un mundo ideal tendrías ambas cosas, pero tienes que seguir adelante y hacerlo mejor la próxima vez.

9. Cuando estés bloqueado, haz una lista de lo que NO debería suceder a continuación. Muchas veces el material para desatascarte aparecerá así.

Fuente: Bustle

10. Pon aparte las historias que te gustan. Lo que te gusta de ellas es una parte de ti; tienes que reconocerlo antes de poder usarlo.

11. Ponerlo sobre el papel te permite empezar a arreglarlo. Si lo dejas en tu cabeza como una idea perfecta, nunca lo compartirás con nadie.

Fuente: iamag

12. Descarta la primera cosa que aparezca en tu mente. Y la segunda, tercera, cuarta, quinta… Aparta lo obvio de tu camino.

13. Un personaje pasivo/maleable puede resultarte agradable mientras lo escribes, pero es un arma de doble filo frente a la audiencia.

14. Encuentra el corazón de tu historia respondiendo a estas preguntas: ¿Por qué debes contar ESTA historia? ¿Cuál es la creencia que arde dentro de tu historia y de la que se alimenta?

15. Si tú fueses tu personaje, en esta situación, ¿cómo te sentirías? La honestidad aporta credibilidad a situaciones increíbles.

16. ¿Cuáles son los riesgos? Ofrece una razón que guíe al personaje. ¿Qué ocurre si no tiene éxito? Haz que tenga muchas probabilidades en contra.

17. Ningún trabajo es una pérdida de tiempo. Si no funciona, déjalo ir y sigue adelante; volverá a serte útil después.

Aprende la diferencia entre hacerlo lo mejor posible y preocuparte por detalles nimios. Escribir una historia es experimentar, no refinar.

19. Usar la casualidad para meter a tus personajes en problemas es algo bueno; usar la casualidad para sacarlos de ellos, es hacer trampa.

20. Un ejercicio: selecciona los componentes básicos de una película que no te guste y reorganízalos para convertirlos en lo que te gusta.

21. Tienes que identificarte con tus situaciones/personajes; no puedes limitarte a escribirlos. ¿Qué te haría actuar de esa forma?

22. ¿Cuál es la esencia de tu historia? ¿La forma más sencilla de definirla? Si sabes eso, puedes construirlo todo a partir de ahí.

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Y es que las cámaras y, sobre todo, la genialidad del fotógrafo logran capturar imágenes espectaculares de la naturaleza en su máxima expresión. Uno de los campos más interesantes de este arte es la fotografía submarina, donde las imágenes muestran escenarios completamente distintos a la vida en tierra.

Cada año se realiza el British Underwater Photographer of the Year Contest, el Concurso Británico de Fotografía Submarina y acaban de anunciar a los ganadores de este 2018. En el concurso revelan una gran colección de fotos, donde cada una de ellas captura la gran belleza de la vida acuática.

Se presentaron más de 5 mil fotógrafos de todo el mundo y se eligieron a los ganadores en once categorías diferentes. Siendo algunas de estas, fotografía Macro, Gran angular, Naufragio, Comportamiento, Retrato, Blanco y negro, así como categorías especialmente dirigidas a fotos tomadas en Inglaterra.

Estas fotografías submarinas son tan impresionantes que al verlas te imaginas estar dentro del gigantesco y fabuloso océano.

En colaboración con Underwater Photography Magazine, el equipo de UPY (Underwater Photographer of the Year Contest) ha producido un anuario, que reúne las imágenes ganadoras de este año.

Una panorámica sorprendente

Fuente: mymodernmet.com

El primer premio fue para el fotógrafo alemán Tobias Friedrich, en su imagen llamada “CYCLE-WAR” se observa el interior de un naufragio que se perdió en el Mar Rojo, por Egipto. Lo que más llama la atención son los vehículos militares de la Segunda Guerra Mundial Británica.

La increíble vista panorámica muestra unas motos Norton 16H, cargadas en camionetas Ford 3 WOT, escondidas bajo una gruesa capa de musgo verde fluorescente.

Cisnes en perfecta simetría

Fuente: mymodernmet.com

Por otro lado, la categoría de mejor Fotógrafo Submarino Británico del Año fue otorgado al escocés Grant Thomas. En “Love Birds” se presentan un par de cisnes en Loch Lomond, Escocia, fotografiados en el preciso momento en el que, en perfecta simetría, sumergían sus cabezas bajo el agua.

Thomas explica: “Los cisnes estaban buscando comida debajo de la superficie, solo tuve que esperar ese momento perfecto de sincronía”.

Eligió a Loch Lomond como la ubicación de esta toma debido a su paisaje idílico, acceso al agua y cisnes amistosos.

A Thomas siempre le ha fascinado la fotografía superpuesta. Así que conectando el mundo terrestre que todos conocemos con los secretos submarinos menos familiares, se pudo obtener esta obra de arte.

Babosas a punto de ser devoradas 

Fuente: mymodernmet.com

Teniendo como objetivo promover nuevos talentos, la competencia también creó una categoría nombrada Up & Coming. El ganador de este año fue el fotógrafo de Malasia, Man BD con increíble imagen titulada “Roar”.

Ahí se muestran a un par de babosas de mar que están a punto de ser devoradas por una aterradora morena. Capturar ese sorprendente momento le costó a Man BD unos treinta minutos.

Un mamífero marino espectacular

Fuente: mymodernmet.com

El premio a la categoría Gran Angular se lo llevó Greg Lecoeur, con su obra nombrada “Humpback whale spy hopping”

Greg va todos los años a Tonga a fotografiar ballenas jorobadas, ya que este lugar ofrece la mejor oportunidad para interactuar con estos mamíferos. Para el fotógrafo, este año fue uno de los mejores y eso se puede notar en el increíble resultado.

Conexión entre tiburones y un humano

Fuente: mymodernmet.com

Otra foto magnífica de la categoría Gran Angular es “Surrounded” del artista Fan Ping. Esta imagen muestra a la conductora de tiburones Cristina Zenato, quien ha estado estudiando a estos animales en las Bahamas por más de 24 años.

Fan Ping asegura que el vínculo de Cristina con los tiburones ayuda a que científicos y fotógrafos entiendan y protejan a esta especie.

Elegantes caballitos de mar

Fuente: mymodernmet.com

El premio de fotografía Macro se lo llevó Shane Gross y su imagen “Seahorse Density”. Él dice que su intención era fotografiar a solo un caballito de mar y que fue un regalo ver a tres juntos.

Cuando no sabes si son animales amigos o uno se va a comer al otro

Fuente: mymodernmet.com

Las fotos macro nos permiten apreciar a detalle toda la imagen. Otra captura que estuvo a punto de ganar fue “Friend or Food?!” de Songda Cai. Se ve aun congrio enroscado en si mismo y mirando a su presa.

Lo que sería una cadena alimenticia 

Fuente: mymodernmet.com

“The fisherman” es la foto ganadora en la categoría de Comportamiento, en ella se muestra a un ave marina con una sardina en el pico. Este escenario se dio en el mar de China.

La obra es de Filippo Borghi.

¿Animal o ser mitológico?

Fuente: mymodernmet.com

“In Hinding” de Scott Gutsy fue tomada a una profundidad de quince metros.La fotografía pareciera ser de un animal inexistente pero se trata de un pez dentro de una medusa. Sin duda, una foto asombrosa.

Miles de peces y un tiburón

Fuente: mymodernmet.com

La foto retrato ganadora fue para “A sand tiger shark surrounded by tiny bait fish” de Tanya Houppermans. Al verla te  transporta a la increíble vida marina. Se trata de un tiburón rodeado de miles de peces.

Aterradores cocodrilos

Fuente: mymodernmet.com

La mejor fotografía en blanco y negro fue “Crocodile reflections”. El responsable, Borut Furlan, quería hacer la toma al atardecer, con colores cálidos. Sin embargo, cuando llegó al spot ya era muy tarde. Así que subió la configuración ISO y logró capturar esta instantánea formando sombras interesantes, que al convertirla a blanco y negro finalizó su trabajo de manera extraordinaria.

En la competencia también hubo una categoría especial para fotos tomadas en aguas británicas. En esta clase los resultados también fueron geniales.

No es un beso entre peces

Fuente: mymodernmet.com

La categoría de fotos Macro en  Aguas Británicastuvo como ganador a Henley Spiers. 

Aunque pareciera que se están besando, la imagen muestra a dos peces enfrentándose por los derechos de apareamiento.

La obra se llama “Battle of the Tompots”

Espectacular y tierna foca

Fuente: mymodernmet.com

“Scratchy Seal” es el nombre de otra foto tomada en las aguas británicas. Específicamente en las islas Farne.

Vicky Payner logró capturar una imagen de una foca del Atlántico en el mar de estas islas ubicadas en la costa oriental de Inglaterra.

Los peces también quieren llamar la atención

Por último, Tony Stephenson fotografió a unos peces lucio macho, tratando de encontrar a una hembra. Logrando una creación digna de ganar un premio.

Todos los fotógrafos son conscientes de lo importante que es proteger nuestro planeta; así que aparte de mostrar su arte, promueven el cuidado del mundo oceánico. 

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Como se sabe, el carnaval de Rio es uno de los más populares de todos, siendo este un evento con el que muchas personas sueñan participar por su música, bailes y coloridos atuendos que acompañan a una gran cantidad de comparsas. Pero este año tiene algo nuevo.

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Carnaval

El corto animado fue estrenado el pasado viernes 9 de febrero por Disney Channel y cuenta con la participación de José “Zé” Carioca, un divertido loro originario de Río de Janeiro, conocido por su ritmo musical y su entrañable amistad con el Pato Donald.

Fuente: DisneyWikia

“Carnaval” cuenta con una partitura original del compositor nominado al Emmy, Christopher Willis, quien creó estilos musicales únicos para esta animación, y nos muestra a la famosa ratona disfrutar de este festival, hasta que algo ocurrirá que pondrá a Mickey a correr por todos lados para salvar a su amada. Véanlo a continuación.

A pesar del protagonismo de Mickey, Minnie Mouse cuenta con más de 70 créditos cinematográficos y recientemente (22 de enero) recibió su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.

¿Sabían que League of Legends ha comenzado a presentar las historias de sus personajes a través de cortos animados? Conozcan la vida de Annie en el enlace a continuación.

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Fuente: ComunidadWikia

Si bien el juego tiene un sinfín de fanáticos, parece que la desarrolladora de videojuegos Riot ha encontrado la manera de llegar a un nuevo público contando la historia que envuelve a los campeones de lucha este universo, mediante cortos animados que dan un vuelco al equilibrio de poderes que hay entre ellos, para luego dar un viaje hacia el interior de cada uno de ellos para conocer más acerca de su presente y pasado.

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Annie

La primera de estas historias es Annie, uno de los primeros personajes que hubo en el juego y quien descubrió sus capacidades de piromancia de la peor manera. Y es que el fuego que ahora quema a los enemigos en los campos de la justicia, en el pasado provocó que esta pequeña lo pierda todo.

El film narra la dramática trama que dejó a la pequeña sin familia, con la única compañía de su oso Tibbers, quien es considerado como la última conexión que le queda a Annie con su madre, y es por ello que lo protege y lo quiere tanto. Sin más que decir, vean este film a continuación.

Making Off

Para conocer más a fondo sobre la creación de este vídeo, a continuación el making off de esta producción, en donde se explora la visión de los creativos a la hora de contar esta fascinante historia.

No hay duda que esta es una gran forma de aprovechar más esta saga y de enganchar a un público que no necesariamente está relacionado con el juego. Y es que al darles a sus personajes una historia que muestra sus habilidades y personalidad, uno puede sentir un vínculo mayor con el campeón.

Conozcan a través del enlace a continuación la alucinante acción publicitaria de PlayStation que convirtió una inmensa cancha de baloncesto en un enorme campo de God of War, en la mitad de un partido.

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Fuente: YouTube

Como suele suceder, las marcas tienen ciertos patrones publicitarios los cuales difícilmente se atreven a romper, sin embargo, de vez en cuando se animan por innovar y es ahí cuando comienzan a surgir nuevas e interesantes ideas.

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El problema

En Australia, los sanguches de frijoles son algo del día a día, sin embargo, existe el problema que cuando uno abre una lata de este producto para comerlo por sí solo, siempre termina desperdiciando el resto del contenido, además que su salsa chorrea demasiado.

Tras solucionar esto, la segunda parte recayó en la gente de la agencia Y&R Nueva Zelanda, quienes idearon esta fabulosa campaña para el nuevo Heinz Beans que al público se ha ganado.

Fuente: YouTube

Fuente: YouTube

Cuestión de tamaño

“A Can Size for Every Aussie” (Un tamaño de lata para cada australiano) es el nombre de este divertido corto animado inspirado en el mundo de Pixar que nos presenta a Goeff, jefe de innovación en Heinz Beanz, quien pasa su tiempo ideando nuevas cosas que ayuden en su trabajo.

Fuente: YouTube

Él tendrá la solución para el problema anteriormente explicado mediante la creación de un nuevo producto especializado con latas de distintos tamaños, junto con un etiquetado que cumple con su cometido desde el principio. Véanlo a continuación:

Sin duda, una manera distinta y más entretenida de hacer publicidad, para llegar a un público que busca algo distinto para huir de lo convencional.

Siguiendo la misma línea publicitaria, conozcan a través del enlace a continuación otra fabulosa campaña, esta vez de Renault, que recurrió al corto animado para promocionar su vehículo 100% eléctrico, con una divina historia de amor.

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Fuente: DailyDot

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Como suele pasar, no todos suelen ser activos en las arcas del amor, cosa que muchos relacionan con una falta de suerte o con algo que está fuera de nuestro alcance. Y cuando esa persona llega a nuestro corazón, muchas veces no lo queremos notar.

Extinguished

“Extinguido” es el nombre de este corto animado creado Jacob Mann y Ashley Anderson, ambos estudiantes de Ringling College, que nos muestra una representación física de las longitudes que uno debe tomar para controlar o abrazar las llamas del amor.

Fuente: DailyDot

En él, una persona que anteriormente no ha sido bien correspondido conocerá a una persona que encenderá la llama de su corazón, situación de la que él huye por miedo a ser rechazado. ¿Qué sucederá? Véanlo a continuación.

Este proyecto fue creado como parte de la tesis de último año de ambos estudiantes, y tardó casi un año y medio para producir. Como se puede observar trata sobre un tema que muchos han vivido, el del amor no correspondido, pero dejando también una pregunta para reflexionar: ¿Qué está uno dispuesto a arriesgar por amor?

Fuente: TheCGBbros

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No es para menos, pues es uno de los estudios más grandes de Estados Unidos, y tiene una vigencia al igual que el séptimo arte.

De hecho, es el quinto estudio más antiguo del mundo. Se inició en 1912 como ‘Famous Players Film Company’ y desde ahí ha tratado de mantener su logotipo con una que otra variación.

¿Te intrigan los cambios, verdad? A continuación, vamos a hablar de las variaciones que ha ido sufriendo el logotipo con el tiempo.

¿Cómo se adaptó una pintura de paisaje al logo de Paramount Pictures?

Primer logotipo: ‘Montaña Majestuosa’ (1914-1952)

Al principio, fue dibujada como un boceto, creado por W.W. Hodkinson durante una reunión con uno de los fundadores, basado en la montaña Ben Lomond de su niñez en Utah (Estados Unidos).

Curiosidad: Dicho logo que hicieron, en la vida real problamente sería el Artesonraju, de la Cordillera de los Andes en Perú.

En ese entonces, el logo contaba con 24 estrellas, las cuales representaban a los 24 actores que tenía contratados Paramount.

Segundo logotipo: “Montaña retorcida” (1952-1954)

El segundo modelo es muy parecido al anterior, al parecer lo único que cambia es que el cielo es ligeramente más claro. En ocasiones, la montaña lucía más cercana y era poco estética.

Este logo duró hasta el año 1954.

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Tercer modelo: “Montaña Vistavisión” (1954-1967)

Este símbolo fue creado especialmente para la gran pantalla. La imagen era mucho más realista, además el cielo tenía una mayor profundidad.

Como texto aparecía la frase: ‘A Paramount Picture’, pero en ocasiones era reemplazado por ‘A Paramount Release’.

Cuarto Modelo: “Montaña Majestuosa II” (1968-1975)

Tuvo un gran cambio en cuanto al texto, pues a diferencia del anterior solo sacaron a la luz la frase ‘Paramount’.

Las icónicas 24 estrellas que rodeaban la palabra aparecen un poco más grandes.

Como una frase que acompañaba al nombre del estudio decía: “A Gulf+Western Company”.

Quinto símbolo: “Montaña Azul” (1975-1987)

En este año, el estudio cambia la imagen casi real de la montaña, sin embargo aún la mantiene

Cambia por completo los colores, para convertirlo en un tono azulado. Y otro gran detalle es que pasan a ser 22 estrellas.

Las letras se distancian un poco del pico de la cordillera. Este gráfico de mantuvo hasta el año 1987.

Sin embargo, en 1986 surge un hecho importante en el logo de Paramount Pictures

Un cuadro de pintura se convirtió en fuente de inspiración en la reconocida marca. Gracias al artistas Dario Campanile a quien le encargaron una pintura de la montaña majestuosa.

También conocida como ‘La montaña de los sueños’ por sus 75 aniversario en 1987 como logotipo conmemorativo.

La llamativa imagen presenta un pico de tapa blanca con aguas cristalinas, y como era de esperarse esta imagen realista se convirtió en la base del siguiente logotipo.

Teniendo en cuenta el uso de este símbolo, la obra de Campanile prácticamente luce como anónima.

Sin embargo, en una publicación de su blog de 2012, él escribe: “Es genial cuando navegas en Youtube y redescubres las ilustraciones que pintaste hace mucho tiempo. Es bueno que la persona que creó este corto clip me haya acreditado en su descripción”.

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Se usó los siguientes 15 años en películas que comenzó con ‘Critical Condition’ en 1987 y finalizó con ‘Crossroads’ en 2002.

Séptimo símbolo: “Montaña digital” (2002- actualidad)

En este año, los cambios surgen nuevamente. Ahora se puede observar como una gran cantidad de nubes invaden el modelo y se funden con la montaña.

Tanto las letras como las estrellas lucen coloreadas de plata y con un ribete dorado.

Por último, las letras que identifican la frase ‘Paramount’ con Viacom se observan en este nuevo logotipo.

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Fuente: Google

Precisamente, por esta fecha tan importante que se cumplió esta semana, un grandioso homenaje le han creado en donde podremos ver nuevamente las escapadas de “Walter White”, protagonizadas por Bryan Cranston, y “Jesse Pinkman”.

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B.B en un minuto

Tras haber permanecido por 5 temporadas (62 episodios), hay quienes aún se resisten a ver esta popular serie de Aaron Paul, por diversos motivos. Uno de ellos: el tiempo. Y es que si bien podemos recibir la mejor de las críticas de alguna serie, muchas veces no la vemos por cuestiones de tiempo. Pero cuando las comenzamos a ver y nos enganchamos, hasta nos olvidamos del sueño.

Por ello, con motivo de esta fecha tan importante, la diseñadora peruana Esther Bellido Vásquez decidió hacer un cortometraje animado de 1 minuto de duración que resume esta popular serie desde el momento en que Walter era profesor de ciencias de una escuela secundaria y Jesse un desertor, hasta convertirse en el mero mero del negocio de las drogas.

Breaking Bad emitió su episodio piloto el 20 de enero de 2008, y en su trayectoria acumuló 16 premios Emmy, 2 Globos de Oro, 9 Saturn Awards, entre otros premios más, y se convirtió en uno de los programas de televisión por cable más vistos en los Estados Unidos.

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Como el clásico game play de Mario Bross, producido por Nintendo, quien reinventó su plato estrella a través del Nintendo Switch, el cual fue la cereza del pastel (lo mejor que pudo haber creado esta compañía.

Y eso no es todo, según la firma Newzoo, más de 2.2 mil millones de jugadores en el mundo han dado como ingresos la suma de 108.9 mil millones de dólares a la industria de los videojuegos y solo en el 2017. De los cuales, los juegos más pedidos son los deportivos y los de tiradores. Impresionante.

Pero para que entiendas y sepas un poco más de lo que te estoy hablando, te traemos los videojuegos más vendidos durante todo el 2017, según cifras de VGChartz.

5 videojuegos más vendidos a nivel mundial en todo el 2017

1. FIFA18, sé un verdadero crack en el fútbol

Fuente: Google

Es el videojuego de fútbol #25 desarrollado por EA Sport, la cadena experta en la saga de Fifa, el cual se ha vendido más de 5,9 millones de copias, solo en su primera semana.

Donde el 74% de las ventas fue para consolas de PS4, el 19% para Xbox One, 3% para PS3, el 2% para Nintendo Switch, el 1% para Xbox 360 y finalmente un 1% para PC.

Cabe resaltar que cuenta con personajes como Cristiano Ronaldo, Messi, Agüero y Kane.

Y finalmente recordarles que está disponible para las siguientes plataformas: PS4 y PS3, Xbox One y Xbox 360, Nintendo Switch y PC.

2. The Legend of Zelda: Breath of the Wild, acción y aventura en un mismo lugar

Fuente: Google

Otra gran videojuego de Nintendo (Gracias por existir) y eso lo demuestran los números. Pues tiene más de 4 millones 356 mil copias vendidas alrededor del mundo.

El juego está cargado de sorpresas y un juego sólido que te pierdes en Hyrule, el mundo mítico del juego, durante 100 horas o más.

Recordemos que Mario Y The Legend of Zelda, no fueron los únicos grandes lanzamientos de la marca. Este año cumplieron 30 años y con ello trajo de la mano, el lanzamiento de su línea de ropa, junto a la firma musterbrand; los diseños de la ropa, obviamente, son inspirados en el videojuego y sus personajes. 

3. Mario Kart 8 Deluxe, la saga continua

Fuente: Google

Videojuego con más de 3 millones 785 mil copias vendidas en todo el mundo, es desarrollado por Nintendo, para su nueva consola el “Nintendo Switch”.

Este juego viene cargado con pistas de carrera, nuevos y antiguos personajes, anti gravedad (que te volverá loco) y cuenta con un modo de batalla más radical del que normalmente estamos acostumbrados.

4. Horizon: Zero Dawn, el juego del mundo post apocalíptico

Fuente: Google

Videojuego producido por Sony, exclusivo solo para consola Ps4. Este juego es un juego de roles, lo cual le encanta a los video gamers, porque se meten en el rol de tal forma que creen que están ahí.

El juego desde que fue lanzado hasta ahora, ha vendido más de 7 millones 759 mil copias en todo el mundo. Lo cual indica que el mundo post apocalíptico invadido por robots, posiblemente tenga una saga.

5. Call of Duty: WWII, sé parte de la Segunda Guerra Mundial

Fuente: Google

Ya todos los amantes de los videojuegos conocen este juego, pues esta es su decimoquinta entrega, ya que la franquicia tiene más de 14 años en la industria del mercado. Donde su primer videojuego fue ” Call of Duty: World at War” en 2008.

Se lanzó a principios de noviembre de este año, siendo compatible para consolas de PS4, Xbox one y PC (Windows). Además solo hasta el 4 de noviembre, ya se habían vendido más de 2,28 millones de copias, en todas las plataformas.

Si esto empezó eso así, imagínense como estará ahora. Realmente alucinante.

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Desde el ‘Episodio IV: A new Hope’, hasta ‘Star Wars: The last Jedi’, todos hemos sido testigos de la más grande e increíble saga de películas de ciencia ficción creada por George Lucas. Cuando el cineasta estaba en el proceso de ‘Brain Storming’, se dio cuenta que la única forma de lograr que sus fantásticas ideas se lleven a la pantalla grande, era utilizando diversos medios que le permitiesen generar efectos especiales en sus videos.

Reddit | Star Wars special Effects

Como sabemos, la primera película de Star Wars fue estrenada en el año 1977. Para ese entonces, no existían las tecnologías que podemos encontrar ahora. Es por ello que; al igual que muchos otros filmes de la época, sobre todo en las películas de terror, fue necesario usar muñecos, juego de encuadres e incluso maquetas para poder lograr un efecto ‘convincente’.

Star Wars Yoda | Gif Tenor

Es por eso que ahora; estando a puertas del estreno de ‘Star Wars: The last Jedi’, te presentaremos la evolución de los efectos especiales para Star Wars, una de las sagas más aclamadas por todos.

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La evolución de los efectos especiales de Star Wars

El Antes y Después en los efectos especiales de Star Wars

El Deber | Youtube

Las maquetas al estilo expociencia escolar

Probablemente muchos no sabían que los fantásticos escenarios presentados en las primeras películas de la saga, eran maquetas a base de cartón, fond, hilo de pescar y demás. Al mismo estilo de maqueta escolar, los realizadores debían crear planetas, naves, desiertos y entre otros elementos, para poder desenvolver la trama en el contexto deseado. Por supuesto que estas maquetas no debían ser de tamaño real necesariamente; lo cual es algo aún más interesante puesto que, dada la premisa anterior, los realizadores aplicaban dos técnicas.

Mediatrends | Star Wars

Una de ellas fue: Grabar el escenario (la maqueta) sin los personajes para después filmar a los protagonistas frente a una pantalla verde para efectos especiales, luego de realizar esto; lo cual significaba el doble de trabajo, los post productores debían ingeniárselas para pegar ambas tomas en una sola a través de programas de edición y postproducción.

Xabbihutt | Youtube

La otra técnica; la cual significaba ahorro de tiempo pero no siempre se podía aplicar, consistió en crear una maqueta cuyo fondo sea hueco, en el caso de los escenarios con techo y paredes. Encuadrar la cámara, colocar la maqueta frente a esta en primer plano y colocar a los actores, varios metros más atrás de la maqueta frente a una pantalla verde. ¿Esto qué quiere decir?, esto significa que los realizadores jugaban con los tiros de cámara y el manejo de la profundidad.

Xabbihutt | Youtube

El uso de elementos extra como naves, muñecos, planetas o lo que fuere, podían ayudar a crear una atmósfera aún más convincente y con profundidad, para ello sólo bastaba colocarlo en primer plano. Si bien ambas técnicas nos demuestran un arduo trabajo e ingeniosidad, los resultados eran sumamente increíbles, pero para la época. Hoy en día se nos puede resultar más sencillo notar algunos errores en cuanto al montaje de las escenografías e incluso podemos notar que muchos de los elementos en escena son muñecos o han sido fabricados con materiales de arquitectura.

Efectos especiales en Star Wars: Maquetas

Xabbihutt | Youtube

Dykstraflex: La nave ‘camarógrafa’ espacial

Star Wars no sería nada si no fuese por sus batallas espaciales. Para lograr esto, Lucas contrató a John Dykstra como su asistente y supervisor de los efectos especiales. A éste se le ocurrió un día, crear una cámara con control de movimiento, a la cual llamaron: Dykstraflex.

Dykstraflex | ThunderZandor

¿Qué de novedoso tenía la Dykstraflex?, la Dykstraflex se encontraba sobre una grúa y era maniobrada por medio del ordenador. Dicho aparato tenía la capacidad de moverse en 7 ejes diferentes. Así se lograba capturar múltiples elementos ‘en movimiento’ en una sola toma, con gran precisión.

Mediatrends | Star Wars

Si bien la Dykstraflex fue de gran ayuda para realizar las más fantásticas batallas, éste resultaba ser muy costoso, es por ello que George se vio en la necesidad de eliminar varias de las escenas que involucrasen batallas.

Yoda: De Marioneta a Criatura digital

El personaje de ficción más querido por todos; Yoda, también ha sido parte de una gran evolución. Durante las primeras películas de la saga; como era de esperarse, Yoda era una marioneta manejada; nada más y nada menos, que por hilos. Fue creada por Stuart Freeborn y maniobrada por Frank Oz, quien también dio su voz para este simpático personaje.

Wise Smart | Gif tenor

¿Cómo se camuflaba Frank Oz?

Los escenarios fueron construidos y/o ubicados metro y medio más alto del plató, esa era la única forma de que el manipulador se pudiese esconder sin que esto afecte el desenvolvimiento de su labor manejando a Yoda. La misma técnica fue utilizada para Jabba el Hutt, pero en este caso, se utilizó; por obvias razones, una marioneta mucho más grande.

Mediatrends | Star Wars

A partir del año 1999, Yoda se convirtió en una criatura digital. Los cambios son sumamente notables, algo que para muchos no de su total agrado, puesto que prefieren al entrañable muñeco con rasgos más ‘dulces’. Uno de los cambios más importantes en este Yoda es el de sus movimientos. Ahora, gracias a los efectos digitales podemos tener a un Yoda más joven, rápido y ágil.

Go Motion: El inicio del avance tecnológico

Los encargados de los efectos especiales de Star Wars, decidieron buscar una forma de acelerar el proceso de Stop – Motion y conseguir resultados más convincentes. Es así como nace el Go Motion, el cual utiliza un sistema muy similar a la anteriormente mencionada técnica, pero en este caso se motorizaban las articulaciones para que éstas realicen los movimientos deseados cada vez que la cámara capturaba un fotograma.

Proceso de Stop Motion: Star Wars

Star Wars | Youtube

Esto se utilizó en el caso de los muñecos, pero para los vehículos se siguió realizando el movimiento gracias al Stop Motion. Como sabemos, esto se sigue realizando hasta el día de hoy para diversos proyectos cinematográficos y/o audiovisuales en general. Aunque requiera de mucha paciencia, esfuerzo y buen humor, los resultados son simplemente espectaculares.

Star Wars: Go motion | tribalwar.com

El aporte de Disney: El reconocimiento facial y los efectos digitales

Es en este momento en el que la famosa saga de Star Wars empieza a mejorar radicalmente sus efectos gracias al uso del reconocimiento facial y los efectos especiales digitales, aporte de Disney, productora y distribuidora que compró LucasFilm y los derechos de sus películas por 3,125 millones de euros.

Si bien Disney realizó esta compra con el fin de relanzar la saga; en una versión estéticamente mejorada, quiso mantenerse fiel al estilo de la trilogía clásica. Es por tal motivo que actualmente se siguen usando maquetas, maquillaje para efectos especiales y muñecos, pero, se ha implementado el reconocimiento facial, para el cual se debe recubrir la cara y el traje que lleva el actor con sensores, los cuales captan todos sus gestos y movimientos. Para trasladar dicho reconocimiento al ordenador; y así, darle vida a los personajes.

Mediatrends | Star Wars

En estas últimas películas podemos ver un mayor uso de la pantalla verde para crear efectos especiales en videos, elementos ya no hechos con cartón, sino con materiales como acero, plata, plástico y demás. Aunque los cambios hayan sido notorios y; en su gran parte, positivos, el contenido sigue siendo exactamente igual de impresionante. No cabe duda que el séptimo arte y los profesionales que pertenecen al mismo, siguen sorprendiéndonos cada vez más.

ILMVisualFX

Desde juegos de cámara y maquetas, hasta criaturas digitales. Esta fue la evolución de los efectos especiales de Star Wars.

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Actualmente existen muchos profesionales dedicados al diseño y la animación 3D. Ya sea desde el diseño de objetos y/o estructuras arquitectónicas, hasta la animación surrealista y de personajes.

Sea cual sea el caso, estos profesionales se dedican a generar gráficos tridimensionales por el ordenador, con el fin de crear escenas con una mayor proyección visual llena de diversas texturas y volúmenes para un mejor atractivo; en cuanto a la estética respecta, además del dinamismo que caracteriza al diseño y la animación 3D.

Es por ello que diversos artistas digitales han decidido especializarse en el mundo tridimensional. Tal es el caso de Jaime Álvarez, más conocido en Behance; la plataforma para artistas, como Mr. Kat & Friends. Quien nos comenta un poco acerca de su experiencia como artista digital.

Cosmic Panda

Mr. Kat & Friends | Colaboración con Le Cube | Música por David Kamp

Jaime Álvarez: Experto en el diseño y animación 3D

El artista recuerda haberse sentido muy atraído por el arte desde muy pequeño, puesto que, le gustaba pasar sus días dibujando como resultado de la inspiración que sus cuadros familiares; hechos a lápiz, óleo, acrílico y demás, le generaba. Es desde ese momento en el que su interés por el arte en general, empezó a crecer.

Cosmic Panda | Mr. Kat & Friends

Jaime comenta que existen algunos factores clave que son parte de su inspiración. Entre ellos se encuentran el diseño y su vida cotidiana; en especial, quienes forman parte de ella como su esposa y sus 3 gatas.

Cosmic Panda | Mr. Kat & Friends

El artista considera que esos factores juntos, son los que logran que él pueda crear tan divertidas y coloridas animaciones de animales; y así, cumplir sus metas a corto plazo.  Pero sobre todo, poder desarrollar una peculiaridad personal, la cual caracteriza a cada uno de sus diseños y animaciones 3D.

Mr. Kat & Friends: El estilo escultórico y Kawaii en la animación 3D de animales

Con respecto a la personalidad que caracteriza a sus trabajos, él lo define de la siguiente manera: “Me gusta pensar que es un estilo kawaii sofisticado. Al menos, ese es mi objetivo…como si fuera una fusión entre Hello Kitty y Apple (risas)”

Por otro lado, con respecto a Mr. Kat & Friends, “Tiendo a centrarme especialmente en animales, diseñándolos con un estilo escultórico y unos rasgos faciales representativos, aunque también hago todo tipo de objetos, comida y pronto… ¡humanos!”, añade.

Y es que las animaciones de animales del artista logran generar en quien las ve; una mezcla entre ternura y fascinación por las texturas y vibrantes colores pastel utilizados en cada uno de sus proyectos. Vainilla, Robo Kat, Moshi Moshi y Cosmic Panda, son algunos de sus simpáticos personajes.

Vainilla VR | Mr. Kat & Friends

Jaime asegura que entre sus referencias se encuentran aquellos que son exitosos y que constantemente buscan formas de reinventarse. Algunos de ellos son: David OReilly, Gmunk y Matt Pyke. Según Álvarez, todos ellos destacan por su versatilidad y por aprovechar la tecnología y las tendencias; logrando así, deslumbrar a todos aquellos amantes del arte.

Así mismo, quienes; a pesar de los años, siguen en la cima con la misma pasión y dedicación de siempre, también son considerados como sus referencias, tal es el como Gary Baseman. Algo que Jaime rescata es lo siguiente: “Es alentador saber que tus referentes son personas genuinas y sencillas”, “Destaco por último que estos referentes son artistas multi-disciplinares”, añade.

Cosmic Panda | Mr. Kat & Friends

El elegir este camino, le abrió infinidad de puertas. Probablemente; para muchos, tomar una decisión como esta no debió haber sido del todo fácil. Sin embargo, esto no es del todo cierto, sino mas bien al contrario, puesto que el hecho de ser independiente, le permitió ser más organizado con el fin de conseguir que el tiempo dedicado en sus proyectos personales rebote; logrando así, una retroalimentación en sus proyectos profesionales y finalmente, desarrollar un sello que lo defina. Además, de lo que no hay duda, es que no existe nada mejor que dedicarte a lo que te apasiona y conseguir el éxito haciendo ello.

Vanilla’s Cupcake Quest | Mr. Kat & Friends

Tal como él, quien gracias a su talento y pasión pudo sacar adelante a Mr. Kat & Friends, conociendo así diversos artistas, visitando galerías, festivales y demás, lo cual le permitió aprender cada vez algo nuevo y pulir su trabajo. Por su parte, asegura que más allá de la calidad o el valor de lo que hace, crear es sumamente esencial para él.

Vanilla’s Cupcake Quest | Mr. Kat & Friends

“Empecé dibujando a lápiz, más tarde probé graffiti y luego pasé al entorno digital. En los últimos años he incorporado esculturas, un medio que me encanta especialmente por su tangibilidad”, comenta.

Finalmente, sus recomendaciones para aquellos que aman el arte en general, es que siempre sean agradecidos con las oportunidades que llegan. Ser paciente y constante, pues si elegiste ese camino; según el artista, están en donde deben estar.

Si quieres ver más de Jaime Álvarez, entra a: Behance | Mr. Kat & Friends

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Algunas veces, las personas podemos encontrar; nuestra profesión y vocación, a través de la experiencia. Tal es el caso del artista digital oriundo de Egipto; Mohamed Cahin, quien descubrió lo que realmente le apasiona por medio de tutoriales de internet. En este artículo conocerás un poco acerca del creativo uso de los polígonos y color en el diseño, animación y arte digital por Mohamed Cahin.

Vintage Living Room | M.C

Mohamed recuerda haberse sentido atraído por el arte desde siempre, uno de sus hobbies favoritos era el dibujo. Comenta que se la pasaba todos los días dibujando, sin embargo, fue recién hace sólo unos 3 o 4 años que empezó a ver el arte como algo serio.

Mientras cursaba el segundo año de Universidad, notó que no estaba aprendiendo; tanto como él quería, sobre diseño lleno de color, arte y Storytelling. Por tanto, decidió aprender por Internet.

Empezó viendo tutoriales de diferentes tipos de trabajos como: ‘You Name It’, ilustración, arte conceptual, modelado 3D, entre otros. Le gustaba ver estos tutoriales durante todo el día; a medida que iba practicando, hasta quedarse dormido.

Fue justamente en ese momento en el que descubrió que si hacía algo durante 24/7 sin aburrirse, eso quería decir que estaba haciendo algo que realmente ama.

Vintage Living Room | M.C

A diferencia de algunos otros artistas, Cahin considera que es casi imposible tener sólo una fuente de inspiración si eres un artista. Puesto que para él, la inspiración puede llegar a través de diferentes cosas y/o sucesos como por ejemplo: Las películas, libros, canciones, juegos y demás.

Random Renders #2 | Cahin, Mohamed

Si bien no cuenta con una sola fuente de inspiración, comenta que aquello que más lo inspira son las historias, ¿por qué?, porque según Mohamed, en el momento en el que una persona le cuenta una historia, automáticamente empiezan a aparecer una serie de imágenes e ideas creativas en su cabeza.

Blender Low Poly Timelapse | Mohamed Cahin

Lo mejor de todo, es que muchas veces esas ideas se presentan de forma abstracta; permitiendo así, que el diseñador experimente más con su propia creatividad.

Abandoned | Cahin, Mohamed

Con respecto al estilo que lo define, éste es aquel caracterizado por el uso continuo de polígonos en sus diseños tridimensionales, llenos de color. Una de las razones por las cuales prefiere ese estilo es debido a que puede ser utilizado para diferentes rubros.

Abandoned | Cahin, Mohamed

Algunos de esos rubros son: La ilustración 3D, libros infantiles, videojuegos, logos, animaciones e incluso páginas web con aplicaciones en 3D. En caso de inclinarse por otro estilo, comenta que ese sería el diseño minimalista, ya que para Mohamed, muchas veces ‘Menos es más’.

Alto’s adventure fan art timelapse | M. Cahin

Cahin disfruta de poder observar el trabajo de diferentes artistas de todo el mundo, puesto que te permite abrir tu mente a nuevas opciones con las cuales experimentar.

Broken | M.C 

Algunos de sus máximos referentes, quienes según Mohamed “logran que él deje de hacer su trabajo para observar los proyectos de los mismos” son: Jona Dinges, Timothy J. Reynolds, Paul McMahon, Chris Guyot, Andrew Price, Gleb Alexandrou, Reynante Martinez, entre otros.

En cuanto a su experiencia como artista, afirma que realmente ama lo que hace, ya sea desde una escena 3D, un concepto dibujado a mano, personajes, diseño a color, hasta videos, no se puede quejar. Incluso comenta que si de trabajos sin paga se trata, él disfruta del mismo modo.

Usualmente se sienta a ver una película o a leer un libro de cualquier género y automáticamente las ideas empiezan a brotar en su mente. Si está libre, empieza a trabajar en ello al instante; caso contrario, lo programa en su lista de cosas por hacer.

Gravity Falls | C.M

Una de las cosas que más le fascina de su experiencia como artista, es cuando los clientes le solicitan un trabajo pero le permiten que él se encargue de toda la dirección de arte y ese es el momento en el que se siente tan feliz como ‘niño en una juguetería’, ya que es ahí cuando la creatividad llega.

Gravity Falls | C.M

“A veces el cliente comienza a asumir la dirección del arte, eso es lo que más odio para ser honesto. Es ahí cuando tengo que encontrar una iteración que el cliente crea que es buena sin arruinar los colores, la composición y otros aspectos de la obra de arte”, comenta Mohamed.

Random Renders #1 | Cahin, Mohamed

El consejo que le da a todos aquellos a quienes les guste el arte; tanto como a él, es que trabajen 24/7, en el caso de no estar trabajando en proyectos pagados, que trabajen en proyectos personales. Si resulta aburrido pensar en ello.

Blender Low Poly Dead Pool | Mohamed Cahin

El diseñador aconseja retarse a sí mismo. Puede ser a través de un reto de diseño a color, bosquejo, animación o lo que fuere, por 30 días. Gracias a ello podrás notar el progreso de tu trabajo desde el primer trabajo hasta el último.

Si deseas ver más del trabajo del artista, entra a: Behance | Mohamed Cahin

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La Industria fotográfica está creciendo, cada vez las compañías dedicadas a la fabricación de productos para todos lo amantes de la fotografía, buscan lanzar novedosos productos de calidad.

Una de las Compañías mejor posicionadas es Canon, quien hace poco lanzó su popular cámara ‘PowerShot G5 X’; además del lente EF 100-400mm f/4.5-5-6L IS II, cuyo diseño es tan popular que incluso se fabrica merchandising con el mismo.

No contentos con eso, ahora; para alegría de los amantes de la fotografía y los productos de dicha compañía; específicamente, llega ‘Just Because!’ el nuevo anime japonés cuya protagonista; Ena Komiya, lleva como herramienta principal; su tan apreciada cámara Canon PowerShot G5 X ultra realista.

Just Because

Historia original de Hajime Kamoshida; autor de la novelas ‘Sakurasou no Pet na Kanojo’, y la diseñadora de personajes, Kisei Himura.

El anime que será estrenado el jueves 05 de octubre del 2017, gira en torno a las peripecias que una adolescente amante de la fotografía tiene que pasar.

Justbecause.jp | scenes

Ena Komiya, estudiante de secundaria quien a la vez, pertenece al club de fotografía. En el invierno de su tercer año, cerca al final del último semestre del año, llega ‘Él’; un amigo suyo de la escuela primaria hasta que ambos se tuvieron que separar debido a la mudanza del mismo. Gracias a su inesperada transferencia, el destino los reúne de nuevo. Esto hará que Ena; sin querer queriendo, cambie su idea de terminar la escuela sin grandes eventos.

Justbecause.jp | scenes

En paralelo, la protagonista pertenece al club de fotografía de su escuela. Lamentablemente, dicho club no está pasando por un buen momento. Es en ese momento en el que Ena decide tomar; gracias a su cámara fotográfica Canon PowerShot G5 X ultra realista, una serie de fotografías impresionantes con el fin de presentarlas en un concurso, con el fin de ayudar a su club.

Justbecause.jp | scenes

Participación de Canon en Just Because!

La cámara fotográfica Canon PowerShot G5 X ultra realista en el anime Just Because!, no se hubiese podido lograr de no ser por la misma empresa Canon; quien trabajó de la mano con los creadores del anime; brindando la más minuciosa asesoría posible.

Justbecause.jp | scenes

El motivo principal es que; tanto los creadores de la serie como los representantes de la empresa fotográfica, no querían que los espectadores y seguidores de la marca, se sintieran estremecidos al ver algo muy alejado de la realidad.

Justbecause.jp | scenes

Entre los equipos de la marca que aparecerán en el anime, de encuentran: la cámara Canon PowerShot G5 X de alta gama, la EOS Canon 7D Mark II; la cual será la más popular dentro del departamento de fotografía. Del mismo modo se verá cómo Komiya utiliza el famoso lente EF 100 – 400mm f/4.5-5.6L II y la EOS M6 sin espejo.

Justbecause.jp | scenes

Este anime promete mucho entre todos los fanática; tanto de este tipo de animaciones como de la empresa de fotografía, si deseas verla, ésta se estrenará el 95 de Octubre del 2017. Sin duda alguna, esta ha sido una estrategia beneficiosa para ambas partes. Por su parte, gracias a la fama y prestigio del creador de la serie animada, Just Because! ya está generando grandes expectativas.

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Ori toor, una muestra de los fabulosos diseños abstractos del ilustrador… Entre figuras onduladas, geométricas, líneas y colores.

El arte abstracto puede ser un medio para conocer las más auténticas emociones de quien lo realiza. Puesto que, por increíble que parezca, cada forma geométrica; según la dirección de arte y la psicología, tiene un por qué. El ilustrador Ori Toor nos permite entrar a su mundo imaginario, en el que las reglas y la simetría no existen. Diseños abstractos repletos de formas circulares, ondulaciones, ‘rostros entre líneas’ y demás.

Muchos artistas se inician en este mundo gracias al ambiente en el que crecieron; tal es el caso de Ori Toor, ilustrador, artista digital y diseñador gráfico, quien recuerda que fue gracias a su madre que él se empieza a interesar en el mundo del arte desde muy pequeño. Por esa época, su mamá se dedicaba a diseñar textiles y alfombras. Es desde ese momento en el que Toor se empieza a percatar con mayor facilidad de las cosas animadas, los colores y los movimientos. Él constantemente buscada plasmar todo ello que captaba su atención, a través de los personajes que creaba en sus diseños abstractos. Una de sus mayores inspiraciones de pequeño era Taz, ‘El Demonio de Tazmania’.

Behance | Ori Toor

Algunas películas y objetos fuera de lo común eran parte de su mayor inspiración en ese entonces. Sin embargo, con el paso de los años, esto cambió. Actualmente Ori asegura encontrar inspiración a través de absolutamente todo lo que lo rodea para crear diseños abstractos. Siendo así, capaz de encontrar la belleza incluso en lo más mundano, banal y aburrido. Prueba de lo anteriormente mencionado, es que en algunos de sus diseños podemos decodificar algunos objetos fácilmente reconocibles como: macetas, herramientas de Photoshop o Illustrator, plantas, platos de comida, postales, platillos voladores y demás.

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Ori Toor define su estilo como libre. Pero sin duda alguna, una de las cosas que más caracteriza su trabajo como ilustrador es la utilización de líneas y formas curvas, además de los colores vibrantes y figuras geométricas; en su mayoría, circulares. Como se mencionó en un principio, las formas geométricas pueden representar características de la personalidad, percepción y estilo de vida que tiene; en este caso, el artista. Un dato interesante por conocer es que según la psicología y dirección de arte, las formas circulares y líneas curvas representan a una persona de carácter sumamente emocional, llenos de pasión, vulnerabilidad, imaginación y creatividad. Algo que no podría ponerse en duda al observar los diseños abstractos de Ori.

Behance | Ori Toor

Toor comenta que sus únicos referentes son sus propios recuerdos almacenados en su mente. “Mi memoria no es muy buena, es por eso que la mayoría de recuerdos están distorsionados”, dice el ilustrador. Por tal motivo, Ori prefiere improvisar una vez que empieza con su diseño. Lo ual simplemente nos demuestra que este ilustrador tiene una bella forma de percibir, procesar y plasmar sus recuerdos.

No fue muy fácil para Toor llegar a donde está está ahora, pues él al igual que muchos otros artistas, empezó trabajando para una Start Up como animador durante un par de años. Sin embargo, esto no lo hacía completamente feliz. Pasó un tiempo en el que estaba ‘estancado’ y deprimido, pero luego de un tiempo decidió dar el primer paso para trabajar como freelancer sin sentir que ello sería una decisión muy arriesgada. Es así como descubrió que puede dedicarse a lo que ama, sin sentirse presionado o preocupado por eso.

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Su consejo para todos aquellos a los que les encanta el diseño, la ilustración o el arte en general, es que siempre vayan en busca; no de lo más fácil, sino de lo que en verdad les interese.

Por otro lado, te presentamos un vídeo en el que podrás acercarte; de manera más dinámica, al trabajo de este talentoso artista.

Diseños abstractos de Ori Toor

Behance | Ori Toor

Behance | Ori Toor

Behance | Ori Toor

Behance | Ori Toor

Behance | Ori Toor

Behance | Ori Toor

Behance | Ori Toor

Behance | Ori Toor

Behance | Ori Toor

Si quieres ver más de Ori toor puedes entrar a: Behance | Ori Toor

Imágenes: Behance

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Apple se ha caracterizado por presentar constantemente; lujosos diseños y divertidas aplicaciones para sus dispositivos móviles. Sin embargo, desde su aparición en el 2007; la cual fue muy exitosa y trajo consigo mucha novedad, con el paso de los años Apple y su línea de IPhones no ha presentado nuevas tecnologías; lo cual, siempre ha sido criticado por los consumidores.

No obstante, en esta oportunidad nos ha demostrado que ‘lo mejor viene después’. El día 12 de septiembre del 2017; en el Teatro Steve Jobs en California, se realizó el lanzamiento de su nuevo Smartphone; el IPhone X, junto  a otros nuevos productos como: El IPhone 8, el Apple Watch Serie 3, Apple TV 4K y el IPhone 8 Plus.

Sin embargo, el dispositivo que captó la atención fue sin duda el IPhone X, ¿por qué?, por sus nuevos ‘Animojis’; emojis animados que funcionan a través de reconocimiento facial.

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Aunque esto pueda parecer una tontería para algunos, hay otras personas a las que; debido a la moda de las máscaras de Snapchat e Instagram Stories’, les encantaría convertirse en uno de los famosos emojis. Ahora, gracias al IPhone X puedes ser desde un alocado unicornio, un travieso mono hasta un atractivo extraterrestre, un gato coqueto y demás.

Una costosa propuesta ‘futurista’

Y pensar que hace algunos años atrás nos maravillábamos tan solo con la idea de tener un celular con el famoso juego de Snake, o con un móvil que tuviese variadas opciones para ringtones. Y ni qué decir de aquellos afortunados que podían tener un celular con cámara.

Hoy en día, lo que pensábamos que podría pertenecer a una generación más ‘futurista’ está al alcance de nuestras manos. Claro que esta divertida iniciativa no es nada económica como nos gustaría. El IPhone X cuesta; nada más y nada menos que, US$999; convirtiéndose así, en el IPhone más costoso de la historia de Apple.

Esta, por simple que parezca, ha sido una excelente estrategia para Apple. Puesto que, con la tendencia de los filtros cambiadores de rostro de las anteriormente mencionadas aplicaciones; Snapchat e Instagram, pudimos haber pensado que los emojis podrían empezar a pasar de moda. Pero; hace unos meses empezó a circular en las salas de cine y en diversas plataformas digitales, el tráiler de una película animada llamada: ‘Emoji: La película’, la cual se estrenó en agosto del 2017 en Latinoamérica. Esta película; muy independientemente de que sea buena o no, puso en la mira a los emojis para las generaciones más jóvenes; los niños.

¿Coincidencia o Estrategia?

Por otro lado, la famosa serie original de Netflix: ‘The Black Mirror’ a través de uno de sus episodios de la segunda temporada: ‘The Waldo Moment’, narraba la historia de un sujeto que tomaba la apariencia de un peluche de color azul, ¿cómo? A través de un software por reconocimiento facial. Entonces, fusionando el estreno de la película de emojis con este recordado capítulo por la generación de los millenials, Apple presenta su IPhone X con emojis animados por sistema de reconocimiento facial. Una buena estrategia, ¿cierto?

Podemos estar muy seguros de que, por más caro que sea, habrán muchos que querrán comprar este nuevo dispositivo para estar al día con las últimas tecnologías.

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Cabe mencionar que el IPhone X, además de presentar esta novedosa opción, también se prenderá y apagará el móvil a través del reconocimiento facial. Algo que parece no ser del agrado de todos, pero por otro lado nos trae también otra buena noticia: Apple ha incorporado una función para cargar el móvil de manera inalámbrica. ¿Qué más podemos pedir?

A continuación te mostramos un video presentación del nuevo IPhone X. Si lo que quieres es ver únicamente la herramienta de emojis, puedes adelantar hasta el segundo 30’.

Imágenes: Social Underground

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Los cortometrajes se basan en contar historias en un tiempo reducido. Pueden ser de diversos géneros y técnicas. Aunque la duración de un cortometraje sea menor a la de un largometraje, esto no quiere decir necesariamente que el proceso sea más rápido y sencillo.

Si de cortometrajes animados hablamos, éstos requieren muchas veces de más tiempo de dedicación debido al: diseño de personajes, diseño de movimiento por movimiento, diseño de escena por escena, digitalización, animación, colorización, doblaje y demás.

Sin duda alguna, éste es un arduo trabajo que; aunque parezca increíble, ha sido condecorado en los Oscars desde el año 1932; mientras que, los cortometrajes no animados recién empezaron a ser premiados en el año 2000.

“Drama, fantasía, amor y creatividad reflejados en estos 10 maravillosos cortometrajes animados ganadores del Oscar”

Piper (2017)

Cortometraje de 6 minutos de duración. Producido por la gigante productora y distribuidora ‘Pixar’. Premiado en los Oscars del presente año 2017. Creada por Alan Barillaro y Marc Sondheimer.

Piper es una pequeña ave costera que; tras dejar el nido por primera vez, debe ir en busca de su propio alimento. ¿Qué se interpone en su camino?, las olas del mar. Piper tiene mucho temor a las olas y ello le permite conseguir su objetivo; y así, saciar su hambre.

No cabe duda que el Oscar que recibió ‘Piper’ estuvo bien merecido ya que el increíble realismo que se aprecia a través del excelente trabajo de 3D; además de, la ternura que nos generan los personajes principales son indiscutibles. El director quiso transmitir; a través de su corto, lo siguiente: “Debes crecer en un mundo que parece tan grande y tan intimidante con el coraje de superar tus miedos”.

Youtube |  Disney België | Piper Clip

Historia de un Oso (2016)

Cortometraje animado de 10 minutos de duración. Dirigido por Gabriel Osorio y producido por Patricio Escala. Premiado como el mejor cortometraje animado del año 2016.

Narra la historia de un oso que recuerda su vida y el momento en el que fue capturado junto a su familia para ser usado en un circo como atracción. Estos personajes en realidad simbolizan el exilio del abuelo de Gabriel Osorio; el director, cuando fue exiliado tras la violencia del régimen militar pinochista.

La manera en cómo retrata una historia real a través de metáforas y personajes que logran enternecer al espectador es impecable. El mensaje que el director quiso transmitir a través de su cortometraje es: “No hay nada que valga para separar a una familia”.

 Feast (2015)

Cortometraje de casi 7 minutos de duración. Dirigido por Patrick Osborne. Pertenece al estudio cinematográfico de Walt Disney. Premiado como mejor cortometraje animado en el año 2015.

El corto nos enseña cómo el mejor amigo del protagonista; su perro llamado Winston, ve la vida amorosa del mismo.

De una manera divertida e inocente nos muestran cómo puede cambiar la vida de una persona debido a una relación amorosa. Esto a través del cambio que también se ve reflejado en la vida de su mascota.

Youtube | Moviepilot Trailer | Disneys Feast – Teaser Trailer 

 Mr. Hublot (2014)

Cortometraje animado de poco más de 11 minutos. Coproducción entre Francia y Luxemburgo, realizada por Laurent Witz y Alexandre Espigares. Corto galardonado en los premios Oscar del año 2014.

Este cortometraje nos muestra cómo un hombre que se encuentra completamente encapsulado en un solitario, moderno y rutinario mundo; se reencuentra con su lado más humano al adoptar un cachorito que se encuentra abandonado en la calle.

Youtube |  Movieclips Trailers | Mr. Hublot Official Trailer

 Paperman (2013)

Cortometraje de Walt Disney, dirigido por John Kahrs. Dura aproximadamente. Uno de los cortometrajes más famosos, no sólo por su romántica trama, sino también porque fue realizado a través de la técnica de mano alzada fusionada con la animación digital; además de, la antigua estética de los dibujos y películas de Disney.

Cuenta la historia de dos jóvenes desconocidos de Nueva York en los años 40. Ambos sin decir ni una sola palabra, sólo cruzando las miradas; logran recrear una de las historias más románticas que se han podido ver en cuanto a cortometrajes respecta.

Youtube | Walt Disney Animation Studios | Paperman Trailer 

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 The Fantastic flying books of Mr. Morris (2012)

Cortometraje de 15 minutos de duración, realizado por William Joyce y Brandon Oldenburg. Ganador del Oscar a mejor cortometraje animado en el año 2012.

La historia gira en torno a Mr. Morris Lessmore, un hombre que; ‘gracias’ a un huracán, es trasladado a un mundo de libros voladores. Este mundo de libros voladores y el cambio que genera en la vida y forma de pensar y actuar del protagonista; son metáforas de cómo la lectura es capaz de iluminar nuestras vidas.

 Youtube | TIFF | The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Trailer

 The Lost Thing (2011)

Cortometraje dirigido por Andrew Ruhemann y Shaun Tan. Cortometraje de 15 minutos de duración. Se llevó el premio al mejor cortometraje animado en el año 2011.

En un mundo tan solitario, mecánico, en el que ya nada; que no pertenezca a la rutina, parecen no importar. Un universo de seres que se asemejan a una fusión entre animales en peligro de extinción y/o objetos que parecen ya no tener una utilidad relevante en mundo actual.

 Logorama (2010)

Cortometraje dirigido por Nicolás Schmerkin, cuenta con 15 minutos de duración. Premiado como el mejor cortometraje en el año 2010.

Este corto nos muestra a diferentes logos y personajes de marcas reconocidas por todos; a quienes, les ocurren diferentes situaciones en una peculiar ciudad de los Ángeles.

 Youtube | UniFrance | Logorama 2009

 La Maison en petits cubes (2009)

Producción japonesa dirigida por Kunio Kôto. Cortometraje ganador del Oscar en el año 2009; cuya duración es de poco más de 12 minutos.

Este cortometraje muestra la historia de un solitario anciano quien; tras la expansión de agua, constantemente debe construir un piso más a su casa. Tras casualidades de la vida, debe bajar hacia los primeros pisos. Durante el camino se encontrará una serie de objetos que le recordarán momentos muy especiales y/o tristes de su vida como: el fallecimiento de su esposa, el matrimonio y el nacimiento de su hija, su primer amor, cómo fue que empezó la expansión del agua y finalmente la construcción del primer piso de su casa.

Un cortometraje capaz de tocar las fibras de cualquier persona.

Youtube |  Memmorandumi | La Maison en Petits Cubes Trailer

 Peter and the Wolf (2008)

Cortometraje de 30 minutos de duración, realizado por Suzie Templeton. Ganadora del Oscar en el año 2008. Único cortometraje de la lista que utiliza la técnica del Stop –Motion.

Este corto presenta la historia de Peter; un niño que no le teme a nada. Él irá acompañado de un pájaro algo ‘loco’, en busca de un lobo con el fin de cazarlo; ya que éste, se la pasa atemorizando a los patos.

Youtube | MacSmiley | Peter & the Wolf

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El arte de la imaginación y las habilidades de Evgeny Viitman, se juntaron para crear increíbles diseños. En esta serie de animaciones, Viitman nos presenta a: “Musaka, That Bob, Robodude, Alice, Zunn, entre otros de los personajes de ‘Viajeros del Espacio’.

Evgeny Viitman, diseñador de personajes, videojuegos y director de arte con más de 10 años de experiencia desarrollando videojuegos. Considera que su inclinación por el arte se debe a que desde muy pequeño trató de seguir los pasos de sus padre; un par de artistas teatrales. Le gustaba observar cómo sus padres trabajaban creando escenografías, diseñando personajes para obras de teatro, dibujando, pintando y esculpiendo.

Según Viitman, “El arte del juego está muy cerca del arte teatral”. Aunque eso es algo que no nos consta; coincidimos en que el haber vivido rodeado de arte desde su infancia, logró que este artista desarrollase su talento y espíritu creativo.

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En cuanto a sus principales fuentes de inspiración se encuentran: Su esposa, los dibujos animados, el ambiente y la música. Además, “ver cómo mis hijos crecen y van desarrollando más habilidades es algo sumamente inspirador para mí”, comenta Evgeny.

Los famosos dibujos animados: “Rick & Morty”, “Adventure Time” y “Bob Esponja” son también parte de su inspiración. Además describe a las obras de Miyazaki como: “¡El apogeo de la maravilla!”.

Considera que su estilo se basa en la sencillez y la consistencia; no en la perfección, ya que él no cree que algo deba ser perfecto. Viitman considera que es en aquello que no ‘brilla’ en donde aparece la estética.

Entre sus referencias se encuentra la aclamada saga de películas de “Star Wars”, “Firefly”, Dungeon Keeper”, Toulouse Lautrec”, entre otros. Si bien; podemos ver algunas de esas referencias reflejadas en los diseños de Evgeny, rescatamos la originalidad y esencia propia del mismo.

Considera que dentro del mundo del arte; sobre todo, en el de diseño de videojuegos, es factor clave que el artista se muestre versátil a los cambios y peticiones de sus clientes. “Es muy difícil encontrar un alma que sea similar a la tuya dentro de las relaciones de negocios en el desarrollo del juego. Siempre será como: te encanta esto y quieres ir a este estilo, pero nadie te dará dinero para eso, y es por eso que te tienes que ajustar”, comenta el diseñador.

Finalmente, Evgeny aconseja a todos aquellos que aman el diseño y/o el arte en general que: nunca deben rendirse. Por otro lado,  nunca dejar de creer. No importa necesariamente cuál sea el resultado final; será el proceso de creación, lo que nos sirva para seguir aprendiendo y descubrir el camino que nos apasiona.

Imágenes: Behance

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